ISOLINA CARRILLO ESTRADA

MI LAMENTO es que SE QUE LOS SABES, que en este CASTILLO DE ENSUEÑOS en que vivo LEJOS DE TI guardo una FIESTA DE BESOS junto a las DOS GARDENIAS que un me diste un día. 

QUE MAL TE PORTAS parece INCREIBLE que te aproveches de esta PARTE DE MI VIDA porque sabes que CUANDO ME FALTAS TU solo siento esa SOMBRA QUE BESA mi alma.

CUANDO MENOS LO PIESES voy a dejar de tener SED DE TI y entonces va a ver que no SOY TU DESTINO  y que ya no VIVIRE PARA QUERERTE.

Isolina Carrillo Estrada

Nace en La Habana el 9 de diciembre de 1907 y murió el 21 de febrero de 1996. Estudió en el Conservatorio Municipal de La Habana. En 1917 comenzó a trabajar como pianista suplente de la Orquesta de Calixto Allende, que actuaba en el cine silente Strand; más tarde lo haría en el Hisperia y el Favorito.

Posteriormente fundó el septeto Las Trovadoras del Cayo, donde además de dirigir, tocaba la trompeta; integró como pianista un trío con Vicente González Rubiera (Guyún) guitarra, y Marcelino Guerra (Rapindey), cantante; el Quinteto Siboney, con Joseíto Núñez, Alfredito León, Facundo Rivero y Marcelino Guerra (Rapindey); el Conjunto Tropicuba y el Trío Sepia.

En 1938 trabajó en CMQ radio, y después en la RHC, Cadena Azul, de Amado Trinidad Velazco, hasta 1952; en esta última creó una orquesta gigante de danzones, hizo jingles, fue pianista repertorista y acompañante. Dos Gardenias se convirtió en una especie de himno en muchos países, especialmente en España y México, donde alcanzó el Premio Ariel, en 1952, por mantenerse durante dos años, en el primer lugar de preferencia.

Muchos se preguntan ¿por qué una canción puede mantenerse en el gusto popular durante tantos años? En el caso de Dos Gardenias, como afirman críticos literarios, su texto no posee alto vuelo poético. No cabe duda, entonces, que la permanencia de esa canción, descansa en su melodía. 

El puertorriqueño Daniel Santos fue quien primero grabó y popularizó Dos Gardenias, con la orquestación de Pérez Prado, que agregó a la edición el piano acústico, trabajo novedoso para la época. Otras figuras hicieron suya la composición, Pedro Vargas Toña la Negra y Nat King Cole.

También otras radioemisoras contaron con sus servicios: La Voz de Oro y Cuban Telephone Co. André Kostelanetz le pidió una obra creada especialmente para ser interpretada por su orquesta, de ahí surgió Miedo de ti. Además, tocaba guitarra, Tres (Instrumento musical), bongó, órgano, que estudió con Rafael Palau en la Catedral de La Habana, y trompeta, que estudió con Lázaro Herrera; como cantante interpretó boleros, tangos, guarachas, así como obras de Ernesto Lecuona y en ocasiones lo hacía en inglés.

Fue profesora de canto. Realizó giras por Venezuela, Panamá, Puerto Rico, República Dominicana, Buenos Aires, Montevideo, Santiago de Chile, Lima y México.

En el plano nacional son muy apreciadas las versiones de Dos Gardenias de Vicentino Valdés, Elena Burke, Fernando Álvarez, Alberto Ruiz, Roberto Sánchez y Antonio Machín, que poco antes de morir la colocó entre los primeros lugares en España.

Recordemos, pues, a Isolina Carrillo, quien entre

EDMUNDO DISDIER ALVAREZ

Las PERLAS BLANCAS, que se asoman en tu boca son como ROSAS Y ESTRELLAS, MIRANDO AL CIELO. DIME si esas ANSIAS LOCAS que provocan este CANTO AL AMOR no son un LAMENTO DE UN POETA o un AMARGO DESPERTAR  a un tiempo EN PRIMAVERA.

