ALEJANDRO SANZ

DIEZ AÑOS DESPUES de estar  A GOLPES CONTRA EL CALENDARIO me dado cuenta AMIGA MIA de que solo soy un APRENDIZ y AQUELLO QUE ME DISTE, AUN HOY es para mí un CAMINO DE ROSAS.

Cuando tú quieras DEVUELVEME LA VIDA de lo contrario tendré que tirar EL ALMA AL AIRE en un DUELO AL AMANECER porque aún ando con el CORAZON PARTIO.  Por favor ENSEÑAME TUS MANOS y déjame estrecharte entre mis brazos para que sepas que HE SIDO TAN FELIZ CONTIGO que NUESTRO AMOR SERA LEYENDA.

    Alejandro Sanz

Alejandro Sánchez Pizarro; Madrid, 1968) Cantante español, uno de los artistas pop de mayor repercusión internacional. Músico y compositor de la mayoría de sus canciones, ha obtenido los premios más importantes del género (Ondas, Amigo, Grammy) y varios discos de Oro y de Platino nacionales y extranjeros.

De sus padres, gaditanos ambos, y de los veranos en Alcalá de los Gazules y en Carmona, le viene ese acento andaluz que comparte también su hermano mayor, Jesús, pero que en él se traduce además en sus canciones. Su gusto por la música fue también herencia familiar: su padre formó parte de dos grupos musicales y grabó un disco como cantante de estudio, y su padrino es el compositor Manuel Alejandro.

A los siete años sabía tocar la guitarra y pronto empezó a componer. Con catorce años, cuando los suyos se mudaron al barrio de Moratalaz, comenzó a moverse por ambientes flamencos, y ese contacto con lo que él consideraba sus orígenes y un perseverante aprendizaje musical caracterizaron su adolescencia y guiaron sus primeros pasos artísticos. Aún en plena adolescencia, decidió que quería dedicarse de lleno a la música y, en repetidas ocasiones, se escapó de su casa con su guitarra como único bagaje, para recorrer los diferentes lugares turísticos de la costa andaluza, cantando en tabernas y restaurantes a cambio de un plato de comida. Empezó a tomar clases de guitarra y pronto consiguió algunos trabajos en unos estudios de grabación, donde le contrataron para hacer los coros y el acompañamiento musical de algunos cantantes.

Su primer sueldo como "profesional" de la música lo cobró a los dieciséis años, poco antes de tomar el nombre artístico de Alejandro Magno y lanzar su primer disco, una extraña mezcla de flamenco y pop (muy en boga en los años ochenta) titulada Los chulos son pa cuidarlos, que pasó prácticamente inadvertida. Comenzó a componer letras y melodías para otros grupos y solistas, como Los Chicos De Tass y Juan Carlos Valenciaga, al tiempo que se introducía en la producción intentando lanzar el grupo Laventura.

Irrumpió en el mercado discográfico con Viviendo deprisa (1991) y, siendo casi un niño pese a sus 23 años, se convirtió de inmediato en ídolo de adolescentes, aunque el millón largo de copias vendidas y los primeros siete discos de Platino que recibió presagiaban ya un público más amplio. Lo confirmaron sus siguientes entregas: Si tú me miras (1993), Básico (1994) y Alejandro Sanz III (1995). Este último trabajo contenía el single La fuerza del corazón, con el que Alejandro Sanz, lejos de las probaturas experimentales realizadas en discos anteriores, buscaba y consiguió relanzar esa imagen de nuevo ídolo juvenil de los años noventa que se había labrado con los temas de su primer álbum.

Cuando su música comenzó a traspasar fronteras y su consolidación artística era un hecho indiscutible, le compró un Mercedes a su padre y a su madre le montó una peluquería, y más tarde los instaló en una lujosa casa de 600 metros cuadrados en la zona norte madrileña. Siguiendo la misma línea estética y comercial, lanzó al cabo de dos años un nueva colección de canciones, Más (1997), en la que figuraba el tema Corazón partío, que estaba llamado a convertirse en número uno en todos los países de habla hispana.

                                                                                          

Corazón partío convirtió a Alejandro Sanz en uno de los cantantes y compositores más galardonados de la historia reciente de la música en lengua española. En la II edición de los Premios de la Música de 1998, el artista madrileño fue el triunfador absoluto de la velada, al resultar recompensado con los premios al mejor autor, al mejor artista pop, al mejor tema del año (Corazón partío), al mejor vídeo musical y mejor álbum del año (Más). En cuestión de días, el tema se había convertido en un clásico de la música popular, emitido a todas horas por la radio y la televisión, y escuchado y tarareado en cualquier parte.

A partir de entonces, los premios comenzaron a lloverle en todos los rincones del planeta. Al año siguiente, tras haber lanzado al mercado un nuevo álbum, titulado El alma del aire (2000), Sanz volvió a erigirse en rotundo triunfador en la gala de los Premios de la Música, al ser agraciado con tres galardones (mejor artista pop, mejor autor pop y mejor elepé). Poco después, el reconocimiento le llegó del ámbito internacional, pues consiguió nada menos que cuatro premios (mejor grabación, mejor álbum del año, mejor canción y mejor álbum pop masculino) en la segunda edición de los Grammy Latinos.

