jueves, 15 de junio de 2017

FEDERICO BAENA SOLIS

AMORCITO CORAZON, NO TE PONGAS ASI y DIME POR QUE has dejado de quereme.  TE VAS POR QUE QUIERE pues tu sabes que yo NACI PARA QUERERTE y que aunque este sea EL ULTIMO MINUTO en que estemos junto espero que NO ME OLVIDES NUNCA.

Yo solo SOY UN POBRE VAGABUNDO un ARBOL SIN HOJAS que JAMAS, JAMAS sabrá SI NECESITAS DE MI o si TRIUNFAMOS con este amor.  

Cuando suenen las DOCE CAMPANADAS me arrodillaré ante estos CUATRO CIRIOS y le gritaré al mundo que TE AMO y POR ESO TE PERDONO, pero te recuerdo que TODO SE PAGA.

Federico Baena Solís


Federico Baena Solís nació en la ciudad de México, el 2 de marzo de 1917. Sus padres fueron Eva Solís de Baena y Tomás Baena Garda; ella originaria de Puebla, Puebla, y su padre de Santander, España.

De pequeño vivió en San Martín Texmelucan y en Puebla, Puebla, y desde los 12 años de edad radicó en el Distrito Federal. Siendo aún muy pequeño se hizo evidente su gusto por la música y los deportes, en particular el fútbol y el box; practicó ambos durante muchos años y fue aficionado durante toda su vida.

Respecto a la música, su maestría y desempeño, sus múltiples éxitos internacionales y su prestigio, hablan por sí mismos de la gran vocación que tuvo y que supo cultivar y fomentar.

Estudió hasta el segundo año de la carrera de Medicina, la cual dejó para seguir su gran vocación, la música, por lo que ingresó a la Facultad de Música de la Universidad Nacional Autónoma de México de 1937 a 1944.

Pero como su anhelo interno lo seguía impulsando a conocer más sobre la música, para perfeccionarse tomó clases particulares con los maestros Rodolfo Halffter, Juan B. Fuentes, José F. Vázquez y Jam Kums. Así, su primer maestro de violín fue José Rocabruna, y continuó posteriormente los estudios de violín y viola con Smilovitz, Froelich y Vladimir Vulman.

Fue autodidacta en lo que al piano se refiere, lo cual añade a su mérito la dedicación que tuvo para dominar ese instrumento.

Su primera obra musical fue Te amé, que compuso en 1939 y que hasta la fecha es una canción inédita. La primera composición la dio a conocer en 1941: Te vas porque quieres.

Con toda la fuerza de su inspiración y gran conocedor de la música, incursionó en áreas como la de arreglista, donde cosechó fama internacional. Con igual éxito se dedicó a la dirección de orquesta y a la composición de música de fondo para películas entre las que están Monte de Piedad y Los Hijos de Nadie, entre otras.

El maestro Baena se definía a sí mismo como un hombre con buen sentido del humor, de carácter tranquilo, leal, algo voluble; bastante nostálgico y romántico, a lo cual se puede añadir una gran sensibilidad, nobleza y carácter firme. Sus pasatiempos favoritos eran el dominó, el póker y el billar. De joven le gustaba mucho el baile. Además de que su gran pasión era escuchar todo tipo de música. La primera canción con la que cosechó el éxito fue Que te vaya bien. Todas sus obras fueron escritas y musicalizadas por él.

 Por su trayectoria artística recibió innumerables preseas, reconocimientos y homenajes, entre los que podemos citar la Rosa de Oro y la Fuente de Plata, ambas otorgadas por la Presidencia de la República en 1962, por haber resultado triunfador en el Primer Festival de la Canción Mexicana con el tema Ay Cariño, canción que alcanzaría éxito internacional. También recibió reconocimientos del Instituto Nacional de Bellas Artes, diplomas de la Promotora Hispanoamericana de Música (PHAM), discos de oro de compañías grabadoras, medallas como la Agustín Lara, de la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM) por sus 50 años de compositor, sólo por citar algunos de los muchos premios con que fue galardonado.