Yo UN PAYASO, EN ESTO DEL QUERER y TESTIGO DE LA LUNA, con UNA PALABRA podría decir que el BESO LOCO que me diste convirtió mi vida en una DIVINA LOCURA.

Biografí tomada de: https://prpop.org Fundacion Nacional para la cultura

Edmundo Disdier Alvarez

La música y la poesía ocupaban un espacio importante dentro del hogar de Don Edmundo Disdier Martínez y Doña Francisca Álvarez Crescioni. Por eso no fue de extrañar que en su hijo Edmundo Disdier se apreciara una innegable sensibilidad para la expresión artística a temprana edad. Sensibilidad, que poco después lo impulsó a manifestarse a través de diversas facetas como el canto, la poesía y la composición, hasta llegar a convertirse en uno de los artistas de mayor trascendencia en la música popular.

Nació en el sector Vieques del pueblo de Patillas el 2 de mayo de 1927. Allí permaneció hasta que cumplió los tres años. Poco después se mudó junto a sus familiares al pueblo de Guayama, municipio del sur de Puerto Rico donde estudió en el Colegio San Antonio. En esa escuela cursa sus primeros grados y además pisa por primera vez un escenario para participar en una representación teatral navideña. Fue también en Guayama donde se dedicó a rescribir reconocidas canciones de compositores para adecuarlas a su circunstancia.

Al cumplir los ocho años se establece con su familia en el pueblo de Yauco. Al cumplir los 13 comienza a escribir canciones. Pero antes de dedicarse a la composición participó en las numerosas serenatas dedicadas a las chicas de su nuevo pueblo. No fueron pocas las ocasiones en que su padre lo tuvo que ir a buscar por temor a que le pasara algo. Más tarde comenzó a tomar clases de guitarra con Miguel González.

A comienzos de la década del 40 Edmundo se traslada con su familia a San Juan, específicamente al barrio de Hato Rey. Allí ingresó a la Escuela Superior Vila Mayo hasta que terminó sus estudios en 1946. Durante esa época el adolescente, que ya tocaba la guitarra, dedicó gran parte de su tiempo libre a escribir canciones. De esos años es su composición "En primavera", una de sus más conocidas.

Al ser admitido a la Universidad de Puerto Rico lo primero que hace Mundo Disdier es tratar de ingresar al coro que entonces dirigía don Augusto Rodríguez. Fue allí donde conoció a los integrantes del Trío Universitario. Compuesto por Luis Córdova, director, Astor Aponte y Luis Rafael Cordero, Disdier se une al mismo movido por el amor que siente por la música. Con ellos el compositor puertorriqueño se presentó para cantar y serenetear en diversos lugares como San Germán y Mayagüez. Un año después de haber ingresado a la Universidad, los integrantes del grupo le propusieron que fuera la primera voz del trío. Edmundo aceptó la oferta hecho que le permitió dedicarse de lleno a los ensayos y al proceso creativo de la composición.

A fines de los 40 el Trío Universitario realizó su primera grabación para el sello University. En ella se incluyeron varios temas de la pluma de Disdier, entre ellos "Amargo despertar", "Recuerda" y "En primavera".  

Con el grupo la figura de Edmundo Disdier comienza a adquirir cierta importancia. En cada espectáculo que realizaba la agrupación se presentaban como Edmundo Disdier y el Trío Universitario.

A comienzos de la década de 1950 graba como solista para la Casa Fragoso los temas "Beso loco", "Una palabra" y "Ya no eres tú", esta última de Ángel I. Fonfrías. Junto a éste escribió "Testigo de la luna", composición que grabó Los Cuatro Ases. De igual forma el cantante Tito Lara grabó para el mencionado grupo "Divina locura", original de Disdier.