Sus siguientes álbumes fueron también éxitos clamorosos. El primero, titulado MTV Unpluged (2001), le convirtió de nuevo en triunfador en la gala de los Premios de la Música 2002, donde se le otorgaron tres galardones: mejor canción (Y sólo se me ocurre amarte), mejor álbum y mejor vídeo; y le consolidó, asimismo, como gran figura internacional de los Grammy Latinos, en cuya tercera edición (2002) se alzó también con tres premios: mejor grabación, mejor álbum y mejor canción.

No es lo mismo (2003) tenía el propósito confeso, ya indicado en el título, de marcar una clara línea de separación entre sus anteriores trabajos. El éxito de este álbum, una fusión de letras urbanas y ritmos aflamencados, excedió las expectativas más optimistas. Aunque el cambio de registro causó cierto desconcierto, las copias volvieron a despacharse por millares, y granjearon a Sanz otros reconocimientos como los tres galardones que obtuvo en los Premios Amigo 2003 (al mejor artista, al mejor álbum español y al mejor vídeo musical). Continuando con sus ya tradicionales triunfos en el continente americano, en febrero de 2004 obtuvo otro Grammy al mejor álbum de pop latino.

Tras una gira triunfal por todo el mundo, Alejandro Sanz lanzó un ambicioso disco recopilatorio que, bajo el título de Grandes éxitos: 91-04 (2004), englobaba lo más granado de su trayectoria artística hasta la fecha. Durante el verano de 2005, el cantante madrileño protagonizó otra exitosa gira de conciertos por todo el mundo al lado de la cantante colombiana Shakira, con la que interpretaba a dúo un tema de encendida pasión amorosa, Tortura, acompañado de un tórrido vídeo de presentación.

Se especuló con la unión sentimental entre ambos cantantes, especialmente cuando se vio confirmada, en julio de dicho año, la ruptura entre Sanz y su esposa, la modelo mexicana Jaydy Mitchel, con la que tuvo una hija (Manuela). Sanz se había unido a ella en un extraño matrimonio celebrado por sorpresa en la isla indonesia de Bali. La prensa especializada puso énfasis en el hecho de que el conocido cantante hubiese sido capaz de mantener en secreto su noviazgo, y no faltaron quienes señalaban que se trataba de un enlace de conveniencia, pactado por ambos contrayentes con intereses muy distintos: ella, para ganar fama y prestigio al lado del célebre cantante, y proyectar así su carrera de modelo fuera de su país; y él, para acallar los rumores que circulaban por Madrid acerca de su supuesta homosexualidad.

JOAN MANUEL SERRAT

A ESE PAJARO DORADO o A QUIEN CORRESPONDA tengo que dejarle saber que AQUELLAS PEQUEÑAS COSAS son las que nos hacen escuchar una  BALADA DE OTOÑO.  ASI EN LA GUERRA COMO EN LOS CELOS siempre hay BUENOS TIEMPOS  para sentirse COMO UN GORRION, CONVERSANDO CON LA NOCHE Y EL VIENTO  y  DE ALGUNA MANERA entre CANTARES le grito al mundo DE CUANDO ESTUVE LOCO como, DON QUIJOTE, porque andaba enamorado de ti que eres DE CARTON PIEDRA.  DEJAD QUE CANTE EL MUCHACHO y DISCULPE EL SENOR que ese, EL NIÑO YUNTERO, HERIDO DE AMOR me ayuda a decirle al mundo entero que ella es LA MUJER QUE YO QUIERO.

JOAN MANUEL SERRAT

Joan Manuel Serrat nace en Barcelona, 1943 Cantautor español. Hijo de una familia obrera que vivía en el barrio barcelonés del Poble Sec (a lo que alude su apodo El noi del Poble Sec), se graduó como perito agrónomo, profesión que nunca llegaría a ejercer. Su primera presentación en público como cantautor tuvo lugar en 1965, en Radio Barcelona; ese mismo año entró a formar parte del grupo Els Setze Jutges. Dos años después editaría su primer álbum, con el sello Edigsa.

Serrat fue uno de los iniciadores de la Nova Cançó catalana, generación de cantautores contestatarios que reivindicaron el uso del catalán durante la dictadura franquista y que componían sus letras al modo poético e intimista de sus inspiradores de la chanson francesa. Pero Joan Manuel, hijo de padre catalán y madre aragonesa, pronto empezó a cantar también en castellano, y eso lo hizo candidato a representar a España en el festival de Eurovisión de 1968. Serrat decidió finalmente no participar si no podía hacerlo en catalán, y la canción preparada para él, La, la, la, acabó siendo interpretada por Massiel, que ganó el festival. Por aquella renuncia estuvo vetado en la televisión y en las emisoras de radio estatales durante casi diez años.