Una anécdota curiosa relata que con la canción En qué quedamos, interpretada por Las Hermanas Águila, tuvo tanto éxito que estaba en todas las sinfonolas del país. Una madrugada en una cantina cercana a la casa del maestro Baena, alguien puso la canción más de 25 veces; de repente, un parroquiano molesto y aturdido se levantó de su silla y balaceó la sinfonola.

Comentaba Federico Baena que le daba mucha alegría saber que seguía en el gusto del público después de una carrera de tantos años y que artistas de gran calidad continuaran grabando sus canciones. Además, le enorgulleció siempre haber sido Socio Fundador de la Sociedad de Autores y Compositores de México y hasta el final de sus días.

Otra de sus canciones convertidas en grandes éxitos son: Que te vaya bien, Te vas porque quieres, ¿Qué tal te fue?, Todo se paga, Vete por favor, Ven ven, En qué quedamos, Por eso te perdono, Yo vivo mi vida, Vagabundo, No importa corazón, Sensación, No me olvides nunca, Yo soy tu pasado, Tres problemas, Si vieras, Cuatro palabras, Árbol sin hojas, Jamás jamás, Para qué vuelves, Ay cariño, Triunfamos, Cuatro cirios, Te amo, Si necesitas de mí, Ven otra vez, A dónde voy, Doce campanadas, El final que sueño y muchas más.

Federico Baena fallece el 18 de junio de 1996 y sus cenizas reposan en la iglesia de Nuestra Señora de la Esperanza, en la cuidad de Mexico.

viernes, 3 de marzo de 2017

ISOLINA CARRILLO ESTRADA

MI LAMENTO es que SE QUE LOS SABES, que en este CASTILLO DE ENSUEÑOS en que vivo LEJOS DE TI guardo una FIESTA DE BESOS junto a las DOS GARDENIAS que un me diste un día. 

QUE MAL TE PORTAS parece INCREIBLE que te aproveches de esta PARTE DE MI VIDA porque sabes que CUANDO ME FALTAS TU solo siento esa SOMBRA QUE BESA mi alma.

CUANDO MENOS LO PIESES voy a dejar de tener SED DE TI y entonces va a ver que no SOY TU DESTINO  y que ya no VIVIRE PARA QUERERTE.

Isolina Carrillo Estrada

Nace en La Habana el 9 de diciembre de 1907 y murió el 21 de febrero de 1996. Estudió en el Conservatorio Municipal de La Habana. En 1917 comenzó a trabajar como pianista suplente de la Orquesta de Calixto Allende, que actuaba en el cine silente Strand; más tarde lo haría en el Hisperia y el Favorito.

Posteriormente fundó el septeto Las Trovadoras del Cayo, donde además de dirigir, tocaba la trompeta; integró como pianista un trío con Vicente González Rubiera (Guyún) guitarra, y Marcelino Guerra (Rapindey), cantante; el Quinteto Siboney, con Joseíto Núñez, Alfredito León, Facundo Rivero y Marcelino Guerra (Rapindey); el Conjunto Tropicuba y el Trío Sepia.

En 1938 trabajó en CMQ radio, y después en la RHC, Cadena Azul, de Amado Trinidad Velazco, hasta 1952; en esta última creó una orquesta gigante de danzones, hizo jingles, fue pianista repertorista y acompañante. Dos Gardenias se convirtió en una especie de himno en muchos países, especialmente en España y México, donde alcanzó el Premio Ariel, en 1952, por mantenerse durante dos años, en el primer lugar de preferencia.

Muchos se preguntan ¿por qué una canción puede mantenerse en el gusto popular durante tantos años? En el caso de Dos Gardenias, como afirman críticos literarios, su texto no posee alto vuelo poético. No cabe duda, entonces, que la permanencia de esa canción, descansa en su melodía. 


El puertorriqueño Daniel Santos fue quien primero grabó y popularizó Dos Gardenias, con la orquestación de Pérez Prado, que agregó a la edición el piano acústico, trabajo novedoso para la época. Otras figuras hicieron suya la composición, Pedro Vargas Toña la Negra y Nat King Cole.