Durante esos años el también músico gozó de gran popularidad en el género de la canción romántica. Desde ese momento sus creaciones han gozado del respaldo de importantes voces como la de Carmen Delia Dipiní, Felipe Rodríguez, Davilita, Tirso Guerrero, Marco Antonio Muñiz, el Trío Vegabajeño, Los Kintos, Los Murcianos, Gilberto Monroig, Cheíto González, Chucho Avellanet, Los Hispanos, Danny Rivera y Lucecita Benítez, quienes han grabado, además de temas románticos, sus canciones jíbaras, boleros, valses, danzas y tangos. Dentro de este género, "Déjame hablarte" se convirtió en unos de los temas más populares no tan sólo de Puerto Rico sino que también de Argentina, país donde fue cantado por Elvira de Grays y Ciro San Román.

Otros géneros cultivados por Edmundo Disdier son la guaracha, la música navideña. el fox trot y el blues. Igualmente el aficionado al mundo de la ópera ha compuesto arias de zarzuela como "Perlas blancas", "Rosas y estrellas", "Mirando al cielo", "Díme", "Roja flor", "Tu secreto", "Ansias locas" y "Canto al amor", entre otras. Parte de este repertorio fue interpretado por Migdalia Batiz y Elio Rubio en 1980, en el Teatro de la Universidad Puerto Rico.

Con una obra inédita que supera más de 300 canciones, Edmundo Disdier ha abarcado en ella diversos temas. Entre ellos se encuentran, además del amor, la soledad, la ingratitud, los convencionalismos sociales y el destino. Algunas de las composiciones que reflejan dichos temas son "Máscara", "En esto de querer", "Lamento de un poeta", "Verdad y mentira", "Quisiera reír" y "Un payaso".

En 1988 recibió por parte de la Asociación Puertorriqueña de Profesores Universitarios la Orden Tavárez honrando de esa forma su valiosa contribución a nuestra música. En esa ocasión declaró su intención de donar su conjunto de obras a la Universidad de Puerto Rico con la esperanza de que fuera conservada y promovida para el beneficio de la comunidad.

En los albores del nuevo siglo la obra de don Edmundo Disdier continúa viva gracias al trabajo de reconocidos intérpretes como Nydia Caro y el tenor César Hernández, entre muchos otros. Ambos artistas le rindieron un merecido homenaje al compositor puertorriqueño en un concierto celebrado en el nuevo Centro de Bellas Artes de Caguas

PIETRO DE BENEDECTIS

COMO DECIRTE AHORA que ESTE AMOR QUE PASEO CONMIGO fue como una FABULA DEL MAR que DE VEZ EN CUANDO VIENE A DORMIR en mi regazo y luego se marcha en EL TRENCITO DEL OESTE y me deja cantando COPLAS A MI PAIS.

MI VIEJO me dijo no crea en LA GUERRA DEL AMOR porque te deja como una SINFONIA INCONCLUSA mejor quédate SOLTERO y escucha bien, que SOLO UN GORRION con su canto podrá calmar LAS COSAS QUE PASAN y ese MIEDO NIÑO que antes calmaba LA CANCION DE LA ABUELA.

Piero De Benedectis

Piero De Benedectis nació en Italia (19/04/1944), llegó al país en 1947 y debutó en televisión en 1964, cantando canciones melódicas italianas como "A la cara, cara nonne" y "Giovanne, Giovanne". En 1969 ganó el Tercer Festival de la Canción con el tema "Como somos". Poco a poco fue variando el estilo musical, hasta consagrarse como uno de los líderes de la canción política de protesta.

En 1976 se exilió primero en Panamá y luego en Italia y España. En 1981 se organizó "La Gran Vuelta de Piero", en el Microestadio de Atlanta, donde también se registró un disco doble en vivo: "Calor Humano".

Apuntando a un público mucho más joven y rockero que en etapas anteriores, Piero tuvo un gran año en 1982: llenó dos Obras, participó del Festival B.A.Rock y realizó siete shows colmados en el teatro Opera. Fue el gran ausente del Festival de la Solidaridad Latinoamericana.

