ERNESTO LECUONA

MIENTRAS YO COMIA MAULLABA EL GATO parecía que de mi CAJITA DE MUSICA salía MELANCOLIA para LA MULATA, LA HABANERA que en LA DANZA INTERRUPIDA del PRELUDIO EN LA NOCHE  yo le gritaba ERES TU EL AMOR pero ven acércate para que veas COMO BAILA EL MUÑECO.

GONZALO ¡NO BAILES MAS! que ELLA Y YO, ZENAIDA, bailaremos LA CONGA DE MEDIANOCHE y LA COMPARSA. ¡ECHATE PA’LLA MARIA! Que LOLA ESTA DE FIETA y bailando la DANZA DE LOS ÑAÑIGOS.

Ernesto Lecuona

Ernesto Sixto de la Asunción Lecuona Casado nace en Guanabacoa el 6 de agosto de 1896 y fallece 29 de noviembre de 1963 en Santa Cruz de Tenerife, España,  Compositor y pianista cubano. Excelente pianista, dedicó la mayor parte de su creatividad musical a este instrumento, con obras en las que explotaba, de manera imaginativa y original, los ritmos y las melodías caribeños. Nacido en el seno de una familia de músicos, sus inicios en la composición fueron muy precoces (escribió su primera canción a los once años). Precisamente han sido sus canciones, más que su música instrumental, las que le han valido el reconocimiento de muchos melómanos. De entre su amplia producción en este campo destacan las tituladas Andalucía, Malagueña, Siempre en mi corazón, La comparsa, El crisantemo, Mariposa y, sobre todo, Siboney, su pieza más recordada. Junto a ellas, merecen citarse también las zarzuelas Rosa la China, María de la O y El cafetal, en las que supo encontrar un estilo propio, independiente de los modelos tradicionales españoles y con ciertos puntos de contacto con la comedia musical estadounidense.

Ernesto Lecuona se dio a conocer como precoz y extraordinario pianista: con sólo diecisiete años se graduó en el Conservatorio Nacional con Medalla de Oro en interpretación. Durante los años siguientes consiguió éxito internacional como intérprete, dando conciertos en La Habana y Nueva York; en esta ciudad comenzó a profundizar en la composición, que se convertiría en su actividad principal. A lo largo de su vida, Lecuona se mantuvo muy activo profesionalmente: actuó en teatros y salas de España, Cuba y Latinoamérica como compositor, pianista y director. Fundó además los grupos Havana Symphony (con Gonzalo Roig), la Lecuona Cuban Boys Band y La Orquesta de La Habana. Durante algunos años, tocó el piano en la discoteca madrileña Long Play, cercana a la Gran Vía. Murió en Santa Cruz de Tenerife, adonde había viajado para conocer la tierra natal de su padre.

Lecuona se dedicó también al cine, componiendo un total de once bandas sonoras para estudios cinematográficos de Hollywood, España y Latinoamérica. En 1942 fue nominado para un Premio de la Academia por la música de la película Always in my heart, una producción de la Warner Brothers. Otra banda sonora para Hollywood fue la de All This and Glamour Too (1938), en la que se interpretan los temas Siboney yWhenYou're in Love. Para la película Under Cuban Skies creó los temas Free Soul(1931), Susana Lenox (1931), Pearl Harbor (se desconoce el año de composición) yThe Cross and the Sword (también de fecha desconocida). Películas realizadas fuera de los Estados Unidos para las que el compositor hizo la banda sonora son María de La O (México), Adiós Buenos Aries (Argentina) y La Última (Cuba).

Pero su popularidad procede sobre todo de su talento melódico: llegó a componer un total de 406 magníficas canciones, muchas de las cuales se convirtieron en grandes temas que serían adaptados con arreglos diversos a lo largo de los años, con varias combinaciones vocales e instrumentales, realizadas tanto por Lecuona como por muchos otros músicos. Escribió también operetas, ballet, zarzuelas, revistas y ópera. Son especialmente recordadas por su calidad las zarzuelas ya citadas (María de la O, El cafetal y Rosa la china). Su obra más ambiciosa fue la ópera El Sombrero de Yarey, en la que estuvo trabajando durante varios años y que no llegó a representarse; gran parte de las partituras se perdieron.

