EDMUNDO DISDIER ALVAREZ

Las PERLAS BLANCAS, que se asoman en tu boca son como ROSAS Y ESTRELLAS, MIRANDO AL CIELO. DIME si esas ANSIAS LOCAS que provocan este CANTO AL AMOR no son un LAMENTO DE UN POETA o un AMARGO DESPERTAR  a un tiempo EN PRIMAVERA.

Yo UN PAYASO, EN ESTO DEL QUERER y TESTIGO DE LA LUNA, con UNA PALABRA podría decir que el BESO LOCO que me diste convirtió mi vida en una DIVINA LOCURA.

Biografí tomada de: https://prpop.org Fundacion Nacional para la cultura

Edmundo Disdier Alvarez

La música y la poesía ocupaban un espacio importante dentro del hogar de Don Edmundo Disdier Martínez y Doña Francisca Álvarez Crescioni. Por eso no fue de extrañar que en su hijo Edmundo Disdier se apreciara una innegable sensibilidad para la expresión artística a temprana edad. Sensibilidad, que poco después lo impulsó a manifestarse a través de diversas facetas como el canto, la poesía y la composición, hasta llegar a convertirse en uno de los artistas de mayor trascendencia en la música popular.

Nació en el sector Vieques del pueblo de Patillas el 2 de mayo de 1927. Allí permaneció hasta que cumplió los tres años. Poco después se mudó junto a sus familiares al pueblo de Guayama, municipio del sur de Puerto Rico donde estudió en el Colegio San Antonio. En esa escuela cursa sus primeros grados y además pisa por primera vez un escenario para participar en una representación teatral navideña. Fue también en Guayama donde se dedicó a rescribir reconocidas canciones de compositores para adecuarlas a su circunstancia.

Al cumplir los ocho años se establece con su familia en el pueblo de Yauco. Al cumplir los 13 comienza a escribir canciones. Pero antes de dedicarse a la composición participó en las numerosas serenatas dedicadas a las chicas de su nuevo pueblo. No fueron pocas las ocasiones en que su padre lo tuvo que ir a buscar por temor a que le pasara algo. Más tarde comenzó a tomar clases de guitarra con Miguel González.

A comienzos de la década del 40 Edmundo se traslada con su familia a San Juan, específicamente al barrio de Hato Rey. Allí ingresó a la Escuela Superior Vila Mayo hasta que terminó sus estudios en 1946. Durante esa época el adolescente, que ya tocaba la guitarra, dedicó gran parte de su tiempo libre a escribir canciones. De esos años es su composición "En primavera", una de sus más conocidas.

Al ser admitido a la Universidad de Puerto Rico lo primero que hace Mundo Disdier es tratar de ingresar al coro que entonces dirigía don Augusto Rodríguez. Fue allí donde conoció a los integrantes del Trío Universitario. Compuesto por Luis Córdova, director, Astor Aponte y Luis Rafael Cordero, Disdier se une al mismo movido por el amor que siente por la música. Con ellos el compositor puertorriqueño se presentó para cantar y serenetear en diversos lugares como San Germán y Mayagüez. Un año después de haber ingresado a la Universidad, los integrantes del grupo le propusieron que fuera la primera voz del trío. Edmundo aceptó la oferta hecho que le permitió dedicarse de lleno a los ensayos y al proceso creativo de la composición.

A fines de los 40 el Trío Universitario realizó su primera grabación para el sello University. En ella se incluyeron varios temas de la pluma de Disdier, entre ellos "Amargo despertar", "Recuerda" y "En primavera".  

Con el grupo la figura de Edmundo Disdier comienza a adquirir cierta importancia. En cada espectáculo que realizaba la agrupación se presentaban como Edmundo Disdier y el Trío Universitario.

A comienzos de la década de 1950 graba como solista para la Casa Fragoso los temas "Beso loco", "Una palabra" y "Ya no eres tú", esta última de Ángel I. Fonfrías. Junto a éste escribió "Testigo de la luna", composición que grabó Los Cuatro Ases. De igual forma el cantante Tito Lara grabó para el mencionado grupo "Divina locura", original de Disdier.

Durante esos años el también músico gozó de gran popularidad en el género de la canción romántica. Desde ese momento sus creaciones han gozado del respaldo de importantes voces como la de Carmen Delia Dipiní, Felipe Rodríguez, Davilita, Tirso Guerrero, Marco Antonio Muñiz, el Trío Vegabajeño, Los Kintos, Los Murcianos, Gilberto Monroig, Cheíto González, Chucho Avellanet, Los Hispanos, Danny Rivera y Lucecita Benítez, quienes han grabado, además de temas románticos, sus canciones jíbaras, boleros, valses, danzas y tangos. Dentro de este género, "Déjame hablarte" se convirtió en unos de los temas más populares no tan sólo de Puerto Rico sino que también de Argentina, país donde fue cantado por Elvira de Grays y Ciro San Román.

Otros géneros cultivados por Edmundo Disdier son la guaracha, la música navideña. el fox trot y el blues. Igualmente el aficionado al mundo de la ópera ha compuesto arias de zarzuela como "Perlas blancas", "Rosas y estrellas", "Mirando al cielo", "Díme", "Roja flor", "Tu secreto", "Ansias locas" y "Canto al amor", entre otras. Parte de este repertorio fue interpretado por Migdalia Batiz y Elio Rubio en 1980, en el Teatro de la Universidad Puerto Rico.

Con una obra inédita que supera más de 300 canciones, Edmundo Disdier ha abarcado en ella diversos temas. Entre ellos se encuentran, además del amor, la soledad, la ingratitud, los convencionalismos sociales y el destino. Algunas de las composiciones que reflejan dichos temas son "Máscara", "En esto de querer", "Lamento de un poeta", "Verdad y mentira", "Quisiera reír" y "Un payaso".

En 1988 recibió por parte de la Asociación Puertorriqueña de Profesores Universitarios la Orden Tavárez honrando de esa forma su valiosa contribución a nuestra música. En esa ocasión declaró su intención de donar su conjunto de obras a la Universidad de Puerto Rico con la esperanza de que fuera conservada y promovida para el beneficio de la comunidad.