Pese a todo, la calidad de sus composiciones (que en adelante alternarían con toda naturalidad el catalán y el castellano) se impuso a las presiones políticas, consiguiendo convertir infinidad de temas en emblemáticos de toda una generación. Esta etapa musical es, sin duda, la más fértil de un Joan Manuel que sabe retratar a la perfección paisajes y sentimiento, hasta el punto de que álbumes comoMediterráneo (editado en abril de 1971) le llevaron a estar presente en media Europa y en toda Sudamérica. La censura volvió a dejar fuera el tema Edurne (cuya letra cuenta una historia referida a la represión franquista en Euskadi) y en 1975 hubo de autoexiliarse en México a raíz de unas manifestaciones contra el régimen franquista.

Regresó tras la muerte de Franco y, en plena transición política, Serrat adquirió un tono más intimista y nostálgico (En tránsito, 1981), conservando intacto su prestigio y, desde luego, el reconocimiento internacional en álbumes comoSincerament teu (1987), en el que colaboraron figuras de la música brasileña. Ello no le impidió comprometerse activamente con las campañas del Partido Socialista Obrero Español (PSOE). Nunca ajeno al clima social, editó en 1992 el LP Utopía, en el que, de un modo maduro, lejos del tono panfletario de los cantautores de finales de los sesenta, volvió a la carga contra los tópicos utilizados por los poderes políticos y económicos, temática que ya había abordado en El Sur también existe(1985).

Utilizando adecuadas dosis de ironía y sensibilidad en todas sus composiciones, Joan Manuel Serrat fue desde sus inicios el mejor fotógrafo de la realidad española. Ayudó además a rescatar del olvido a poetas como Antonio Machado, Rafael Alberti, Miguel Hernández, Salvat Papasseit o Mario Benedetti. Su capacidad creadora y su talento han servido de referencia a músicos e intérpretes no sólo de su generación sino también de las siguientes, como lo prueba la edición, a finales de 1995, de un álbum homenaje en el que artistas más jóvenes pero igualmente consagrados realizaron versiones de sus temas más conocidos.

Después de cuatro años sin grabar, en 1998 publicó el álbum Sombras de la China, que reunía once temas inéditos. En 2000 editó Cansiones, un trabajo que firmó con el nombre de Tarrés (su apellido leído de derecha a izquierda) y en el que ofrecía un repaso del cancionero clásico hispanoamericano que, según el propio autor, le ha acompañado durante su dilatada carrera. Dos años más tarde, lanzó al mercadoVersos en la boca, nuevo disco con once temas inéditos, y en 2003 presentó Serrat sinfónico, trabajo para el que reunió dieciséis temas de su repertorio grabados con la Orquesta Sinfónica de Barcelona.

En marzo de 2004 fue condecorado con la Orden de Mayo en el grado de comendador, una de las más altas condecoraciones que otorga el Gobierno argentino, por su compromiso con la democracia y la lucha por los derechos humanos. Este reconocimiento se vio además acompañado de innumerables muestras de cariño de sus seguidores ante la noticia de que el cantante padecía un cáncer de vejiga, del que tuvo que ser operado en noviembre de ese mismo año. Felizmente recuperado, en abril de 2006 presentó un nuevo trabajo en catalán, Mô, un canto a la isla de Menorca y, en especial, a su capital, Mahón.

Como si se tratase del ocaso de su carrera, cuando en realidad continúa desplegando una envidiable creatividad, a Joan Manuel Serrat le llueven los premios en reconocimiento a su larga trayectoria como cantautor. Entre los más recientes se cuentan la Medalla de Oro al Mérito del Trabajo, concedida por el gobierno español en 2006, con la que se le reconocía, además de su labor profesional, el ser "un referente moral"; el título de doctor honoris causa por la Universidad Complutense de Madrid por su contribución a la lengua española en general y a la catalana en particular, también en 2006; la Medalla de Honor del Parlamento de Cataluña y el nombramiento como caballero de la Legión de Honor de la República Francesa, ambos en 2007. Entre premio y premio, el más estimado de los cantautores españoles realizaba en 2006 y 2007 dos exitosas giras por todo el mundo: Serrat 100x100, en compañía de Ricard Miralles, y Dos pájaros de un tiro, a dúo con Joaquín Sabina.

FEDERICO GARCIA LORCA

Balada Triste
Canción Otoñal

el Chopo Muerto

El Concierto Interrumpido

por un El Diamante

al caer en la Encrucijada

Arboles

Si mis manos pudieran deshojar

Espigas

las Llagas de amor

de El lagarto viejo

serian mi Madrigal

La sombra de mi alma

La luna y muerte

Presentimiento

Se ha puesto el sol

Elegía del silencio

Hora de estrellas

“In memorian”

Federico García Lorca

Federico del Sagrado Corazón de Jesús García Lorca nace en Fuente Vaqueros, Provincia de Granada, España el 5 de junio de 1898 fallece el 18 de agosto de 1936

Fue hijo de un hacendado, Federico García Rodríguez y de la segunda esposa de este, Vicenta Lorca Romero, quien fuera maestra de escuela y que fomentó el gusto literario de su hijo. Los primeros años de la infancia de Federico García Lorca transcurrieron en el ambiente rural de su pequeño pueblo granadino, para después ir a estudiar a un colegio de Almería.