Lecuona compuso también más de 176 piezas para piano solo, entre las que se cuentan las seis piezas que componen la Suite Andalucía: Córdoba, Andaluza, Alhambra, Gitanerías, Guadalquivir y Malagueña. Otras obras conocidas son Ante El Escorial, Zambra gitana, Aragonesa, Granada, San Francisco el Grande, Aragón y La habanera. De sus 37 obras para orquesta (que incluyen tres para piano y orquesta) la más famosa es Rapsodia Negra, una fantasía basada en temas de su zarzuela El cafetal. Lecuona raramente orquestaba sus obras, dejando esta labor para amigos y colegas. Muchas de sus piezas para orquesta, como la Rapsodia Negra, son popurrís basados en temas de otras composiciones suyas. A menudo utilizaba el término mosaico para describir su obra.

RENÉ MARQUÉS

OTRO DIA NUESTRO, EN UNA CUIDAD LLAMADA SAN JUAN, LA MIRADA, INMERSO EN EL SILENCIO observando LA CARRETA. 

LA MUERTE NO ENTRARA EN LE PALACIO porque ese es  UN NIÑO AZUL PARA ESA SOMBRA de LOS SOLES TRUNCOS que ya está entrando a LA VISPERA DEL HOMBRE.

René Marqués

René Marqués García; nace el 4 de octubre de 1919 en Arecibo, Puerto Rico, fallece en 22 de marzo de 1979 en San Juan.  Escritor puertorriqueño, autor de una obra literaria caracterizada por la crítica a las oligarquías de la isla y la reivindicación de la identidad cultural y política del país frente al colonialismo estadounidense. Dicha problemática aparece claramente en su novela La víspera del hombre (1959) y se refleja en cuentos como Otro día nuestro (1955) o En una ciudad llamada San Juan (1960). Fue también autor de obras teatrales de gran fuerza simbólica, entre las que destacan El sol y los MacDonald (1950), Un niño azul para esa sombra (1960) y La casa sin reloj (1961).

René Marqués permaneció en su ciudad natal en los primeros años de su vida, en la casa de sus abuelos, donde una tía suya, Trina Padilla de Sanz, imbuyó en él un valor supremo: el amor a la libertad. Aparte de poeta, escritora y pianista, Trina era una ferviente defensora de la independencia de Puerto Rico y de los derechos de la mujer. En su casa departían los hombres y mujeres más ilustres de Puerto Rico. Dentro de ese trasfondo familiar de gran intelectualidad y efervescencia política se nutrió Marqués en su camino hacia la superación y la madurez.

Marqués se graduó de agrónomo en el Colegio de Agricultura y Artes Mecánicas de Mayagüez en 1942. Estudió literatura en 1946 en la Universidad de Madrid, desde donde remitía artículos al periódico El Mundo. Al regresar a Puerto Rico en 1947, se trasladó a Arecibo y continuó con sus colaboraciones periodísticas, labor por la que mereció un premio de periodismo concedido por el Instituto de Literatura Puertorriqueña. En la Universidad de Columbia y en el Taller Dramático de Piscator estudió dramaturgia tras ser becado por la Fundación Rockefeller. Durante la década de 1950 trabajó en la División de Educación de la Comunidad, de la cual llegó dirigir la sección editorial, que produjo los famosos Libros para el pueblo.

Dejando a un lado algunos poemas de adolescencia, que el propio autor rechazó, lo mejor de su obra son sus cuentos y sus piezas teatrales. Su interés por el teatro se manifestó desde su juventud. En 1948 publicó el drama El hombre y sus sueños en la revista Asomante; en 1953 se consagró con La carreta, un drama en tres actos que fue llevado a escena en Nueva York en 1953 y en Puerto Rico en 1954. Los cuentos constituyen el otro aspecto destacado de la creación literaria de René Marqués. En su libro Literatura puertorriqueña: su proceso en el tiempo, Josefina Rivera de Álvarez sitúa a Marqués "en el número de los mejores narradores de la literatura puertorriqueña de todos los tiempos".

Se inició como cuentista en 1942, cuando publicó algunos relatos en la revista Alma Latina. El Ateneo Puertorriqueño premió su cuento "El miedo" en 1950. La mayoría de sus cuentos se publicaron en colecciones: Los casos de Ignacio y Santiago (1953), Cinco cuentos de miedo (1954), Otro día nuestro (1955), Cuatro cuentos de mujeres (1959), En una ciudad llamada San Juan (1960). Publicó además las novelas La víspera del hombre (1959), con cierta carga autobiográfica, y La mirada (1975). En el ensayo El puertorriqueño dócil (1960), se ocupó de los rasgos que para el autor definen la personalidad del puertorriqueño.