En los albores del nuevo siglo la obra de don Edmundo Disdier continúa viva gracias al trabajo de reconocidos intérpretes como Nydia Caro y el tenor César Hernández, entre muchos otros. Ambos artistas le rindieron un merecido homenaje al compositor puertorriqueño en un concierto celebrado en el nuevo Centro de Bellas Artes de Caguas

PIETRO DE BENEDECTIS

COMO DECIRTE AHORA que ESTE AMOR QUE PASEO CONMIGO fue como una FABULA DEL MAR que DE VEZ EN CUANDO VIENE A DORMIR en mi regazo y luego se marcha en EL TRENCITO DEL OESTE y me deja cantando COPLAS A MI PAIS.

MI VIEJO me dijo no crea en LA GUERRA DEL AMOR porque te deja como una SINFONIA INCONCLUSA mejor quédate SOLTERO y escucha bien, que SOLO UN GORRION con su canto podrá calmar LAS COSAS QUE PASAN y ese MIEDO NIÑO que antes calmaba LA CANCION DE LA ABUELA.

Piero De Benedectis

Piero De Benedectis nació en Italia (19/04/1944), llegó al país en 1947 y debutó en televisión en 1964, cantando canciones melódicas italianas como "A la cara, cara nonne" y "Giovanne, Giovanne". En 1969 ganó el Tercer Festival de la Canción con el tema "Como somos". Poco a poco fue variando el estilo musical, hasta consagrarse como uno de los líderes de la canción política de protesta.

En 1976 se exilió primero en Panamá y luego en Italia y España. En 1981 se organizó "La Gran Vuelta de Piero", en el Microestadio de Atlanta, donde también se registró un disco doble en vivo: "Calor Humano".

Apuntando a un público mucho más joven y rockero que en etapas anteriores, Piero tuvo un gran año en 1982: llenó dos Obras, participó del Festival B.A.Rock y realizó siete shows colmados en el teatro Opera. Fue el gran ausente del Festival de la Solidaridad Latinoamericana.

Acompañado por José Tcherkaski, realizó en 1985 una gira por Latinoamérica, que alcanzó su máximo éxito en Colombia y Ecuador, donde reunió 80.000 personas en total. Durante ese tour participó de unos shows a beneficio de las víctimas del volcán Nevado del Ruiz (en Armero, Colombia), que mató a 30.000 personas. Allí tocó junto a Julio Iglesias, Joan Manuel Serrat y el Puma Rodríguez. Esa gira se extendió por el interior del país y confirmó su popularidad: 70.000 espectadores. Sin embargo, sus discos no obtuvieron igual éxito. El mismo ensaya una explicación: «acá no tenemos tanta repercusión como en Latinoamérica porque están todos prejuiciados. En este momento, los cantantes están al servicio de la oposición política o del oficialismo, o de tal cosa... El compromiso ahora parece la tarea más fácil. Y nosotros no utilizamos el compromiso como una actitud de venta. Nosotros no hablamos de lo que nos pasó durante la dictadura. En cambio, hay mucha gente que nunca le pasó nada y ahora parecen mártires de la revolución...» (Clarín, 7/12/85).  

Desde entonces, realizó esporádicos recitales, tanto en Argentina como en el resto de los países de América Latina, aunque ya nunca con la convocatoria de antaño.

A mediados de la década de los '80 abandonó la música de protesta y fundó una granja ecológica cerca de Campana, junto a adolescentes de familias humildes.

En 1995 se abocó a la edición de un disco doble dedicado a los derechos de los niños. Con la participación de figuras internacionales como David Gilmour (Pink Floyd), Annie Lennox, Joaquín Sabina y nacionales del nivel de León Gieco, Jairo, Baglietto, Miguel Cantilo, más el aporte de Diego Maradona, «lo que quería es que los chicos conocieran sus derechos a través de la música». El proyecto fue declarado de interés nacional y las regalías serían donadas a UNICEF

CHABUCA GRANDA

MARÍA LANDÓ bajando en LA CANOA cerca de EL PUENTE DE LOS SUSPIROS con LA CAMISA en una mano y en la otra cargando LA FLOR DE LA CANELA como muestra de una FINA ESTAMPA decía: ME HE DE GUARDAR, LAS FLORES BUENAS DE JAVIER porque JOSE ANTONIO va llevarme por EL SURCO a LA TORRE DE MARFIL y no quiero que se enteren que las COPLAS A FRAY MARTIN DE PORES no son para ellos.

QUIZA UN DIA ASI, si EL FUSIL DEL POETA ES UNA ROSA entonces en una ZAMBA PARA NO MORIR les hablaré de MI CANCION DE AUSENCIA  a un BELLO DURMIENTE y solo así lograran escuchar para siempre los VIOLINES DEL PERÚ

María Isabel Granda y Larco

Nace el 3 de septiembre de 1920, en la sureña provincia de Cotabambas, región del Apurímac, es conocida mundialmente como CHABUCA GRANDA, uno de los más altos valores de la cultura indoamericana y la más fiel exponente de la conciencia peruana, expresada a través de su obra como juglar y autora.

Hija del ingeniero Eduardo Granda Esquivel, natural de la señorial ciudad de Lima y de Isabel Teresa Larco Ferrari, nacida en Trujillo, histórica ciudad de la costa peruana. Desde su temprana adolescencia se aficionó a la música tradicional de su país, iniciándose profesionalmente como vocalista a la edad de 12 años, época cuando comenzó a triunfar como la más delicada juglar de la canción tradicional peruana, constituyéndose junto a Felipe Pinglo Alva, María de Jesús Vásquez, Manuel Acosta Ojeda, Lucha Reyes, Amparo Baluarte, Óscar Avilés y Alicia Magiña  entre otros, en los más firmes y determinantes pilares donde se arraigó la cantata peruana de los tiempos pretéritos.

Desposada con Enrique Füller Da Costa, el 13 de mayo de 1942, entró en un período  de calma hogareña, y fue, después, de su divorcio, cuanto en 1952 inició su exitosa carrera como compositora de los más variados temas musicales del Perú. 

Chabuca Granda ha sido la más renombrada compositora del Perú, país que ha pincelado en cada una de sus creaciones donde exalta la natural belleza de este paraíso andino, utilizando imágenes sencillas con expresiones que se adentran en el sentimiento de sus compatriotas y de aquellos que disfrutamos de su exquisita sensibilidad de artista y gran señora.

Peregrina impenitente, su presencia se hizo sentir en una buena parte de las capitales del mundo, donde fue obsequiosa con sus mensajes pletóricos de esperanza que llegó, por su originalidad, a los sentimientos de los pueblos que visitara como embajadora de la cultura y del arte indoamericano.