Continuó sus estudios superiores en la Universidad de Granada: estudió filosofía y letras y se licenció en derecho. En la universidad hizo amistad con Manuel de Falla, quien ejerció una gran influencia en él, transmitiéndole su amor por el folclore y lo popular.

Después de su madre, fue Fernando de los Ríos quien estimuló el talento del entonces pianista en favor de la poesía; así, en 1917 escribió su primer artículo sobre José Zorrilla, en su aniversario.

En 1918 publicó su primer libro "Impresiones y paisajes", costeado por su padre. En 1920 se estrenó en teatro su obra "El maleficio de la mariposa", en 1921 se publicó "Libro de poemas", y en 1923 se pusieron en escena las comedias de títeres "La niña que riega la Albahaca" y "El príncipe preguntón". En 1927, en Barcelona, expuso su primera muestra pictórica.

En esta época frecuentó activamente a los poetas de su generación que permanecían en España, en torno a la Residencia de Estudiantes: Jorge Guillén, Pedro Salinas, Gerardo Diego, Dámaso Alonso, Rafael Alberti, y sobre todo Buñuel y Dalí, a quien después le dedicó la Oda a Salvador Dalí. El pintor, por su parte, pintó los decorados del primer drama del granadino: Mariana Pineda. En 1928 publicó la revista literaria Gallo, de la cual salieron solamente dos números.

En 1929 se marchó a Nueva York. Para entonces se habían publicado, además de los antes mencionados, sus libros Canciones (1927) y Primer romancero gitano (1928). Esta última es su obra más popular y accesible.

De nuevo en España, en 1932 Federico García Lorca fue nombrado director de La Barraca, compañía de teatro universitario que se proponía llevar a los pueblos de Castilla el teatro clásico del Siglo de Oro. Su interés por el teatro, tanto en su vertiente creativa como de difusión, responde a una progresiva evolución hacia lo colectivo y un afán por llegar de la forma más directa posible al pueblo. Así, los últimos años de su vida los consagró al teatro, a excepción de dos libros de poesía: Diván del Tamarit, conjunto de poemas inspirados en la poesía arabigoandaluza, y el Llanto por Ignacio Sánchez Mejías (1936), hermosa elegía dedicada a su amigo torero, donde combina el tono popular con imágenes de filiación surrealista.

Las últimas obras de Federico García Lorca son piezas teatrales. Yerma (1934) es una verdadera tragedia al modo clásico, incluido el coro de lavanderas, con su corifeo que dialoga con la protagonista comentando la acción. Parecido es el asunto en Bodas de Sangre (1933), donde un suceso real inspiró el drama de una novia que huye tras su boda con un antiguo novio. Entre todas ellas se destaca La Casa de Bernarda Alba (1936), considerada su obra maestra, fue también la última, ya que ese mismo año, al estallar la guerra civil, fue detenido por las fuerzas franquistas y fusilado diez días más tarde, bajo acusaciones poco claras que señalaban hacia su papel de poeta, librepensador y personaje susceptible de alterar el «orden social».

Listado de sus obras:

Poesías

• Libro de poemas (1921)
• Poema del cante jondo (1921)
• Oda a Salvador Dalí (1926)
• Romancero gitano (1928)
• Poeta en Nueva York (1930)
• Llanto por Ignacio Sánchez Mejías (1935)
• Seis poemas galegos (1935)
• Diván del Tamarit (1936)
• Sonetos del amor oscuro (1936)

Obras teatrales

• El maleficio de la mariposa (1921)
• Mariana Pineda (1927)
• La zapatera prodigiosa (1930)
• Retablillo de Don Cristóbal (1928)
• El público (1930)
• Así que pasen cinco años (1930)
• Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín (1933)
• Bodas de sangre (1933)
• Yerma (1934)
• Doña Rosita la soltera o el lenguaje de las flores (1935)
• La casa de Bernarda Alba (1936)
• La fuerza de la sangre (inacabada) (1936)
•  

Prosa

• Impresiones y paisajes (1918)

JULIA DE BURGOS

Una CANCION DE LA VERDAD SENCILLA  solo  para que sepas que EL HOMBRE Y MI ALMA son como  esta AMANECIDA  que es INTIMA,  que es ES UN ALGO DE SOMBRA que YA NO ES MIO MI AMOR que YO MISMA FUI MI RUTA hacia un VIAJE ALADO que me lleva a encender VELAS SOBRE UN RECUERDO en el RIO GRANDE DE LOIZA. 

¡Rio Grande de Loíza!... Alárgate en mi espíritu

 y deja que mi alma se- pierda en- tus riachuelos

 para buscar la fuente que te robó de niño
y en un ímpetu loco te devolvió al sendero.

JULIA DE BURGOS

Julia Constancia Burgos García; Carolina, Puerto Rico, 1914 - Nueva York, 1953 Poetisa puertorriqueña. Julia de Burgos se graduó de maestra normalista en la Universidad de Puerto Rico en 1933.