También otras radioemisoras contaron con sus servicios: La Voz de Oro y Cuban Telephone Co. André Kostelanetz le pidió una obra creada especialmente para ser interpretada por su orquesta, de ahí surgió Miedo de ti. Además, tocaba guitarra, Tres (Instrumento musical), bongó, órgano, que estudió con Rafael Palau en la Catedral de La Habana, y trompeta, que estudió con Lázaro Herrera; como cantante interpretó boleros, tangos, guarachas, así como obras de Ernesto Lecuona y en ocasiones lo hacía en inglés.

Fue profesora de canto. Realizó giras por Venezuela, Panamá, Puerto Rico, República Dominicana, Buenos Aires, Montevideo, Santiago de Chile, Lima y México.

En el plano nacional son muy apreciadas las versiones de Dos Gardenias de Vicentino Valdés, Elena Burke, Fernando Álvarez, Alberto Ruiz, Roberto Sánchez y Antonio Machín, que poco antes de morir la colocó entre los primeros lugares en España.

Recordemos, pues, a Isolina Carrillo, quien entre

martes, 13 de diciembre de 2016

EDMUNDO DISDIER ALVAREZ


Las PERLAS BLANCAS, que se asoman en tu boca son como ROSAS Y ESTRELLAS, MIRANDO AL CIELO. DIME si esas ANSIAS LOCAS que provocan este CANTO AL AMOR no son un LAMENTO DE UN POETA o un AMARGO DESPERTAR  a un tiempo EN PRIMAVERA.
Yo UN PAYASO, EN ESTO DEL QUERER y TESTIGO DE LA LUNA, con UNA PALABRA podría decir que el BESO LOCO que me diste convirtió mi vida en una DIVINA LOCURA.

Biografí tomada de: https://prpop.org Fundacion Nacional para la cultura

Edmundo Disdier Alvarez

La música y la poesía ocupaban un espacio importante dentro del hogar de Don Edmundo Disdier Martínez y Doña Francisca Álvarez Crescioni. Por eso no fue de extrañar que en su hijo Edmundo Disdier se apreciara una innegable sensibilidad para la expresión artística a temprana edad. Sensibilidad, que poco después lo impulsó a manifestarse a través de diversas facetas como el canto, la poesía y la composición, hasta llegar a convertirse en uno de los artistas de mayor trascendencia en la música popular.

Nació en el sector Vieques del pueblo de Patillas el 2 de mayo de 1927. Allí permaneció hasta que cumplió los tres años. Poco después se mudó junto a sus familiares al pueblo de Guayama, municipio del sur de Puerto Rico donde estudió en el Colegio San Antonio. En esa escuela cursa sus primeros grados y además pisa por primera vez un escenario para participar en una representación teatral navideña. Fue también en Guayama donde se dedicó a rescribir reconocidas canciones de compositores para adecuarlas a su circunstancia.
Al cumplir los ocho años se establece con su familia en el pueblo de Yauco. Al cumplir los 13 comienza a escribir canciones. Pero antes de dedicarse a la composición participó en las numerosas serenatas dedicadas a las chicas de su nuevo pueblo. No fueron pocas las ocasiones en que su padre lo tuvo que ir a buscar por temor a que le pasara algo. Más tarde comenzó a tomar clases de guitarra con Miguel González.

A comienzos de la década del 40 Edmundo se traslada con su familia a San Juan, específicamente al barrio de Hato Rey. Allí ingresó a la Escuela Superior Vila Mayo hasta que terminó sus estudios en 1946. Durante esa época el adolescente, que ya tocaba la guitarra, dedicó gran parte de su tiempo libre a escribir canciones. De esos años es su composición "En primavera", una de sus más conocidas.
Al ser admitido a la Universidad de Puerto Rico lo primero que hace Mundo Disdier es tratar de ingresar al coro que entonces dirigía don Augusto Rodríguez. Fue allí donde conoció a los integrantes del Trío Universitario. Compuesto por Luis Córdova, director, Astor Aponte y Luis Rafael Cordero, Disdier se une al mismo movido por el amor que siente por la música. Con ellos el compositor puertorriqueño se presentó para cantar y serenetear en diversos lugares como San Germán y Mayagüez. Un año después de haber ingresado a la Universidad, los integrantes del grupo le propusieron que fuera la primera voz del trío. Edmundo aceptó la oferta hecho que le permitió dedicarse de lleno a los ensayos y al proceso creativo de la composición.
A fines de los 40 el Trío Universitario realizó su primera grabación para el sello University. En ella se incluyeron varios temas de la pluma de Disdier, entre ellos "Amargo despertar", "Recuerda" y "En primavera".  