La creadora del himno espiritual de los peruanos “La Flor de la Canela” relató en cierta oportunidad que esta canción suya estuvo inspirada en un personaje real: Victoria Angulo.

Inspirada en la Lima señorial de donde extrajo las percepciones  que le permitirían contar en las estrofas de sus canciones, simples historias donde han quedado reflejadas las costumbres de ancestros siempre presentes en unos empolvados balcones y  floridos cercados.

Después, la artista se adentra en su constante preocupación social donde entregada a su pueblo, les ofrece lo mejor de sí para que éste resista las arremetidas de una clase dominadora que irrumpe en sus existencias, incrementando las angustias de la cotidianidad. De aquí surgen los pregones, los cantos de jarana,  los landós y las zamacuecas, que incorporados a las marineras y los valses. conforman un mundo de sonidos e imágenes donde siempre está presente el sentir de la peruanidad.

 Entre las composiciones universales de Chabuca Granda destacan por sus incuestionables bellezas “Lima de veras”, “La flor de la canela”, “Fina estampa”, “La herida oscura“, “Zamba para no morir”, “Gracia”, “José Antonio”, “Puente de los suspiros”, “Coplas de Fray Martín”, “Toro mata, toro mata”, “Ollita nomás”, “Una larga noche”, “La torre de marfil”, “El surco” y “Zeñó Manué”.

Chabuca Granda murió el 8 de marzo de 1983, en la ciudad Miami, estados Unidos; per, su obra perdurará en el tiempo. Ella, la definió su arte así: “No alcancé ni alcanzaré jamás a hacer folklore; apenas hice canción popular, y de ella solamente juglaría. La buena suerte me hizo popular pero no por eso importante, los importantes son mis personajes vivos o alguna vez vivos, los que llegaron al corazón de los pueblos gracias a mis extraordinarios y generosos intérpretes”

La chilena Chalena Vázquez expresó: “la música peruana se ha africanizado. Chabuca Granda ha contribuido a ello”, Daniel Roca escribía: “Chabuca Granda es la columna inquebrantable sobre la cual se ha edificado el prestigio musical de nuestro país en el exterior. Los peruanos le debemos un monumento de gratitud: comencemos a construirlo respetando su legado artístico, parte de nuestra historia pasada y presente y, por cierto, valioso patrimonio nuestro que tenemos la obligación de preservar, como ejemplo e inspiración para las generaciones futuras. Chabuca, de auténtica alcurnia limeña, simboliza ese orgullo por lo nuestro que no debemos ni podemos perder” y, el laureado compositor yucateco Armando Manzanero, refiriéndose  a la compositora afirmó “Cuando escuché por primera vez una canción de Chabuca Granda que se llamaba “Fina Estampa” dije que nadie pudo describir a ese caballero como lo hizo mi inolvidable hermana Chabuca”.

RENE TOUZET Y MONTE

LA NOCHE DE ANOCHE me la pasé PENSANDO EN TI y en TU FELICIDAD y aunque sé que tú HAS DUDADO DE MI yo quise hacer  UNA CANCION PARA TI, era como una CONVERSACION EN TIEMPO DE BOLERO donde te explicaba lo era mi vida, así tú no tendría que pasar POR TODAS MIS LOCURAS.

ANOCHE TE VI, EN LA LEJARIA, y también ANOCHE APRENDI que esta ANCIEDAD DE TI me lleva por el camino de la locura, no sé, si NO TE IMPORE SABER que esta INSERTIDUMBRE, está DESILUSION es como una CONFUSION que siento que ando por el mundo CON MIL DESENGAÑOS, pero este amor CRECE Y CRECE y seguirá creciendo HASTA QUE TU VUELVAS.

René Touzet y Monte.

Talentoso pianista y excelso compositor; que nace el 8 de septiembre de 1916, en Cojimar  pueblo ubicado al este de la Habana y fallece el 17 de junio de 2003 en Miami, Florida.

Es oportuno deslindar su prolífica carrera musical en dos grandes franjas; la de su formación académico musical en su natal Cuba y en particular en la Habana, donde ya a los 16 años su talento era motivo de reconocimiento al ser distinguido con el primer lugar del conservatorio Falcón, dirigido por el distinguido Alberto Falcón.  Si bien era un adolecente ya tenía una formación que cubría 12 años de academia con profesores de reconocido prestigio; dos años después, suspende su formación clásica vinculándose como pianista de la orquesta de jazz del maestro Luis Rivera.

Sin cumplir los 20 años se convierte en director de una orquesta de 16 músicos, presentándose en el Gran Casino Nacional de La Habana y en La Taberna Cubana, lo particular de esta novel nomina es que sus integrantes se convertirían en los más destacados músicos cubanos en mucho tiempo; integrada por el maestro Touzet, como pianista y director; José Patiño, Armando López y Arturo O’Farrill (Chico), en las trompetas; Armando Romeu Pedro Vila, Rafael Quesada (El Cabito) y Hugo Yera, en los saxofones; Gustavo Mas, como saxofonista tenor; José Andreu, violín; Isidro Pérez (Isito), en la guitarra; E. Andreu, contrabajo; Alberto Jiménez Rebollar, batería, y René Márquez, cantante quien hiciera la voz original de la afamada composición “No te importe saber”, del maestro Touzet, creada en el 1934.

En el 1940 estudia dirección de orquesta con el maestro Alberto Bolet; piano, con el maestro César Pérez Sentenat; en el 1942 perfeccionó con Joaquín Nin Castellanos Dos años después realiza su primer viaje a Los Ángeles, California, regresando en el 1949 para complementar su formación con el compositor italiano Mario Castelnuovo-Tedesco, del que fue discípulo de armonía y composición; completando sus estudios de armonía y composición en 1953, en Nueva York, con el compositor norteamericano Hall Overtone, quien en sus obras para orquesta sinfónica utilizaba elementos del jazz.

 En ese tiempo trabaja como pianista de las Orquestas del Catalán Enrique Madriguera, de Xavier Cugat, de Stan Kenton, de Carlos Molina agrupaciones y como pianista de la orquesta de su paisano Desi Arnaz.Ya en Nueva York, acompaña grandes voces latinoamericanas como a la Ponceña Ruth Fernández, a Carmen Delia Dipini, al Gordita de Oro Myrta Silva, María Luisa Landín y produce para 1954 un trabajo recordando incunables piezas musicales de compatriotas suyos como Lecuona Eliseo Grenet, Miguel Matamoros, Enrique Jorrin y otros.