En 1934 trabajó en la PRERA (Agencia para la Rehabilitación Económica de Puerto Rico, por sus siglas en inglés) en Comerío, como empleada de una estación de leche, lugar en que los niños de familias pobres recibían desayuno gratuito. Contrajo nupcias con Rubén Rodríguez Beauchamp en ese mismo año.

Al cierre de la PRERA, durante corto tiempo ejerció como maestra en un barrio de Naranjito en 1935. En esa época escribió su famoso poema Río Grande de Loíza. Durante ese año Julia de Burgos también conoció e hizo amistad con Luis Llorens Torres, Luis Palés Matos Evaristo Ribera Chevremont, entre otros poetas boricuas.

Durante 1936 publicó su poema Es nuestra la hora en una hoja suelta. Estaba comenzando a darse a conocer en el ambiente literario. En octubre de ese año pronunció el discurso La mujer ante el dolor de la Patria, en la primera asamblea general del Frente Unido Pro Convención Constituyente, en el Ateneo Puertorriqueño. Escribe los dramas breves Llamita quiere ser mariposa, Paisaje marino, La parranda del sábado y Coplas jíbaras para ser cantadas.

En 1937 coinciden dos hechos significativos en la vida de Julia de Burgos: la ruptura de su matrimonio con Rubén Rodríguez Beauchamp y la edición privada de Poemas exactos a mí misma, que representa una de sus primeras manifestaciones líricas, cuyo paradero actualmente se desconoce. Al año siguiente conoció al médico y sociólogo Juan Isidro Jimenes Grullón, quien habría de convertirse en su más acrisolado amor.

Publicó además, en 1938, su obra Poema en veinte surcos. En 1939 publicó su Canción de la verdad sencilla, obra premiada por el Instituto de Literatura Puertorriqueña. Un año después viajó a Cuba, en donde conoció a múltiples intelectuales, entre éstos Juan Marinello, Juan Bosch, Raúl Roa y Manuel Luna. Desde ese momento en adelante residió alternativamente en La Habana y Nueva York, dedicándose al periodismo y a la creación literaria.

El 18 de enero de 1940 llegó a la ciudad de Nueva York. A los quince días de su llegada concedió una entrevista al periódico La Prensa, que se publicó bajo el título "Julia de Burgos, poetisa puertorriqueña, en misión cultural en Estados Unidos". El viernes 5 de abril de 1940 la Asociación de Periodistas y escritores Puertorriqueños rindió un homenaje público a Julia y a Antonio Coll y Vidal, en el Wadleigh High School Auditorium, en Nueva York. En 1941 se fue a vivir a La Habana. En la Universidad de esa metrópoli se matriculó en cursos de griego, latín, francés, biología, antropología, sociología, psicología, higiene mental, didáctica...

La relación con Juan Isidro llegó a su final en 1942. Tras esa decepción amorosa decidió partir hacia la ciudad de los rascacielos, en donde deambuló en busca de empleo. Durante algún tiempo trabajó como inspectora de óptica, empleada de un laboratorio químico, vendedora de lámparas, oficinista y costurera.

Póstumamente se publicaron El mar y tú y otros poemas (1954) y Yo misma fui mi ruta (1986). Bajo el título de Obra poética el Instituto de Cultura Puertorriqueña recogió su lírica en 1961. Una muestra de sus versos figura en la Antología de la poesía cósmica puertorriqueña, publicada por Manuel de la Puebla en 2002 y en las grandes colecciones de poesía hispanoamericana.

Julia de Burgos falleció en la ciudad de Nueva York, el 6 de julio de 1953. Aún su muerte estuvo rodeada de misterio. Fue encontrada inconsciente y sin identificación alguna entre la Calle 106 y la Quinta Avenida y falleció al ser trasladada al Hospital de Harlem. Ante la falta de identificación, su cuerpo fue enterrado en una tumba anónima. Posteriormente fue trasladada a Puerto Rico y sepultada en el Cementerio de Carolina, el lugar más cercano posible al Río Grande de Loíza que tanto la apasionó.

La obra de Julia de Burgos se caracteriza por su singular fuerza, que surge de su apasionado romanticismo que la lleva a desarrollar de una manera mística y metafísica la naturaleza y el amor. La hondura y calidad de su producción poética, su extraordinaria capacidad para reflejar los problemas de la mujer de su tiempo, así como las excepcionales circunstancias que rodearon su vida y su muerte (envueltas en un halo de dolor, enajenación y desarraigo que la había llevado a considerarse como una "desterrada de sí misma"), han hecho de ella una de las figuras más fascinantes no sólo de las letras puertorriqueñas de la primera mitad del siglo XX, sino de toda la literatura hispanoamericana contemporánea.