Josefina Rivera señaló sobre René Marqués que "Su refinada conciencia de escritor hinca raíces a la par en el meollo de la carne espiritual puertorriqueña (haciéndose eco de una vitalísima inquietud ante la incertidumbre del destino político y cultural isleño) y en las corrientes de anchura universal que han renovado en Europa y América el contenido y forma de la expresión literaria del presente". De ahí que su producción sentase precedentes que otros habrían de imitar. Su creación literaria no fue una obra de complacencia, sino de retos y tentaciones, llena de ansias de libertad y de independencia para su patria.

RAPHY LEAVITT

PAYASO, TE EQUIVOCASTE es MENTIRA, no podemos creer que MI BARRIO se encuentre llorando pero siempre hay una PRIMERA VEZ.  Hoy nuestra DUEÑA Y SEÑORA tiene el corazón HERIDO es un LAMENTO JIBARO  y TORMENTO saber que EL BUEN PASTOR haya llamado a su lado a este CORAZON DE NIÑO.  Hoy estará sentado bajo LA SOMBRA DE UN FLAMBOYAN tomándose un CAFÉ COLAO junto su SOLDADO y cuidando que su CUNA BLANCA siga brillando porque él sabe que hay COSITAS QUE NO SE OLVIDAN.

 Raphy Leavitt

Rafael Ángel Leavitt Rey Nacido el 17 de septiembre de 1948 en Puerta de Tierra, barrio de San Juan, Puerto Rico, falleció el 5 de agosto de 2015 en la ciudad de Miami, Florida. De familia de clase media, Raphy quedó huérfano de madre cuando apenas contaba con tres años de edad. Una década más tarde, en plena pre adolescencia, el sentido de pérdida lo volvió a impactar al morir su progenitor.

Recibió su educación elemental, intermedia y secundaria en el colegio San Agustín, localizado en el mismo barrio donde nació. Al graduarse de la Escuela Superior recibió el honor de "Excelencia General". Ingresó en la Universidad de Puerto Rico con matrícula de honor, donde estudió Administración Comercial, especializándose en Administración de Negocios y Contabilidad.

Desde muy temprano en su adolescencia, Raphy Leavitt dejó sentir su inquietud por la música popular. Inicialmente estudió acordeón en la Academia de George Kudirka. Posteriormente formó el conjunto musical Los Señoriales y en 1966, fundó La Banda Latina. En esta etapa de su carrera Raphy sólo interpretaba los éxitos de otras orquestas. Pero la informalidad de muchos de los integrantes de ambos grupos llevó al joven músico a buscar una forma más seria de abordar la salsa.

Al llegar a sus años de universitario, comienza a despertar en Raphy el deseo de aportar algo positivo al género afroantillano, el cual era considerado escandaloso y sin sentido. En esta etapa de su vida, Raphy se propuso demostrar que dicha música podía enriquecer a la sociedad con canciones que llevaran un mensaje, sin necesidad de recurrir a la chabacanería.

Cuando en 1971 la salsa dominaba el pentagrama puertorriqueño era un hecho consumado, Raphy Leavitt apareció con una nueva orquesta de jóvenes talentos llamada La Selecta.

Su primera composición se titulo "Payaso", un bolero montuno cuya grabación marcó un triunfo trascendental para la novel orquesta La Selecta. En esta composición Raphy introdujo a la música de la salsa la utilización de soneos (inspiraciones del vocalista) en forma de décimas puertorriqueñas. Con esta selección La Selecta se colocó entre las principales orquestas de Puerto Rico; trascendió en el pentagrama con canciones como "Te equivocaste" y "Lamento rumbero" y recibió los galardones Disco de Oro y 45 de Oro.

En 1972, al cumplir La Selecta su primer aniversario, surgió de la inspiración de Leavitt, su segundo super éxito "Jíbaro soy". Canción que marca el período de la afirmación nacional en la salsa de los 70's, "Jíbaro soy" reafirmó la fuerza de La Selecta y la encumbró nuevamente hacia primeros lugares.

Debido al éxito de esta canción, la orquesta salió en gira artística por el Este de los Estados unidos, sin haber terminado la grabación del disco de larga duración donde aparecía "Jíbaro soy". Desafortunadamente el grupo tuvo un fatal accidente automovilístico en Connecticut en el que perdió la vida el trompetista de la orquesta Luisito Maisonet, mientras el propio Leavitt quedó al borde de la muerte.