Para el 1972 Touzet se radica en Miami, Florida, dedicando sus esfuerzos a desarrollar las fusiones y mezclas de lo netamente cubano con las esencias de Jazz, incluyendo algunas obras en la llamada música culta (Danzas, Sonatas, Vals. etc.).

Además de las dos hijas del matrimonio con doña Isabel González fue padre de Olga María Touzet Guillot, de su relación con la cantante y famada bolerista Olga Guillot con quien desarrollara algunos apartes de la carrera musical de la cantante, su última unión se dio con Doña Mercy Ramos.

Dentro de los múltiples trabajos realizados por el maestro recordamos: Cena en la Habana en 1954, para la Rca Victor, Pachanga Diferente en el 1961, El encanto del chachacha; Chacha Rhythm Boys; La Pachanga; Pa chismoso tu; Chachacha For Lovers, Bésame mucho. 

Dentro de sus múltiples composiciones que incluyen Boleros, Danzas, Música para piano, recordamos: No te importe saber, Conversación en tiempo de bolero, Despertar, Ansiedad de ti, Acuérdate, Algo tuyo, En la lejanía, Anoche aprendí, Anoche te vi, Así como tú eres, Así es Aruba, Ayer te vi otra vez, Balada de la pequeña Habana, Botoncito de rosa, Cada vez más, Canción a la luna, Canta la nostalgia, Como la lluvia, ¿Cómo pudiste?, Confusión, Con mil desengaños, Crece y crece, Cuando más doy... menos recibo, Cuando tú quieras, ¿Cuándo volveremos?, Cuánta belleza, Déjame creer, De mí para ti, Desilusión, Después de querernos mucho, Dime que sí otra vez, El dolor que no se siente, El guaguancó de los blancos, Enamorarse es, En el día de ayer,  En pocas palabras, 

Entre este mundo y Dios, eres feliz, Estampa cubana, Estuve pensando, Experiencia, Fue una broma, Guajira, lirio de la sabana, Has dudado de mí, Hasta que vuelvas, Hay que ser romántico, Hoy, Incertidumbre, La noche de anoche, Las mujeres de mi Cuba, La vida es un largo camino, La vida tiene cosas así, Locura, Lo que pienso de ti, Lo que tiene que ser, Los brazos tuyos, Me contaron de ti, Mi Habana, cuando te vuelva a ver, Milagro de amor, Mi música es para ti, Muchos corazones, Muñeca, Muy dentro de mí, Muy tarde, Nadie sabe, Noche, Noche cojimera, No, no lo digas, Nostalgia navideña, No te das cuenta, No te importe saber, Nuestro mundo, Ocaso, Oye, Parece mentira, Pero llorar, no voy a llorar, Pero todo es amor, ¿Por qué tendrá que ser así?, Porque te quiero, Por todas mis locuras, Presiento, Primera lluvia, Privilegio, Qué contento estoy, Quédate así, Qué maravilloso es, Quién me convence a mí, Quisqueya, la más hermosa, Romántico primero, Saumelliana. Serie I. Alegre, Cervantina, Alterada, Tú y yo, Siempre en clave, Bailarina y Recordando al maestro. Serie II. La piquiña, Cromática, Entre la y re, Cubanasa, La trece, Danza nocturno, Encaje habanero y Cascabel. Serie III. Cumpleaños, Conversando, Marejadas, Apasionada, Nostálgica, Jugueteando. Serie IV. Saltarina, Veleidosa, Pensativa, Espontánea, En la b, Palmeras. Serie V. Dancita núm. 1, Dancita núm. 2, Dancita núm. 3. Serie VI. La carretilla, Ay, me equivoqué, Taca, taca. Serie VII. Danza estudio núm. 1, Danza estudio núm. 2, Danza estudio núm. 3, Danza estudio núm. 4. Serie VIII. Vespertina, Pincelada, La cuarenta; Caperucita roja, 1984, texto: Carlos Irigoyen; Fantasía española, Gaviota, Impromptu núm. 1, Impromptu núm. 2, Nocturno, Preludio núm. 1, Preludio núm. 2, Suite de danzas románticas, Zapateo cubano, paráfrasis.

Este pianista con su talento creador se convierte en uno de los estandartes de la música cubana en el siglo XX; nos enseñó a tener una "Conversación en tiempo de bolero", pieza que reconocemos mundialmente en la voz de Vicentico Valdés y las múltiples interpretaciones de su connotado "No te importe saber"

GONZALO CURIEL BARBA

ANOCHE mientras caminaba A SOLAS, CON MI GUITARRA por CAMINOS DE AYER, aquellos  que siempre me llevan a la AMARGURA me hice a mi mismo una CONFESION, que por esta VEREDA TROPICAL debo encontrarme UN GRAN AMOR que deje sobre mi piel ese SABOR A BESOS que solo se encuentran en una NOCHE DE LUNA o una MAÑANITA FRIA.

LUNA AMIGA, LLEVAME donde esa MORENILA LINDA para que susurre a mi oído la ESPERANZA que deja ESTA NOCHE AMOR.

Biografia obtenida de: http://www.sacm.org.mx

Gonzalo Curiel Barba

Gonzalo Curiel Barba nació el 10 de enero de 1904 en Guadalajara, Jalisco. Sus padres fueron el C.P. Juan Nepomuceno Curiel Guerrero y la señora María de Jesús Barba Riestra. Tuvo dos hermanos, María Elisa y Juan Luis.

Desde niño mostró un gran gusto por la música. A los seis años aprendió a tocar el piano y más adelante, la guitarra y el violín.

En su ciudad natal cursó todos sus estudios, hasta el cuarto año de Medicina, carrera que estudió debido a que su padre le exigía un título profesional. Sin embargo, su gran vocación por la música se impuso, y en 1927 dejó la universidad para trasladarse a la ciudad de México. Ya instalado en la capital trabajó como pianista en una casa de música, donde se grababan rollos para pianola.

Como pianista se inició profesionalmente en la música, tocando en la XEW, donde luego de dos meses de haber ingresado, el doctor y cantante Alfonso Ortiz Tirado, quien al día siguiente salía a una gira internacional, recibió la noticia de que su pianista estaba enfermo, por lo que le pidió al maestro Gonzalo Curiel que lo sustituyera.

Esta gira le brindó a Gonzalo la oportunidad de dar a conocer su trabajo y su talento, y le sirvió de plataforma para que más adelante pudiera crear grupos musicales y convertirse en uno de los primeros artistas que trabajaron al frente de su propia orquesta.