HECTOR OCHOA CARDENAS

En MI BELLA MEDELLIN me puse escribir UNA SERENATA PARA TI, porque estoy APRENDIENDO A VIVIR y como yo soy MUY ANTIQUEÑO y TU LO  MEJOR DE TODO y PASE LO QUE PASE mi BENDITO AMOR vas a ver que EL AMOR NO SE ACABA y que juntos andaremos siempre por EL CAMINO DE LA VIDA.

HECTOR OCHOA CARDENAS

Héctor Ochoa Cárdenas nace en Medellín, Colombia el 24 de julio de 1934 es un compositor y músico  hijo de Eusebio Ochoa, quien fuera profesor y compositor de música andina, colombiana y religiosa.

Las obras musicales de Héctor Ochoa, centradas mayoritariamente en la exaltación del sentir popular emergente de una sincera y profunda inspiración impulsada por el amor a su tierra antioqueña, se han convertido en símbolos de la música colombiana del interior del país.

Su obra-canción “El camino de la vida” fue declarada como la Canción Colombiana del siglo XX por la academia musical de esa nación en 1999. De esta pieza se han vendido varios millones de copias.

Otra de sus composiciones, “Muy antioqueño", es considerada por muchos, incluido el Presidente de la República en los tiempos de 2005 Álvaro Uribe Vélez, quien también es antiqueño, como la mejor canción del Maestro Ochoa, descriptora de la tierra y el alma paisa.

Héctor Ochoa dio sus primeros pasos musicales en varios radioteatros de Medellín, mientras ejercía una modesta carrera como empleado bancario. Su idoneidad en las labores corrientes de su trabajo lo llevaría luego, además de su actividad musical, a ocupar cargos directivos altos en la banca de su región. Fue durante 12 años (hasta 2006) director de “Antioquia le Canta a Colombia”, fundación cultural sin ánimo de lucro que propende por la preservación y divulgación de la música andina colombiana.

Debido a sus creaciones y a su asiduo trabajo en defensa de los derechos de los compositores e intérpretes, el maestro Héctor Ochoa ha recibido importantes distinciones y condecoraciones, entre otras:

El Escudo de Oro de Antioquia (Máxima Condecoración del Departamento de Antioquia).

La Medalla Alcaldía de Medellín (Máxima Condecoración del Municipio de la localidad de Medellín, Antioquia).

La Orden de la Democracia, otorgada por el Congreso de la República de Colombia.

El Tiple de Oro, otorgado por la Fundación Garzón y Collazos.

La Lira de Oro y la Medalla Santa Cecilia en Colombia.

Distinción de la Sociedad de Autores y Compositores de Colombia SAYCO. Distinción del Concejo de las ciudades de Santa Fe de Antioquia e Ibagué (Colombia).

Fue elegido también por la cadena radial “Múnera Eastman Radio”, de Medellín, como personaje del siglo XX en el área de la música en Antioquia. Toda la nación de Colombia es representada a nivel mundial por las obras de este magistral autor y compositor, Héctor Ochoa, ya que al interior de cada una de sus notas se expresan los rasgos más profundos de los pueblos paisas y de Colombia en general.

El único Colombiano nominado el 4 de diciembre de 2012 en la primera edición del "HALL DE LA FAMA de Compositores Latinos" (Latin Songwriters HALL OF FAME) en la ciudad de Miami-USA.

FELIPE "DON FELO" ROSARIO GOYCO

En MI JARAGUAL, estando contigo me olvido, de todo y de mí, parece que eres mi MADRIGAL y aunque no quiero que nadie, sepa mis tristezas, porque MI DOLOR ES MIO, este canto lastimero de una tórtola sola, no es más triste y sincero, DESDE QUE TU TE FUISTE. Yo se que tú que guardas las llaves que trancan los cerrojos, de mi cárcel maldita, pero aún siendo mi CARCELERA,  NO SABES qué terrible es sufrir y esperar cuando todo se vuelve, contrario a mis ansias de amor y placer.

FELIPE ROSARIO GOYCO

Felipe “Don Felo” Rosario Goyco nace el 1ro. de febrero de 1890 en Santurce, Puerto Rico. Don Felo dejo muchas historias para contar en su Isla del Encanto. Solo curso cuatro anos de estudioso en la escuela elemental. Fue un ávido lector y un autodidacta ejemplar.
Don Felo fue una persona privilegiada por la naturaleza en el campo de la música. De familia muy pobre, no tuvo sino las condiciones mínimas que en su época eran factibles, el saber leer y escribir. Aprendió a tocar muy bien la guitarra y desarrolló una memoria extraordinaria para recordar las canciones que iba componiendo (unas 200), ya que nunca aprendió a leer música. Trabajó como auxiliar de albañilería, carpintería e inspector de sanidad, tenía ingresos adicionales porque trabajaba como músico en su tiempo libre, acompañando a grupos de danza como guitarrista. Se le toma como uno de los mejores guitarristas de su época y es recordado por su trabajo con el virtuoso del cuatro, Ladí, en el Conjunto Típico Ladí y el Conjunto Aurora, y como acompañante del dueto Quiñones-Jesús. Como compositor, Goyco es recordado por preciosas canciones románticas de las cuales dos resaltan como clásicos, guardados en el corazón de la historia musical de Puerto Rico: “Madrigal” y “Desde que te fuiste”. Rosario Goyco es también conocido por su excelente manejo del vocabulario jíbaro. Esto se demuestra en canciones tales como “Mi Jaragual”, que compuso a finales de los años 40.