Acompañado por José Tcherkaski, realizó en 1985 una gira por Latinoamérica, que alcanzó su máximo éxito en Colombia y Ecuador, donde reunió 80.000 personas en total. Durante ese tour participó de unos shows a beneficio de las víctimas del volcán Nevado del Ruiz (en Armero, Colombia), que mató a 30.000 personas. Allí tocó junto a Julio Iglesias, Joan Manuel Serrat y el Puma Rodríguez. Esa gira se extendió por el interior del país y confirmó su popularidad: 70.000 espectadores. Sin embargo, sus discos no obtuvieron igual éxito. El mismo ensaya una explicación: «acá no tenemos tanta repercusión como en Latinoamérica porque están todos prejuiciados. En este momento, los cantantes están al servicio de la oposición política o del oficialismo, o de tal cosa... El compromiso ahora parece la tarea más fácil. Y nosotros no utilizamos el compromiso como una actitud de venta. Nosotros no hablamos de lo que nos pasó durante la dictadura. En cambio, hay mucha gente que nunca le pasó nada y ahora parecen mártires de la revolución...» (Clarín, 7/12/85).  

Desde entonces, realizó esporádicos recitales, tanto en Argentina como en el resto de los países de América Latina, aunque ya nunca con la convocatoria de antaño.

A mediados de la década de los '80 abandonó la música de protesta y fundó una granja ecológica cerca de Campana, junto a adolescentes de familias humildes.

En 1995 se abocó a la edición de un disco doble dedicado a los derechos de los niños. Con la participación de figuras internacionales como David Gilmour (Pink Floyd), Annie Lennox, Joaquín Sabina y nacionales del nivel de León Gieco, Jairo, Baglietto, Miguel Cantilo, más el aporte de Diego Maradona, «lo que quería es que los chicos conocieran sus derechos a través de la música». El proyecto fue declarado de interés nacional y las regalías serían donadas a UNICEF

CHABUCA GRANDA

MARÍA LANDÓ bajando en LA CANOA cerca de EL PUENTE DE LOS SUSPIROS con LA CAMISA en una mano y en la otra cargando LA FLOR DE LA CANELA como muestra de una FINA ESTAMPA decía: ME HE DE GUARDAR, LAS FLORES BUENAS DE JAVIER porque JOSE ANTONIO va llevarme por EL SURCO a LA TORRE DE MARFIL y no quiero que se enteren que las COPLAS A FRAY MARTIN DE PORES no son para ellos.

QUIZA UN DIA ASI, si EL FUSIL DEL POETA ES UNA ROSA entonces en una ZAMBA PARA NO MORIR les hablaré de MI CANCION DE AUSENCIA  a un BELLO DURMIENTE y solo así lograran escuchar para siempre los VIOLINES DEL PERÚ

María Isabel Granda y Larco

Nace el 3 de septiembre de 1920, en la sureña provincia de Cotabambas, región del Apurímac, es conocida mundialmente como CHABUCA GRANDA, uno de los más altos valores de la cultura indoamericana y la más fiel exponente de la conciencia peruana, expresada a través de su obra como juglar y autora.

Hija del ingeniero Eduardo Granda Esquivel, natural de la señorial ciudad de Lima y de Isabel Teresa Larco Ferrari, nacida en Trujillo, histórica ciudad de la costa peruana. Desde su temprana adolescencia se aficionó a la música tradicional de su país, iniciándose profesionalmente como vocalista a la edad de 12 años, época cuando comenzó a triunfar como la más delicada juglar de la canción tradicional peruana, constituyéndose junto a Felipe Pinglo Alva, María de Jesús Vásquez, Manuel Acosta Ojeda, Lucha Reyes, Amparo Baluarte, Óscar Avilés y Alicia Magiña  entre otros, en los más firmes y determinantes pilares donde se arraigó la cantata peruana de los tiempos pretéritos.