Fue así como surgió el Grupo Ritarmelo (ritmo, armonía y melodía), integrado por Emilio Tuero, Pablo y Carlos Martínez Gil y Ciro Calderón y dirigido por Gonzalo. Después, buscando siempre innovaciones, formó Los Diablos Azules y Los Caballeros de la Armonía. 

Así, finalmente dio vida al que sería su famoso Escuadrón del Ritmo, que llegó a tener gran renombre y marcó toda una época entre las orquestas de baile en eventos sociales, así como de variedad principal en teatros de revista.

Con esta orquesta realizó giras por todo México y Estados Unidos, además de Brasil, Argentina y Chile. De este grupo surgieron músicos y compositores cuya fama perdura hoy en día.

Durante su carrera Gonzalo Curiel incursionó en tres importantes áreas de la música: la popular, la de fondo para películas y la sinfónica.

Dentro de la música popular su obra fue muy amplia, pero sin duda es Vereda tropical la canción con la que obtuvo mayores éxitos, debido a la popularidad que adquirió tanto nacional como internacionalmente. Su canción Temor también fue de las que más llegó al gusto del público.

Entre otras creaciones de Gonzalo Curiel consideradas como éxitos, están: Un gran amor, Caminos de ayer, Son tus ojos verde mar, Amargura, Incertidumbre, Calla tristeza, Dime, Morena linda, Noche de luna, Desesperanza, Dolor de ya no verte, Esperanza, Me acuerdo de ti, y Llévame.

En la mayoría de sus canciones escribió tanto la letra como la música, y también realizó algunas en coautoría, como El mar y En cada puerto un amor, con Ernesto Cortázar; Deseo, Sorpresa y He querido olvidar, con Alfonso Espriú. Con Ricardo El Vate López Méndez compuso Déjame, Tu boca y yo, y Tu partida, mientras que con Mario Molina Montes hizo De dónde vienes y Mira cuántas cosas. En mancuerna con Gabriel Luna de la Fuente creó Inevitablemente.

Gonzalo Curiel contribuyó de manera importante en más de 180 películas de la Época de Oro del cine nacional, además de que musicalizó producciones para el cine estadounidense y el francés. En 1954 se hizo acreedor al premio Ariel, por la música de fondo de la película Eugenia Grandet, que protagonizó Marga López. En 1958 fue nominado por Vainilla, Bronce y Morir, en la que actuaron Ignacio López Tarso y Elsa Aguirre.

Entre otras cintas musicalizadas por Gonzalo Curiel se encuentran: Soy un Prófugo y A Volar Joven, ambas con Cantinflas; Lo que le Pasó a Sansón, con Tin Tan; Ángel o Demonio, Santa, Paraíso Robado, La Casa de la Zorra, Cantando Nace el Amor, Hombres de Mar, Cartas a Eufemia, El Genial Detective Peter Pérez, y muchas más.

También compuso tres conciertos para piano y orquesta, con tres movimientos cada uno. Estas obras representaron la culminación de su sólida preparación y su carrera musical.

Gonzalo Curiel, compartiendo ideales con Alfonso Esparza Oteo, Ignacio Fernández Esperón Tata Nacho y Mario Talavera, entre otros, y para mejorar la situación económica de los compositores, fundaron el Sindicato Mexicano de Autores, Compositores y Editores de Música (SMACEM) y, posteriormente, la Sociedad de Autores y Compositores de México, institución de la que fue, en dos periodos, Presidente del Consejo Directivo.

En vida recibió muchos reconocimientos de diversa índole, pero han sido más los que se le han hecho después de su fallecimiento: algunas calles y avenidas en la República Mexicana llevan su nombre; varios bustos de bronce inmortalizan su recuerdo; se colocó una placa en la casa donde nació, y en febrero de 2001, el Gobierno de Jalisco develó el Muro de los 100 Jaliscienses Ilustres, en donde figura el maestro Curiel.

Gonzalo Curiel falleció de un infarto al miocardio, en su hogar, el 4 de julio de 1958. Sus restos reposan en el Panteón Jardín de San Ángel, en la ciudad de México.

En 2009 el maestro Gonzalo Curiel Barba fue galardonado por la Sociedad de Autores y Compositores de México con el Reconocimiento Póstumo Juventino Rosas, presea post-mortem instituida para honrar a los autores mexicanos cuya obra haya trascendido las fronteras lingüísticas y culturales para gloria de México en el mundo, permaneciendo vigente hasta nuestros días.

MANUEL RAYGADA BALLESTEROS

MECHITA antes de que mi cabeza aparezcan los primeros HILOS DE PLATA  y que la NOSTALGIA CHALACA  me lleve por el camino de las desventuras, quiero mí pronto MI RETORNO  a  MI PERU  porque  así podré disfrutar de la hermosa ACUARELA CRIOLLA de mi SANTA ROSA DE LIMA, porque yo, CHACALO SOY.

Manuel Raygada Balleseros

Manuel Raygada Ballesteros nace el 8 de marzo de 1904 en el Puerto Del Callao, Perú y fallece el 5 de abril de 1971, crecío recolectando "huevos de angelote" para venderlos después en el puerto, en el bar "Trípoli" de Monteagudo empieza a escuchar la música de los criollos que solían reunirse allí. Su padre al descubrir su afición le compró una guitarra. A los 13 años, en la cantina "El Pollito" de la calle Washington se subió al mostrador y entono con su guitarra un vals nació un jaranista aquella tarde. Al cumplir 19 años forma parte del conjunto estable de Radio Nacional del Perú.    

Forma dúo con el colombiano Caicedo logrando un segundo premio en el desaparecido  Teatro Municaipal de Lima en Barrios Altos. Ante el viaje de Caicedo por países del norte, decide formar un trío con Ricardo Smith y Pascual Villalba. Se enrola en la Compañía Nacional de Vapores para navegar por los mares del mundo regresa en 1929 y decide buscar a Smith y Villalba para recomponer el trío.

El 21 de agosto 1929 el vapor "Mantaro" zarpó del Callao hacia Arica llevando a la Delegación Oficial Peruana a la Entrega de Tacna por representantes del gobierno chileno y sin que lo supieran, llevaba también como "pavos" a Raygada, Smith y Villalba. Fueron descubiertos cerca de Mollendo, pero no fueron desembarcados sino que los obligaron a cantar día y noche para alegrar a la tripulación y romper la monotonía del viaje. 