Tanto Raphy como otros tres integrantes de la orquesta permanecen hospitalizados por seis largos meses. Pero mientras se recuperaba de las heridas, le surgió la inspiración para uno de los éxitos más impactantes de su trayectoria: "La cuna blanca". Como homenaje póstumo a la memoria de Luisito, esta composición se difundió con fuerza en territorio nacional, así como trascendió en países como Panamá, Venezuela, Colombia y en el mercado latino del los Estados Unidos.

"La cuna blanca" le dio Raphy su segundo Disco de Oro. Pero además le mereció el premio "Compositor del Año" y el "Busto de Oro Rafael Hernández".
En el primer concierto de Nueva York, luego del accidente, recibió la "Placa de Bronce del Madison Square Garden" En su visita a Panamá se le otorgaron los premios Búho de Oro, Grupo Orquestal más popular y Orquesta Internacional más Popular.

Produce en 1976 el cuarto éxito de La Selecta; "El buen pastor", por el cual recibió un 45 de Oro y entró de lleno al mercado de Venezuela.

La Selecta recibió en 1987 el Premio Diplo como Orquesta del Año. Tras 19 años de labor profesional, Raphy Leavitt comenzó en la década del 90, estableciendo su propio sello disquero, identificado como R.L. Récords.

"Café colao", "Soldado", "Amor y paz", Lamento Jíbaro", "Dueña y señora" y "A la sombra del flamboyán", “Te Equivocaste”, “Soldado”, “La Cuna Blanca” han sido algunos de los muchos éxitos musicales que han coronado la labor de Raphy Leavitt y su orquesta La Selecta.

Esta agrupación, que ha contado con las voces de figuras como Sammy Marrero, Tony Vega, Carlitos Ramírez, Osvaldo Díaz, se ha mantenido firme en su propósito de no recurrir a la vulgaridad o a temas de doble sentido para ganar popularidad.

ALBERTO CORTEZ

A MIS AMIGOS hoy le digo QUE SUERTE HE TENIDO DE NACER.  Tengo que dar GRACIAS A LA VIDA porque  COMO EL PRIMER DIA, COMO DE COSTUMBRE y aún CUANDO TU TE HAYAS IDO yo te llevo EN UN RICON DEL ALMA y MIENTRAS LLUEVE he de ESPERARTE, en NUESTRA CASA con MIGUITAS DE TERNURA, PARA CUANDO VUELVAS decirte bien cerquita al oido que aún TE QUIERO.

Alberto Cortez

José Alberto García Gallo (Aberto Cortez) nació el 11 de marzo de 1940 en Rancul, provincia de La Pampa. Estudió música en el Conservatorio Chopin de la ciudad de Mendoza y a los 20 años viajó a Europa para iniciar su carrera artística.

En 1960 grabó sus primeros discos en Bélgica, realizando luego una gira por diferentes países europeos como Holanda, Alemania, Francia, Italia y España, donde se estableció desde 1964. Tres años después se presentó en el Teatro de la Zarzuela de Madrid con una Orquesta dirigida por Waldo de los Ríos.
Tras haber alcanzado una gran popularidad en Hispanoamérica, realizó una serie de giras por éste continente con un gran éxito artístico y con un público cada vez mayor.
En septiembre de 1992 realizó un show en el Teatro Colón de Buenos Aires acompañado por Ricardo Miralles en piano y la Orquesta Sinfónica de la Plata dirigida por José Caril; siendo el primer cantante de canción popular en presentarse en el mítico lugar. Al año siguiente graba en Los Ángeles su disco “Aromas” bajo la dirección de Bebu Silvetti.

En 1994 con Facundo Cabral inicia una temporada con un espectáculo creado exprofeso llamado “Lo Cortez no quita lo Cabral”. Se estrena en México en el Teatro de la Ciudad, en donde cumplen las cien representaciones.
En 1995 Debuta en Madrid con “Lo Cortez no quita lo Cabral” en el Teatro Reina Victoria y cumple allí las 75 funciones. Luego debutan con el mismo espectáculo en Buenos Aires.