Con el grupo la figura de Edmundo Disdier comienza a adquirir cierta importancia. En cada espectáculo que realizaba la agrupación se presentaban como Edmundo Disdier y el Trío Universitario.

A comienzos de la década de 1950 graba como solista para la Casa Fragoso los temas "Beso loco", "Una palabra" y "Ya no eres tú", esta última de Ángel I. Fonfrías. Junto a éste escribió "Testigo de la luna", composición que grabó Los Cuatro Ases. De igual forma el cantante Tito Lara grabó para el mencionado grupo "Divina locura", original de Disdier.
Durante esos años el también músico gozó de gran popularidad en el género de la canción romántica. Desde ese momento sus creaciones han gozado del respaldo de importantes voces como la de Carmen Delia Dipiní, Felipe Rodríguez, Davilita, Tirso Guerrero, Marco Antonio Muñiz, el Trío Vegabajeño, Los Kintos, Los Murcianos, Gilberto Monroig, Cheíto González, Chucho Avellanet, Los Hispanos, Danny Rivera y Lucecita Benítez, quienes han grabado, además de temas románticos, sus canciones jíbaras, boleros, valses, danzas y tangos. Dentro de este género, "Déjame hablarte" se convirtió en unos de los temas más populares no tan sólo de Puerto Rico sino que también de Argentina, país donde fue cantado por Elvira de Grays y Ciro San Román.
Otros géneros cultivados por Edmundo Disdier son la guaracha, la música navideña. el fox trot y el blues. Igualmente el aficionado al mundo de la ópera ha compuesto arias de zarzuela como "Perlas blancas", "Rosas y estrellas", "Mirando al cielo", "Díme", "Roja flor", "Tu secreto", "Ansias locas" y "Canto al amor", entre otras. Parte de este repertorio fue interpretado por Migdalia Batiz y Elio Rubio en 1980, en el Teatro de la Universidad Puerto Rico.
Con una obra inédita que supera más de 300 canciones, Edmundo Disdier ha abarcado en ella diversos temas. Entre ellos se encuentran, además del amor, la soledad, la ingratitud, los convencionalismos sociales y el destino. Algunas de las composiciones que reflejan dichos temas son "Máscara", "En esto de querer", "Lamento de un poeta", "Verdad y mentira", "Quisiera reír" y "Un payaso".

En 1988 recibió por parte de la Asociación Puertorriqueña de Profesores Universitarios la Orden Tavárez honrando de esa forma su valiosa contribución a nuestra música. En esa ocasión declaró su intención de donar su conjunto de obras a la Universidad de Puerto Rico con la esperanza de que fuera conservada y promovida para el beneficio de la comunidad.

En los albores del nuevo siglo la obra de don Edmundo Disdier continúa viva gracias al trabajo de reconocidos intérpretes como Nydia Caro y el tenor César Hernández, entre muchos otros. Ambos artistas le rindieron un merecido homenaje al compositor puertorriqueño en un concierto celebrado en el nuevo Centro de Bellas Artes de Caguas

miércoles, 10 de agosto de 2016

PIETRO DE BENEDECTIS

COMO DECIRTE AHORA que ESTE AMOR QUE PASEO CONMIGO fue como una FABULA DEL MAR que DE VEZ EN CUANDO VIENE A DORMIR en mi regazo y luego se marcha en EL TRENCITO DEL OESTE y me deja cantando COPLAS A MI PAIS.


MI VIEJO me dijo no crea en LA GUERRA DEL AMOR porque te deja como una SINFONIA INCONCLUSA mejor quédate SOLTERO y escucha bien, que SOLO UN GORRION con su canto podrá calmar LAS COSAS QUE PASAN y ese MIEDO NIÑO que antes calmaba LA CANCION DE LA ABUELA.