Ya en territorio chileno, el trío se desintegró y Raygada luego de trabajar por un tiempo en Iquique con su guitarra, viajó a Santiago de Chile. Según Aurelio Collantes, el cabaret "Sangai" de la calle Bandera, en Santiago, fue su primera trinchera y de la música peruana. 1940 compone nostalgia chalaca, 1946 compone mi Peru y regresa al Callo en 1955, ya casado con Juana Sepúlveda y sus hijos: Sergio, Victoria, Gladys, María y Julio Raygada Sepúlveda Su regreso se debió gracias a los esfuerzos del Municipio del Callao, por tal motivo compuso la canción "Mi Retorno" vals que popularizarían "Los Chamas".

Fue en 1956 cuando el alcalde Atilio Torchiani le confió la administración del Mercado Central, como una manera de brindarle su apoyo, radicaría desde entonces en La Perla. 

Perseguido por sus ideas políticas (era miembro del proscrito Partido Aprista Peruano) por el gobierno de turno, compuso el patriótico Vals "Mi Perú". Ahora se ha convertido en el "Himno Peruano" que es cantado con mucha nostalgia por más de un millón de peruanos distribuidos en varios países del mundo.

Sus restos reposan en el Cuartel San David N° 21 del cementerio Baquíjano del Callao.

Composiciones  

"Mechita" la compuso para dedicársela a Mercedes Muñoz, una bella ancashina que conoció en La Punta, Callao, antes de viajar a Chile, "Nostalgia Chalaca “La compuso en 1940 y hay dos versiones sobre su creación. Según Collantes, Raygada se encontró, de manera casual, en la calle Ahumada con el "tiongo" Alva de su querida "tira" del Callao, quien le trae gratos recuerdos de los amigos del puerto y casi llorando de emoción, nació "Nostalgia Chalaca", pero según Niko Cisneros inspirada en Valparaíso, el puerto del sur, ante la vista de añejas fotos del antiguo muelle del Dársena. Contemplando aquellas fotos brotaron las lágrimas, la añoranza, la melodía y finalmente los versos... "Noche chalaca de luna majestuosa, / ausente y lejos te veo siempre hermosa. / Siento que se desgarra / de mi pecho el corazón, / al cantarte en mi guitarra / y al evocarte en mi canción..." no se la conocía en el Perú. Dicha polka estaba escondida en un bar, y no fue sino hasta la llegada de un equipo de fútbol peruano a Valparaíso, en que los jugadores notaron que había una canción en la Rocola. Intrigados por el nombre, la escucharon para ver de qué se trataba, y descubrieron a lo que hoy es el "Himno del Callao"Ellos indagaron donde podían encontrar al compositor, y al encontrar a Manuel "Chato" Raygada Ballesteros, descubrieron también que el ya tenía varias composiciones dedicadas al Perú, las cuales los trajeron al Perú donde las dieron a conocer.

"Mi Perú" la compuso en el año de 1946 en un arrebato por un cliente centroamericano que era cliente del club "Tabaris" en Santiago de Chile, donde paraba para hacer música peruana con su compadre chileno Alfonso Hinostroza, que era integrante de la orquesta del club aquel. Raygada se sumaba a la orquesta y empezaba a tocar valses peruanos conocidos que el público chileno bailaba entusiastamente. Un día reparó en que al empezar a entonar las primeras notas de un vals, uno de los concurrentes llamó al mozo, pagó su cuenta y abandonó el local con cara molesta.

Ese comportamiento siguió repitiéndose cada vez que Raygada empezaba a tocar un vals peruano. Raygada, amargo por la actitud que tomaba el señor aquel, le comentó a su compadre: "Este señor, ni es peruano ni es chileno... me dicen que es centroamericano, pero si a ti te gusta la música cholita, a mí, a los demás integrantes de la orquesta y a los que aquí llegan... no puedo permitir que ofenda los aires de mi Patria. Y como no lo dice manifiestamente, ni puedo hacerle cargos probables, pues ya veré lo que hago con él. Pero nadie desprecia al vals peruano estando yo presente". Esa noche, en su departamento, Raygada empezó a escribir los versos y rasgar con su guitarra las primeras notas de la canción que sería su venganza. Al salir los primeros rayos del sol, Raygada se quedó dormido de cansancio ya que no sólo había estado creando versos y notas musicales sino que su mente viajó por su Perú y su historia. Pero su canción ya estaba culminada.

Por la noche llegó al club "Tabaris" sonriendo como de costumbre, aunque esa noche su sonrisa resplandecía más en él. El centroamericano estaba allí en el club, señala Cisneros, añadiendo de que Raygada cogió el micrófono y dirigiéndose al público exclamó: "Mil perdones señoras y señores. El que habla no tiene el honor de pertenecer a esta orquesta del 'Tabaris', pero por mi acento ustedes habrán reparado de que soy peruano. Y como tal, y con permiso de mi compadre Hinostroza, esta noche voy a estrenar un vals peruano de mi inspiración, que anoche surgió en Santiago. Él está dedicado a ese señor que está allí, que sé que gusta de la música del sur"... y Raygada empezó a cantar "Tengo el orgullo de ser peruano y soy feliz / de haber nacido en esta hermosa tierra del sol..." El vals "Mi Perú" se había estrenado esa noche en el "Tabaris" y Raygada, llorando de emoción y rebozando peruanidad por todos los poros, agradecía los aplausos que no cesaban de elogiar su brillante inspiración, mientras que el centroamericano, mudo se quedó.

HECTOR FLORES OSUNA

QUE MATE LA BEBIDA, NADA VAS A LOGRAR si tú siempre me has dado un MAL PAGO ahora OLVIDATE DE MÍ que AUNQUE ME CUESTE MORIR, A PLAZOS, NO DISFRUTARAS, NO HABRA DIVORCIO mírate en el ESPEJO que ya no eres una SEÑORITA, SI FUERAS LIBRE y no fueras un AMOR GITANO dejarías de ser una CANALLA. 

Biografía obtenida:  http://prpop.org (Fundación Nacional para la Cultura Popular)

 Hector Flores Osuna

 Héctor Flores Osuna, nace el 25 de enero de 1923 en Caguas, Puerto Rico y fallece el 2 de julio de 2004 en su pueblo natal.