Tanto con letras, como las que eran puramente instrumentales, presentaba una serie de variaciones armónicas que constituían un reto a la imaginación del guitarrista acompañante. Se puede decir, sin temor a equivocarse, que la música de Don Felo es adictiva y que una vez se entra en ese mundo es difícil de salir de él, ya que el gusto se afina y acostumbra a exigencias musicales que no se encuentran normalmente en otros compositores.
Tuvo cinco hijos en su matrimonio con doña María Fuentes. Murió el 22 de julio de 1954, en Barrio Obrero, a la edad de 64 años.

NOEL ESTRADA

Hay un RUMOR DE LLANTO y un ROMANCE DEL CAFETAL cuando EL AMOR DEL JIBARITO siente que NUESTRO AMOR TERMINO.  SERIA UNA LOCURA  que la FLOR DE JIBARITA no pudiera ver a CUBA EN LA LEJANIA y que se quedaran llorando EN MI VIEJO SAN JUAN.

NOEL ESTRADA

El compositor Noel Estrada (June 4, 1918 – 1979) 

Aunque el compositor Noel Estrada Suárez nació en el pueblo de Isabela en 1918, se crió en San Juan, ciudad a la que le dio renombre a través de la más conocida de sus creaciones, la canción "En mi Viejo San Juan". 

La famosa composición, ampliamente conocida alrededor del mundo, fue escrita por Estrada como respuesta a una petición que le hiciera su hermano que se encontraba destacado en Panamá con el ejército durante la Segunda Guerra Mundial. Este le pidió que escribiera una canción que a él y a sus compañeros les calmara la nostalgia que sentían por el País. Un día mirando el mar desde un balcón en el Viejo San Juan, Estrada convirtió en canción los sentimientos de los puertorriqueños ausentes. 

"En mi Viejo San Juan" fue grabada por primera vez en 1943 por el Trío Vegabajeño. A la del trío puertorriqueño le sucedieron cientos de versiones en voces de figuras como Libertad Lamarque, Marco Antonio Muñiz, Ginamaría Hidalgo, Felipe Pírela y Javier Solís, entre otros. Es precisamente a este cantante mexicano que Noel Estrada responsabiliza por la internacionalización del tema, que junto a "Verde luz" y "Preciosa", está considerada como uno de los himnos musicales de Puerto Rico. 

"En mi Viejo San Juan" ha sido grabada en inglés, alemán y francés. Existen versiones en todos los géneros musicales: instrumental, acústico, tango, bolero, ranchera y hasta una versión disco que el cantante Oscar Solo hiciera en 1977. Precisamente fue en esa década que Carlos Romero Barceló, entonces alcalde de San Juan, declaró a la canción himno de la ciudad capital mediante ordenanza municipal. 

El compositor puertorriqueño tuvo en "En mi Viejo San Juan" su máxima creación. Sin embargo no fue ésta la única que legó al pentagrama. En España y Latinoamérica composiciones como "El amor del jibarito" y el villancico "Llévame a ver a Jesús" fueron difundidas en las ondas radiales con éxito. De este último se han editado decenas de versiones destacándose entre las más recientes, la realizada a capela por Haciendo Punto en Otro Son. 

De 600 composiciones hechas por Estrada en todos los géneros musicales, tan sólo se conocen unas decenas. Entre sus composiciones se encuentran "Pobre amor", "Pedacito de Borinquen", "Lo nuestro terminó", grabada por el dúo Pérez de Córdova, "Amor del alma", "Sería una locura", "Flor de jibarita", "Cuba en la lejanía", "Mi romántico San Juan" (Primer premio Festival Compositor Puertorriqueño en 1964), "Viva la amistad" (Segundo premio Festival Internacional de la Canción y la Voz de Puerto Rico en 1976), "Rumor de llanto" y "Romance del cafetal". 

El cancionero navideño de Puerto Rico cuenta entre sus clásicos con la canción “Llévame a ver a Jesús”, original del compositor isabelino. La misma ha sido grabada por intérpretes como María Esther Robles, el Coro de Niños de San Juan y, en fecha reciente, Haciendo Punto en Otro Son. 

Contrario a lo que se pueda pensar, el himno de San Juan no era la canción favorita del autor. "Me extrañarás", una de sus últimas creaciones que trata sobre lo que sucede cuando muere uno de los miembros de una pareja romántica, fue la favorita del compositor. 

En 1966 fue declarado hijo adoptivo de la ciudad de San Juan y se le entregó la llave. El gobierno español le confirió la condecoración "Cruz de Caballero de la Orden de Isabel La Católica" en 1972. 