Desposada con Enrique Füller Da Costa, el 13 de mayo de 1942, entró en un período  de calma hogareña, y fue, después, de su divorcio, cuanto en 1952 inició su exitosa carrera como compositora de los más variados temas musicales del Perú. 

Chabuca Granda ha sido la más renombrada compositora del Perú, país que ha pincelado en cada una de sus creaciones donde exalta la natural belleza de este paraíso andino, utilizando imágenes sencillas con expresiones que se adentran en el sentimiento de sus compatriotas y de aquellos que disfrutamos de su exquisita sensibilidad de artista y gran señora.

Peregrina impenitente, su presencia se hizo sentir en una buena parte de las capitales del mundo, donde fue obsequiosa con sus mensajes pletóricos de esperanza que llegó, por su originalidad, a los sentimientos de los pueblos que visitara como embajadora de la cultura y del arte indoamericano.

La creadora del himno espiritual de los peruanos “La Flor de la Canela” relató en cierta oportunidad que esta canción suya estuvo inspirada en un personaje real: Victoria Angulo.

Inspirada en la Lima señorial de donde extrajo las percepciones  que le permitirían contar en las estrofas de sus canciones, simples historias donde han quedado reflejadas las costumbres de ancestros siempre presentes en unos empolvados balcones y  floridos cercados.

Después, la artista se adentra en su constante preocupación social donde entregada a su pueblo, les ofrece lo mejor de sí para que éste resista las arremetidas de una clase dominadora que irrumpe en sus existencias, incrementando las angustias de la cotidianidad. De aquí surgen los pregones, los cantos de jarana,  los landós y las zamacuecas, que incorporados a las marineras y los valses. conforman un mundo de sonidos e imágenes donde siempre está presente el sentir de la peruanidad.

 Entre las composiciones universales de Chabuca Granda destacan por sus incuestionables bellezas “Lima de veras”, “La flor de la canela”, “Fina estampa”, “La herida oscura“, “Zamba para no morir”, “Gracia”, “José Antonio”, “Puente de los suspiros”, “Coplas de Fray Martín”, “Toro mata, toro mata”, “Ollita nomás”, “Una larga noche”, “La torre de marfil”, “El surco” y “Zeñó Manué”.

Chabuca Granda murió el 8 de marzo de 1983, en la ciudad Miami, estados Unidos; per, su obra perdurará en el tiempo. Ella, la definió su arte así: “No alcancé ni alcanzaré jamás a hacer folklore; apenas hice canción popular, y de ella solamente juglaría. La buena suerte me hizo popular pero no por eso importante, los importantes son mis personajes vivos o alguna vez vivos, los que llegaron al corazón de los pueblos gracias a mis extraordinarios y generosos intérpretes”

La chilena Chalena Vázquez expresó: “la música peruana se ha africanizado. Chabuca Granda ha contribuido a ello”, Daniel Roca escribía: “Chabuca Granda es la columna inquebrantable sobre la cual se ha edificado el prestigio musical de nuestro país en el exterior. Los peruanos le debemos un monumento de gratitud: comencemos a construirlo respetando su legado artístico, parte de nuestra historia pasada y presente y, por cierto, valioso patrimonio nuestro que tenemos la obligación de preservar, como ejemplo e inspiración para las generaciones futuras. Chabuca, de auténtica alcurnia limeña, simboliza ese orgullo por lo nuestro que no debemos ni podemos perder” y, el laureado compositor yucateco Armando Manzanero, refiriéndose  a la compositora afirmó “Cuando escuché por primera vez una canción de Chabuca Granda que se llamaba “Fina Estampa” dije que nadie pudo describir a ese caballero como lo hizo mi inolvidable hermana Chabuca”.

RENE TOUZET Y MONTE

LA NOCHE DE ANOCHE me la pasé PENSANDO EN TI y en TU FELICIDAD y aunque sé que tú HAS DUDADO DE MI yo quise hacer  UNA CANCION PARA TI, era como una CONVERSACION EN TIEMPO DE BOLERO donde te explicaba lo era mi vida, así tú no tendría que pasar POR TODAS MIS LOCURAS.