En 1996, durante la temporada de verano en Mar del Plata, Alberto sufre un ataque cerebral y es operado el 18 de enero de una obstrucción de carótida por el Dr. Juan Carlos Parodi y su equipo. Sale airoso de la operación, pero le quedan secuelas que no le permiten volver a acompañarse con su guitarra, sin embargo continúa dando recitales con sus músicos bajo la dirección musical de Ricardo Miralles por todo el mundo. Su retorno al escenario se lleva a cabo en Quito, invitado por su amigo Oswaldo Guayasamín, quien pinta un retrato de Cortez que permanece en la “Capilla del Hombre”, obra póstuma del gran pintor ecuatoriano.
Durante 1997 Vuelve a Buenos Aires al Teatro Ópera y se reencuentra con la gente que asistió angustiada a su proceso hospitalario puntualmente informada por todas las cadenas de televisión y radios de Argentina. Es invitado por la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico para ofrecer conciertos como artista invitado en el Palacio de las Bellas Artes de San Juan.
En 1998 Graba en su estudio de Madrid una colección de 70 de sus canciones con el pianista Ricardo Miralles. Obra única por su alto valor artístico, editada en México por Azteca Music con el título “Cortez al desnudo”. Esta obra contiene cinco discos compactos y un documento gráfico con todos los textos de las canciones y la explicación de cómo y por qué fueron compuestas cada una de ellas. También bajo la dirección musical de Miralles graba “Fe”.
En el año 2000, la canción “Cuando un amigo se va”, conjuntamente “Alfonsina y el mar” y “Gracias a la vida”, son consideradas según encuesta de un periódico de Chile como las tres mejores canciones en castellano del siglo XX. Ofrece por todo el territorio español una serie de conciertos de cámara bajo el título de “Cortez al desnudo” con Ricardo Miralles.

En el 2001 Vuelve a México y se presenta en diversos teatros del país llevando como invitados a Estela Raval Los 5 Latinos. El espectáculo se llama “En un rincón del alma”. Durante esos conciertos se graba un disco doble a manera de documento en directo con el título del espectáculo.
En el año 2002 graba un disco bajo la dirección musical de Tino Geiser llamado “Cuando llega la noche” pendiente de ser editado.
En el año 2003 recibe, junto a la cantante estela Raval el Premio Carlos Gardel por el disco “En un rincón de alma” como Mejor Álbum romántico melódico.
En su larga trayectoria cuenta con una amplia discografía, infinitas presentaciones en televisión y libros de su autoría: "Equipaje", "Soy un ser humano", "Almacén de almas" y "Desde un rincón del alma". Siguen los discos "Después del amor" (2003), "Alberto Cortez Sinfónico" (2004) e "Identidad" (2005).

En 2007 sale al mercado el trabajo doble titulado "Acústico". Cortez edita el libro "Por los cuatro costados", una compilación de todos sus trabajos literarios. Al año siguiente "A voces". En 2009 se edita una nueva placa doble, "Íntimo".
Los días 11 y 12 de marzo festeja su cumpleaños cantando en el Teatro Coliseo de Buenos Aires y presenta "Tener en cuenta", disco compuesto por 12 canciones originales; cuenta con la colaboración de Ricardo Arjona en "Mi árbol y yo". Es declarado Huésped de Honor por la Municipalidad de La Plata, provincia de Buenos Aires. Luego realiza en Chile la gira "Alberto Cortez acústico" y durante mayo en México, presentando "Tener en cuenta", disco nominado como Mejor Disco de Cantautor en los premios Grammy. Hacia finales de año realiza shows en España y regresa a Latinoamérica para presentarse en Colombia y México en noviembre.

            

AGUSTIN LARA

AMIGOS HASTA EL FIN he de ir con AQUEL AMOR que es el AMOR DE MIS AMORES, no me importa que sea PECADORA, ni que tenga que llorar LAGRIMAS DE SANGRE, ARRANCAME LA VIDA si dejo de mirar AQUELLOS OJOS VERDES o dejo de acariciar aquella CABELLERA NEGRA que me CAUTIVA. 

PORQUE NEGAR, MUJER, que en una NOCHE DE RONDA escuchando PALABRAS DE MUJER  haya caído en un HASTIO que lleve mi vida a un NAUFRAGIO seguro, POBRE DE MI y POBRECITA DE MI ALMA si dejo de amar a MI NOVIA de siempre y por siempre mi MARIA BONITA.