Piero De Benedectis

Piero De Benedectis nació en Italia (19/04/1944), llegó al país en 1947 y debutó en televisión en 1964, cantando canciones melódicas italianas como "A la cara, cara nonne" y "Giovanne, Giovanne". En 1969 ganó el Tercer Festival de la Canción con el tema "Como somos". Poco a poco fue variando el estilo musical, hasta consagrarse como uno de los líderes de la canción política de protesta.

En 1976 se exilió primero en Panamá y luego en Italia y España. En 1981 se organizó "La Gran Vuelta de Piero", en el Microestadio de Atlanta, donde también se registró un disco doble en vivo: "Calor Humano".

Apuntando a un público mucho más joven y rockero que en etapas anteriores, Piero tuvo un gran año en 1982: llenó dos Obras, participó del Festival B.A.Rock y realizó siete shows colmados en el teatro Opera. Fue el gran ausente del Festival de la Solidaridad Latinoamericana.


Acompañado por José Tcherkaski, realizó en 1985 una gira por Latinoamérica, que alcanzó su máximo éxito en Colombia y Ecuador, donde reunió 80.000 personas en total. Durante ese tour participó de unos shows a beneficio de las víctimas del volcán Nevado del Ruiz (en Armero, Colombia), que mató a 30.000 personas. Allí tocó junto a Julio Iglesias, Joan Manuel Serrat y el Puma Rodríguez. Esa gira se extendió por el interior del país y confirmó su popularidad: 70.000 espectadores. Sin embargo, sus discos no obtuvieron igual éxito. El mismo ensaya una explicación: «acá no tenemos tanta repercusión como en Latinoamérica porque están todos prejuiciados. En este momento, los cantantes están al servicio de la oposición política o del oficialismo, o de tal cosa... El compromiso ahora parece la tarea más fácil. Y nosotros no utilizamos el compromiso como una actitud de venta. Nosotros no hablamos de lo que nos pasó durante la dictadura. En cambio, hay mucha gente que nunca le pasó nada y ahora parecen mártires de la revolución...» (Clarín, 7/12/85).  


Desde entonces, realizó esporádicos recitales, tanto en Argentina como en el resto de los países de América Latina, aunque ya nunca con la convocatoria de antaño.
A mediados de la década de los '80 abandonó la música de protesta y fundó una granja ecológica cerca de Campana, junto a adolescentes de familias humildes.

En 1995 se abocó a la edición de un disco doble dedicado a los derechos de los niños. Con la participación de figuras internacionales como David Gilmour (Pink Floyd), Annie Lennox, Joaquín Sabina y nacionales del nivel de León Gieco, Jairo, Baglietto, Miguel Cantilo, más el aporte de Diego Maradona, «lo que quería es que los chicos conocieran sus derechos a través de la música». El proyecto fue declarado de interés nacional y las regalías serían donadas a UNICEF

viernes, 29 de julio de 2016

CHABUCA GRANDA

MARÍA LANDÓ bajando en LA CANOA cerca de EL PUENTE DE LOS SUSPIROS con LA CAMISA en una mano y en la otra cargando LA FLOR DE LA CANELA como muestra de una FINA ESTAMPA decía: ME HE DE GUARDAR, LAS FLORES BUENAS DE JAVIER porque JOSE ANTONIO va llevarme por EL SURCO a LA TORRE DE MARFIL y no quiero que se enteren que las COPLAS A FRAY MARTIN DE PORES no son para ellos.

QUIZA UN DIA ASI, si EL FUSIL DEL POETA ES UNA ROSA entonces en una ZAMBA PARA NO MORIR les hablaré de MI CANCION DE AUSENCIA  a un BELLO DURMIENTE y solo así lograran escuchar para siempre los VIOLINES DEL PERÚ

María Isabel Granda y Larco

Nace el 3 de septiembre de 1920, en la sureña provincia de Cotabambas, región del Apurímac, es conocida mundialmente como CHABUCA GRANDA, uno de los más altos valores de la cultura indoamericana y la más fiel exponente de la conciencia peruana, expresada a través de su obra como juglar y autora.
Hija del ingeniero Eduardo Granda Esquivel, natural de la señorial ciudad de Lima y de Isabel Teresa Larco Ferrari, nacida en Trujillo, histórica ciudad de la costa peruana. Desde su temprana adolescencia se aficionó a la música tradicional de su país, iniciándose profesionalmente como vocalista a la edad de 12 años, época cuando comenzó a triunfar como la más delicada juglar de la canción tradicional peruana, constituyéndose junto a Felipe Pinglo Alva, María de Jesús Vásquez, Manuel Acosta Ojeda, Lucha Reyes, Amparo Baluarte, Óscar Avilés y Alicia Magiña  entre otros, en los más firmes y determinantes pilares donde se arraigó la cantata peruana de los tiempos pretéritos.