ANOCHE TE VI, EN LA LEJARIA, y también ANOCHE APRENDI que esta ANCIEDAD DE TI me lleva por el camino de la locura, no sé, si NO TE IMPORE SABER que esta INSERTIDUMBRE, está DESILUSION es como una CONFUSION que siento que ando por el mundo CON MIL DESENGAÑOS, pero este amor CRECE Y CRECE y seguirá creciendo HASTA QUE TU VUELVAS.

René Touzet y Monte.

Talentoso pianista y excelso compositor; que nace el 8 de septiembre de 1916, en Cojimar  pueblo ubicado al este de la Habana y fallece el 17 de junio de 2003 en Miami, Florida.

Es oportuno deslindar su prolífica carrera musical en dos grandes franjas; la de su formación académico musical en su natal Cuba y en particular en la Habana, donde ya a los 16 años su talento era motivo de reconocimiento al ser distinguido con el primer lugar del conservatorio Falcón, dirigido por el distinguido Alberto Falcón.  Si bien era un adolecente ya tenía una formación que cubría 12 años de academia con profesores de reconocido prestigio; dos años después, suspende su formación clásica vinculándose como pianista de la orquesta de jazz del maestro Luis Rivera.

Sin cumplir los 20 años se convierte en director de una orquesta de 16 músicos, presentándose en el Gran Casino Nacional de La Habana y en La Taberna Cubana, lo particular de esta novel nomina es que sus integrantes se convertirían en los más destacados músicos cubanos en mucho tiempo; integrada por el maestro Touzet, como pianista y director; José Patiño, Armando López y Arturo O’Farrill (Chico), en las trompetas; Armando Romeu Pedro Vila, Rafael Quesada (El Cabito) y Hugo Yera, en los saxofones; Gustavo Mas, como saxofonista tenor; José Andreu, violín; Isidro Pérez (Isito), en la guitarra; E. Andreu, contrabajo; Alberto Jiménez Rebollar, batería, y René Márquez, cantante quien hiciera la voz original de la afamada composición “No te importe saber”, del maestro Touzet, creada en el 1934.

En el 1940 estudia dirección de orquesta con el maestro Alberto Bolet; piano, con el maestro César Pérez Sentenat; en el 1942 perfeccionó con Joaquín Nin Castellanos Dos años después realiza su primer viaje a Los Ángeles, California, regresando en el 1949 para complementar su formación con el compositor italiano Mario Castelnuovo-Tedesco, del que fue discípulo de armonía y composición; completando sus estudios de armonía y composición en 1953, en Nueva York, con el compositor norteamericano Hall Overtone, quien en sus obras para orquesta sinfónica utilizaba elementos del jazz.

 En ese tiempo trabaja como pianista de las Orquestas del Catalán Enrique Madriguera, de Xavier Cugat, de Stan Kenton, de Carlos Molina agrupaciones y como pianista de la orquesta de su paisano Desi Arnaz.Ya en Nueva York, acompaña grandes voces latinoamericanas como a la Ponceña Ruth Fernández, a Carmen Delia Dipini, al Gordita de Oro Myrta Silva, María Luisa Landín y produce para 1954 un trabajo recordando incunables piezas musicales de compatriotas suyos como Lecuona Eliseo Grenet, Miguel Matamoros, Enrique Jorrin y otros.

Para el 1972 Touzet se radica en Miami, Florida, dedicando sus esfuerzos a desarrollar las fusiones y mezclas de lo netamente cubano con las esencias de Jazz, incluyendo algunas obras en la llamada música culta (Danzas, Sonatas, Vals. etc.).

Además de las dos hijas del matrimonio con doña Isabel González fue padre de Olga María Touzet Guillot, de su relación con la cantante y famada bolerista Olga Guillot con quien desarrollara algunos apartes de la carrera musical de la cantante, su última unión se dio con Doña Mercy Ramos.