Con más de 500 canciones grabadas a través de toda América, Héctor Flores Osuna no sólo figura entre los compositores puertorriqueños más prolíficos, sino que también es uno de los más prestigiosos. Irónicamente, donde menos reconocimiento se le ha brindado es en su patria. Al punto de que, en no pocos países se cree que es mexicano.

Aunque es inmensa la cantidad de éxitos que se acreditó, en voces de los más famosos intérpretes, una sola de sus obras bastó para que su nombre quedara perpetuado en la historia del cancionero romántico latinoamericano: el bolero moruno “Mal pago”. Esta pieza fue estrenada por Ray Arroyo y Su Trío en el álbum “O...” (Ansonia, ALP-1264), editado en 1960. A pesar de que, en el interín, se editaron otras versiones discográficas, en realidad la que, por su impacto, la colocó en los escalafones de popularidad a nivel continental fue la aportada por el lareño José

Feliciano, quien la incluyó en su producción titulada “Sombra... una voz... una guitarra”), bajo el título de “Amor gitano”, en 1967. A partir de entonces, en muchas de sus posteriores grabaciones, este tema sería identificado de la manera en que lo rebautizó Feliciano.

Entre tantas otras, conocemos las versiones aportadas por: Alci Acosta, colombiano (Fuentes, 1964); las cubanas Blanca Rosa Gil (Velvet, 1966) y La Lupe (Tico, 1968); Trío Los Señoriales, boricua (TLS, 1978); los dominicanos Sobeyda (Gironé, 1984), Thony Medrano (Karen, 1989), Yolanda Duke (RMM, 1992) y Toño Rosario, la de éste último, en ritmo de merengue (WEA Latina, 1996); la mexicana Lucía Méndez (Sony Latin, 1998), etc. Ahhh... valga aclarar que el autor no protestó por el cambio de título que le hiciera el consagrado cantante y guitarrista ciego, como muestra de agradecimiento por las jugosas regalías que su grabación le granjeó.  

Hijo menor de los cinco procreados por el matrimonio formado por Ignacio «Nené» Flores Cardona y María Osuna Rodríguez, este autor creció en un ambiente musical. Contaba ocho años de edad cuando su padre – quien fuera destacado concertista de la guitarra – lo inició en el aprendizaje de este instrumento. Sin embargo, aunque ya sentía el deseo de convertirse en músico, el carácter endemoniado de su progenitor le quitó interés en seguir tomando clases... con él. A don Ignacio se le recordaría por sus furibundos “ataques temperamentales” y por ser un maestro excesivamente estricto. En lo sucesivo, prefirió continuar su adiestramiento de manera autodidáctica mientras se aficionaba al canto. En 1940 – contando entonces 17 – se presentó en el programa-concurso de aficionados “Tribuna del arte”, producido y animado por don Rafael Quiñones Vidal en la emisora WNEL. Tanto impresionó con su interpretación del bolero “Vagabundo”, de Arturo Somohano, que pronto fue reclamado para participar en otras audiciones radiales y actuar junto a diversos conjuntos.

Al inaugurarse la Escuela Libre de Música de Caguas en 1947 – año en que también se establecieron las de San Juan, Ponce y Mayagüez –, de inmediato se matriculó, ansioso por pulir su técnica como ejecutante y aprender los secretos del Solfeo. Para su mala suerte, un padecimiento en la visión que le impedía leer el pentagrama con claridad frustró ese anhelo. Entonces decidió dedicarse por completo a la canción popular y marchó a Nueva York determinado a abrirse camino en el entonces agitado y glamoroso ambiente artístico hispano que se desarrollaba en aquella metrópoli.

Luego de desempeñar los oficios típicos de los inmigrantes, en 1950 emprendió formalmente su trayectoria profesional fundando el trío Los Cancioneros del Alba, nombre con que rendía honor a su primera hija. Aquel mismo año se estrenó como compositor con el bolero “Alma perdida”. Este fue grabado poco después por Ray Arroyo y Su Trío bajo la etiqueta América. Su inspiración no se detendría: tan sólo frente a su grupo grabó más de 25 obras suyas.

Lista parcial de los intérpretes de sus composiciones:

• Panchito Riset: “Allí” y “Que me mate la bebida” (Ansonia, 1955).
• Raúl Shaw Moreno: “Allí” (Musart, 1957).
• Carlos Pizarro: “Ella y yo”, “Nada vas a lograr” (Verne, 1958), etc.
• Cheíto González con Los Tres Reyes: “Espejo” (RCA Victor, 1958).
• Ray Arroyo y Su Trío (Ansonia): “Sin amor” y “Telegrama” (1959); “Señorita” (1961),
• Blanca Iris Villafañe: “Si fueras libre” (Ansonia, 1959); “No habrá divorcio” (Ansonia,      

  1961); “Aunque me cueste morir”, “Canalla”, “Olvídate de mí”, etc. (Ansonia, 1962).
• Roberto Ledesma: “A plazos” (Gema, 1965).
• Felipe Rodríguez: “Lámpara” (Spanoramic, 1966).
• Vicentico Valdés: “No disfrutarás” y “Por qué creo en Dios” (United Artists Latino,

   1967).
• Los Tres Grandes: “He regresado” (Grand, 1978).
• Kim De los Santos: “No disfrutarás” (JOY, 1980) y “Ladrón de corazones”
• Paquito Guzmán: “Te lo prohíbo” (TH/LAD, 1981).
• Ismael Miranda: “Ladrón de corazones” (Fania, 1993).
• Julín Reyes y su Trío Los Caciques: “Busco un amor” y “Todavía puedo” (Tudor,

  1995).
• Vitín Fonseca y su Trío Los Diamantinos: “El espejo” (VF, 2001).

Autor:

Miguel López Ortiz para la Fundación Nacional para la Cultura Popular

Cita Esta Biografía:

Fundación Nacional para la Cultura Popular | San Juan, Puerto Rico: Héctor Flores Osuna. Publicado el 26 de junio de 2014. Accesado el 13 de mayo de 2016.https://prpop.org/biografias/hector-flores-osuna/

ROBERTO CARLOS BRAGA

A DONDE VAN LOS AMIGOS te pregunto A TI MUJER, A VECES PIENSO, A DONDE ANDANRA LA PALOMA o el AUIGLA DORADA que ANTIGUAMENTE surcaba AQUELLA CASA HUMILDE, AQUELLAS TARDE DEL DOMINGO en que tú y yo soñábamos con AVENTURAS de CABALGATAS sin final.  