Desposada con Enrique Füller Da Costa, el 13 de mayo de 1942, entró en un período  de calma hogareña, y fue, después, de su divorcio, cuanto en 1952 inició su exitosa carrera como compositora de los más variados temas musicales del Perú. 

Chabuca Granda ha sido la más renombrada compositora del Perú, país que ha pincelado en cada una de sus creaciones donde exalta la natural belleza de este paraíso andino, utilizando imágenes sencillas con expresiones que se adentran en el sentimiento de sus compatriotas y de aquellos que disfrutamos de su exquisita sensibilidad de artista y gran señora.

Peregrina impenitente, su presencia se hizo sentir en una buena parte de las capitales del mundo, donde fue obsequiosa con sus mensajes pletóricos de esperanza que llegó, por su originalidad, a los sentimientos de los pueblos que visitara como embajadora de la cultura y del arte indoamericano.

La creadora del himno espiritual de los peruanos “La Flor de la Canela” relató en cierta oportunidad que esta canción suya estuvo inspirada en un personaje real: Victoria Angulo.
Inspirada en la Lima señorial de donde extrajo las percepciones  que le permitirían contar en las estrofas de sus canciones, simples historias donde han quedado reflejadas las costumbres de ancestros siempre presentes en unos empolvados balcones y  floridos cercados.

Después, la artista se adentra en su constante preocupación social donde entregada a su pueblo, les ofrece lo mejor de sí para que éste resista las arremetidas de una clase dominadora que irrumpe en sus existencias, incrementando las angustias de la cotidianidad. De aquí surgen los pregones, los cantos de jarana,  los landós y las zamacuecas, que incorporados a las marineras y los valses. conforman un mundo de sonidos e imágenes donde siempre está presente el sentir de la peruanidad.


 Entre las composiciones universales de Chabuca Granda destacan por sus incuestionables bellezas “Lima de veras”, “La flor de la canela”, “Fina estampa”, “La herida oscura“, “Zamba para no morir”, “Gracia”, “José Antonio”, “Puente de los suspiros”, “Coplas de Fray Martín”, “Toro mata, toro mata”, “Ollita nomás”, “Una larga noche”, “La torre de marfil”, “El surco” y “Zeñó Manué”.

Chabuca Granda murió el 8 de marzo de 1983, en la ciudad Miami, estados Unidos; per, su obra perdurará en el tiempo. Ella, la definió su arte así: “No alcancé ni alcanzaré jamás a hacer folklore; apenas hice canción popular, y de ella solamente juglaría. La buena suerte me hizo popular pero no por eso importante, los importantes son mis personajes vivos o alguna vez vivos, los que llegaron al corazón de los pueblos gracias a mis extraordinarios y generosos intérpretes”

La chilena Chalena Vázquez expresó: “la música peruana se ha africanizado. Chabuca Granda ha contribuido a ello”, Daniel Roca escribía: “Chabuca Granda es la columna inquebrantable sobre la cual se ha edificado el prestigio musical de nuestro país en el exterior. Los peruanos le debemos un monumento de gratitud: comencemos a construirlo respetando su legado artístico, parte de nuestra historia pasada y presente y, por cierto, valioso patrimonio nuestro que tenemos la obligación de preservar, como ejemplo e inspiración para las generaciones futuras. Chabuca, de auténtica alcurnia limeña, simboliza ese orgullo por lo nuestro que no debemos ni podemos perder” y, el laureado compositor yucateco Armando Manzanero, refiriéndose  a la compositora afirmó “Cuando escuché por primera vez una canción de Chabuca Granda que se llamaba “Fina Estampa” dije que nadie pudo describir a ese caballero como lo hizo mi inolvidable hermana Chabuca”.