Dentro de los múltiples trabajos realizados por el maestro recordamos: Cena en la Habana en 1954, para la Rca Victor, Pachanga Diferente en el 1961, El encanto del chachacha; Chacha Rhythm Boys; La Pachanga; Pa chismoso tu; Chachacha For Lovers, Bésame mucho. 

Dentro de sus múltiples composiciones que incluyen Boleros, Danzas, Música para piano, recordamos: No te importe saber, Conversación en tiempo de bolero, Despertar, Ansiedad de ti, Acuérdate, Algo tuyo, En la lejanía, Anoche aprendí, Anoche te vi, Así como tú eres, Así es Aruba, Ayer te vi otra vez, Balada de la pequeña Habana, Botoncito de rosa, Cada vez más, Canción a la luna, Canta la nostalgia, Como la lluvia, ¿Cómo pudiste?, Confusión, Con mil desengaños, Crece y crece, Cuando más doy... menos recibo, Cuando tú quieras, ¿Cuándo volveremos?, Cuánta belleza, Déjame creer, De mí para ti, Desilusión, Después de querernos mucho, Dime que sí otra vez, El dolor que no se siente, El guaguancó de los blancos, Enamorarse es, En el día de ayer,  En pocas palabras, 

Entre este mundo y Dios, eres feliz, Estampa cubana, Estuve pensando, Experiencia, Fue una broma, Guajira, lirio de la sabana, Has dudado de mí, Hasta que vuelvas, Hay que ser romántico, Hoy, Incertidumbre, La noche de anoche, Las mujeres de mi Cuba, La vida es un largo camino, La vida tiene cosas así, Locura, Lo que pienso de ti, Lo que tiene que ser, Los brazos tuyos, Me contaron de ti, Mi Habana, cuando te vuelva a ver, Milagro de amor, Mi música es para ti, Muchos corazones, Muñeca, Muy dentro de mí, Muy tarde, Nadie sabe, Noche, Noche cojimera, No, no lo digas, Nostalgia navideña, No te das cuenta, No te importe saber, Nuestro mundo, Ocaso, Oye, Parece mentira, Pero llorar, no voy a llorar, Pero todo es amor, ¿Por qué tendrá que ser así?, Porque te quiero, Por todas mis locuras, Presiento, Primera lluvia, Privilegio, Qué contento estoy, Quédate así, Qué maravilloso es, Quién me convence a mí, Quisqueya, la más hermosa, Romántico primero, Saumelliana. Serie I. Alegre, Cervantina, Alterada, Tú y yo, Siempre en clave, Bailarina y Recordando al maestro. Serie II. La piquiña, Cromática, Entre la y re, Cubanasa, La trece, Danza nocturno, Encaje habanero y Cascabel. Serie III. Cumpleaños, Conversando, Marejadas, Apasionada, Nostálgica, Jugueteando. Serie IV. Saltarina, Veleidosa, Pensativa, Espontánea, En la b, Palmeras. Serie V. Dancita núm. 1, Dancita núm. 2, Dancita núm. 3. Serie VI. La carretilla, Ay, me equivoqué, Taca, taca. Serie VII. Danza estudio núm. 1, Danza estudio núm. 2, Danza estudio núm. 3, Danza estudio núm. 4. Serie VIII. Vespertina, Pincelada, La cuarenta; Caperucita roja, 1984, texto: Carlos Irigoyen; Fantasía española, Gaviota, Impromptu núm. 1, Impromptu núm. 2, Nocturno, Preludio núm. 1, Preludio núm. 2, Suite de danzas románticas, Zapateo cubano, paráfrasis.

Este pianista con su talento creador se convierte en uno de los estandartes de la música cubana en el siglo XX; nos enseñó a tener una "Conversación en tiempo de bolero", pieza que reconocemos mundialmente en la voz de Vicentico Valdés y las múltiples interpretaciones de su connotado "No te importe saber"