Cinco años más tarde se le rindió un gran homenaje para recaudar fondos en el coliseo Roberto Clemente en el cual participaron figuras como Julio Iglesias, Wilkins, Ednita Nazario y Ruth Fernández. Ese mismo año el cantante mexicano Antonio Aguilar le donó la taquilla de uno de sus espectáculos en Puerto Rico. 

Aunque Noel Estrada goza de amplio reconocimiento en el campo musical, profesionalmente se desempeñó como jefe de protocolo y etiqueta del Departamento de Estado durante 35 años. También contaba con un bachillerato en Administración de Empresas de la Universidad de Puerto Rico

RAFAEL HERNANDEZ

SILENCIO que hay CONGOJA Y AUSENCIA cuando se apartan dos corazones, ni siquiera el sonido de las CAPANITAS DE CRISTAL o el aroma de un CAPULLITO DE ALELI junto al PERFUNE DE GARDENIA puede calmar este DESVELO DE AMOR. Ahora SEREMOS FELICES  porque VENUS la más linda estrella bríndome luz y pude escuchar Los CARRETEROS pregonar el LAMENTO BORICANO,  EL CUMBACHERO bailar por las calles al saber que llevo DIEZ  AÑOS, NOCHE Y DIA, ENAMORADO DE TI, que soy EL BUEN BORICANO que en una CANCION DEL ALMA le grita al mundo que eres PRECIOSA. Rafael Hernández Marín nació en Aguadilla, Puerto Rico, el 24 de octubre de 1892. Las obras de Rafael Hernández Marín, uno de los compositores más importantes de la música puertorriqueña durante el siglo 20, han logrado desafiar las pruebas del tiempo. Comenzó a tomar clases de música a los 12 años, con los profesores Jose Ruallán Lequerica y Jesus Figueroa. Aprendió a tocar varios instrumentos, tales como: la corneta, el violín, el trombón, el bombardino, la guitarra y el piano. En su adolescencia, se mudó a San Juan, donde tocó en la Orquesta Municipal bajo la dirección de Manuel Tizól. En 1912, compuso su primera canción, una danza titulada "María y Victoria", pero con el comienzo de la Segunda Guerra Mundial, Hernández tuvo que servir en las Fuerzas Armadas de los Estados Unidos, donde tocó con la Banda Militar. Después de su experiencia militar, Hernández se mudó a Nueva York donde conoció a próceres tales como: Luis Muñoz Marín, Luis Llorens Torres, Luis Palés Matos y Pedro Flores. Más tarde viajó a Cuba, donde condujo la Orquesta del Teatro Fausto en la Habana. Después de 4 años, retornó a Nueva York, donde organizó al Trío Borínquen. Después de un período breve de logros, con canciones como: "Siciliana", "Me la Pagarás" y "Menéalo", el Trío Borínquen fue disuelto y Hernández fundó otro grupo. La nueva banda fue llamada Conjunto Victoria, através de la cual Hernández tuvo uno de los períodos más importantes de su carrera ascendiente. Al comienzo de los años 40, Hernández viajó a Méjico, un país que siempre consideró su segundo hogar; emprendió estudios en el Conservatorio Nacional de la Música de Méjico, del cual se graduó como maestro de armonía, composición y contrapunto. RAFAEL HERNANDEZ Volvió a Puerto Rico en el 1953 y, después de varios viajes exitósos a diferentes pueblos de la Isla, trabajó como consultante de música para la recién-creada emisora gubernamental, WIPR. Entre los años 1956 a 1959, sirvió como Presidente Honorario de la Asociación de Compositores y Autores de Puerto Rico. Hernández participó en varias causas cívicas y ayudó a fundar Beisból de Pequeñas Ligas para jóvenes puertorriqueños. El 11 de diciembre de 1965, Hernández murió --después de una larga lucha contra el cáncer. Su herencia al Pueblo consta de más de 3,000 composiciones musicales de diversos géneros, incluyendo clásicos tales como: "Silencio" (letra), "Ausencia" (letra), "Campanitas de Cristal" (letra), "Preciosa" (letra) y "El Cumbanchero". Pero, quizás su canción más famosa sea "Lamento Borincano" (texto de la canción), que ha sido grabada por numerosos artistas desde que se escribió. Ella representa las luchas del jíbaro puertorriqueño para poder subsistir; el arquetipo de un héroe que el pueblo puertorriqueño se ha identificado con muy de cerca. Identificarse con este pobre jíbaro, desanimado por su inabilidad de vender sus mercancías en la placita del pueblo puede ser interpretado como representación de la lucha propia de Puerto Rico por su identidad nacional e independencia en la cara de su historia colonial. Una de las versiones más viejas de la canción fue interpretada por Alonso Ortiz Tirado-Lamento Borincano. Una versión moderna-Lamento Borincano fué hecha por los esfuerzos de colaboración de: Gilberto Santa Rosa, Marc Anthony y La India. Las obras de Hernández fueron aclamadas más allá de su natal Puerto Rico. Los mejicanos de la región de Puebla consideraban "Que Chula es Puebla" como su himno oficioso. De la misma manera, muchas personas en la República Dominicana consideran "Linda Quisqueya" como su segundo himno nacional.