Agustín Lara

Ángel Agustín María Carlos Fausto Mariano Alfonso del Sagrado Corazón de Jesús Lara y Aguirre del Pino (Agustín Lara; Tlacotalpán, México, 1897-Ciudad de México, 1970) Compositor de canción melódica mexicano. Por su formación autodidacta, su prolífica producción y su incontestable éxito, Agustín Lara ha sido considerado en numerosas ocasiones como el Irving Berlin de la canción mexicana. Conocido como el Flaco de Oro, son incontables las canciones compuestas por este músico que han conquistado una fama imperecedera: Granada (inmortalizada por el tenor Mario Lanza), el chotis Madrid, Noche criolla, La Cumbancha, Noche de ronda, Solamente una vez, Palmera o María bonita (escrita para su esposa, la actriz María Félix) son sólo algunas de las más célebres. Adaptadas a numerosos idiomas y cantadas en los más diferentes estilos, su éxito en el Viejo y el Nuevo Mundo procuró a su autor los mayores honores y el reconocimiento general. Junto con la canción melódica, Lara también sobresalió en la composición de música para cine; suya es, por ejemplo, la partitura de Santa, una de las primeras películas sonoras realizadas en México.

Aunque había estudiado piano y demostrado sus excepcionales dotes para la música, Agustín Lara ingresó a los quince años en el Colegio Militar; pronto se daría cuenta de que su vocación no era castrense. Durante la década de 1920 trabajó como pianista en bares y cafés y en salas de cine mudo; a finales de la década acompañaba ya al piano a intérpretes como Juan Arvizu y Maruja Pérez, que daban sus recitales en cines de la capital. En 1931 se puso al frente del programa La hora azul, de la emisora XEW. Comenzó a dirigir la orquesta El Son Marabú mientras voces como las de Ana María Fernández y Toña la Negra popularizaban sus canciones.

Empezó entonces una frenética carrera hacia la fama. En 1932 realizó su primera gira por el extranjero; actuó en París, donde su canción El farolito se convirtió en tema de moda, y también en Chile y Perú. Obtuvo también un éxito sin parangón durante la gira que efectuó en México en 1935, junto a Pedro Vargas y el Chino Ibarra. Entre los principales espectáculos que Agustín Lara presentó al público se recuerdan especialmente Pecadora, Revancha, Coqueta, Mujeres en mi vida, Perdida La mujer que yo amé.

Contratado para trabajar en Hollywood como musicalizador de películas, no le resultó sin embargo fácil acostumbrarse a aquel mundo frívolo y deshumanizado, con sus tensiones y su abundancia de divas y directores caprichosos. Aunque no quiso centrar su carrera profesional en el cine, su prestigio acabó por consolidarse en la industria del celuloide, gracias a las bandas sonoras que compuso para filmes como Santa, México Lindo, Carne de Cabaret, Virgen de medianoche, Pervertida, Noche de ronda, Humo en los ojos, Señora tentación, Cortesana y Aventurera.

Facilitó sin duda su entrada triunfal en el cine su matrimonio con la bellísima y siempre controvertida actriz mexicana María Félix que tuvo lugar en 1945. Célebre por sus devaneos amorosos (se le solían atribuir romances con personajes populares del cine y la política), la actriz trabajó junto a los más destacados galanes del cine mexicano (Jorge Negrete, Pedro Infante o Pedro Armendáriz). Durante su matrimonio con María Félix, Agustín Lara convirtió su casa de Las Lomas en un acogedor centro de reunión de escritores y artistas. Foco de atención del gran público, la popularidad de ambos no cesaba de crecer.

A lo largo de su dilatada carrera como compositor (y también como autor de la mayoría de sus letras), creó hermosas y románticas canciones que alcanzarían una popularidad universal. La obra de Lara comprende unas setecientas piezas entre boleros, pasodobles, baladas, tangos, pasacalles y melodías, que podrían enmarcarse dentro del género tropical; fue también el autor de la extraordinaria opereta El pájaro de oro (1946). Entre sus temas más conocidos sobresalen, junto a los ya citados, Lamento jarocho, Mujer, Veracruz, Azul, Rival y Arráncame la vida; títulos todos ellos entrañables que han resistido el paso del tiempo hasta convertirse en canciones de siempre.

Con temáticas abiertamente eróticas, una asimilación de todas las corrientes musicales en boga y desconcertantes imágenes modernistas, Agustín Lara dotó a la canción romántica de una sensibilidad acorde con el medio urbano de los años treinta y cuarenta. Las letras de algunas canciones surgidas de su inspiración (Señora tentación, Te quiero, Cada noche un amor o Humo en los ojos) escandalizaron a la opinión pública, hasta el punto de que llegaron a prohibirse sus piezas en las escuelas. Cuestionado y considerado por sus detractores "el sepulturero de la canción mexicana", Lara fue pionero en el óptimo aprovechamiento de todos los medios de difusión: teatro de revista, discos y radio.