Esta CAMA Y MESA es como UN CONCAVO Y CONVEXO lleno de CONTRADICCIONES y CHIQUILLADAS. ¿SERA DE TANTO AMOR?  ¿QUE SERA DE TI? ¿Seguiremos siendo DOS AMANTES?

DESDE EL FONDO DE MI CORAZON te digo que CUANDO HOY TE VI PASAR solamente quería decirte ABRAZATE A MI que estas son COSAS DEL CORAZON pero nuestro AMOR ES PERFECTO y un AMOR SIN LIMITES.

Roberto Carlos Braga

Roberto Carlos Braga nace el 19 de abril de 1941 en Cachoeiro de Itapemirim, en el estado de Espírito Santo.

Hijo de un modesto relojero y una costurera.

Católico ferviente. Marcado por un accidente ferroviario en su infancia en el que perdió la pierna derecha. Cuando tenía seis años, en las fiestas del patrón de su pueblo fue atropellado por una locomotora de vapor. Tuvieron que amputarle la pierna derecha por debajo de la rodilla y desde entonces utiliza una prótesis.

Trabajó de funcionario en el Ministerio de Hacienda, antes de triunfar como cantante. En 1957 formó el grupo "Os Sputniks" junto a Tim Maia y Erasmo Carlos y participaron en el programa Clube do Rock.

Fue descubierto en 1958 por el compositor y periodista Carlos Imperial. Su primera grabación como solista fue en 1959 para Polydor, "Fora do Tom" y "João e Maria". El disco resultó un fracaso. Firmó con Columbia y en 1960 nuevamente con composiciones de Carlos Imperial aparece "Canção do Amor Nenhum" y "Brotinho Sem Juízo". En 1961 grabó su primer LP, "Louco Por Voce". Un año después lanzó "Malena", de Rossini Pinto, y "Fim de Amor".  

Su inconfundible voz trascendió las fronteras nacionales y es el artista brasileño que más discos ha vendido en el mundo, con más de 120 millones de copias. En 1963 salió "Splish Splash" y en 1964 ganó gran fama conduciendo junto a Erasmo y Wanderléa el programa televisivo "Jovem Guarda", título también de un LP que grabó en 1965. Obtuvo varios éxitos durante los sesenta: "O Calhambeque", "Eu Estou Apaixonado por Voce", "Um Leão Está Solto Nas Ruas", "História de Um Homem Mau", "É Proibido Fumar", "Maria, Carnaval e Cinzas", "Eu Sou Terrível", "De Que Vale Tudo Isso", "Namoradinha de um Amico Meu" y "Nossa Cançao".

Fue invitado al Festival de San Remo 1968, donde compartió "Canzone per Te" con Sergio Endrigo (autor de la canción) obteniendo el primer puesto. Durante 50 años de vida musical de "O Rei", fue considerado como el más popular de los artistas brasileños.

Con 25 años mantuvo relaciones con María Lucila Torres, con la que tuvo a su primer hijo, Rafael, que no reconoció por entonces. En 1991 una demanda le obligó a darle su apellido, Braga. Poco después, María moría de cáncer. Se casó en 1968 con Cleonice Rossi Martinelli, a la que conoció siendo asistente social, ella ya tenía una hija; en el matrimonio tuvieron otros dos, Roberto y Luciana. Tras 12 años de convivencia se separaron. Cleonice falleció de una enfermedad cancerígena. Después estuvo casado con la actriz Miriam Ríos, desde 1980 hasta 1989. En 1996, contrajo matrimonio con la pedagoga María Rita Simöes, que también falleció de cáncer en 1999. Reapareció en noviembre de 2000, en el estadio Geraldão de Recife, con el espectáculo "Amor Sem Fim", dedicado a la memoria de su esposa.  

En 2010 recibió el premio de Sony Music en Nueva York por sus 100 millones de discos vendidos.

Albums

1988 Roberto Carlos en Espanol

1989 Sonrie

1989 Roberto Carlos '85

1989 Roberto Carlos '86

1989 Roberto Carlos '89

1990 En Portugues

1990 En Portugues '87

1990 Roberto Carlos '88

1990 From Brazil with Love

1990 Pajaro Herido

1990 Un Gato en la Obscur

1991 En Portugues '88

1991 En Espanol

1991 Super Heroe

1991 Concavo Y Convexo

1991 La Guerra De Los Ninos

1991 Fe

1993 Mujer Pequena

1994 Brazil

1994 Voce E Minha

1996 Roberto Carlos '86

1996 1993 Sony Brazil

1996 Alem Do Horizonte

1996 Amigo

1996 Amiga

1996 Amazonia

1996 Ao Vivo

1996 Apocalipse

1996 As Baleias

1998 Meu Menino Jesus

1999 - Mensagens

1999 Grandes Sucessos

1999 30 Grandes Canciones

2000 Amor Sem Límite

2001 Acústico

2002 Seres Humanos

2004 Pra Sempre Ao Vivo No Pacaembu

2005 Roberto Carlos ("Promessa")

2006 Duetos

2008 Roberto Carlos en vivo

2009 Elas Cantam Roberto Carlos

2010 Emoções Sertanejas

2012 Roberto Carlos Em Jerusalém

2012 Esse Cara Sou Eu

2013 Reflexoes

2014 40 Anhos Juntos

2015 Primera Fila (Abbey Road) & Detalhes

CONCHA VALDES MIRANDA

COMO ES POSIBLE que tú no conozcas MI PRINCIPIO Y FINAL, TU TE LO PIERDES creo que estas siento ABURRIDA, tú no sabes lo que son LAS COSAS BUENAS DE LA VIDA. 

ESO QUE DICES DE MI no está EN EL LIBRO DE MI VIDA así que HOY ES VIERNES y VOY A QUITARME EL LUTO, para irme en EL VIAJE aunque sea a LA MITAD del mundo para buscarte y HACERTE EL AMOR, a llevarte a un ORGASMO y que me grites TAPAME CONTIGO y HAZMELO OTRA VEZ solo así es que va comprender que yo soy; EL QUE MAS TE HA QUERIDO.

Biografía  obtenida de https://en.wikipedia.org/wiki/Concha_Valdes_Miranda

Concha Valdés Miranda

Concha Valdés Miranda La Habana, 16 de julio de 1928  una compositora e intérprete de música cubana. Está considerada como la compositora más atrevida del bolero contemporáneo. Su mayor éxito es «El que más te ha querido» en la voz de Dyango. Fue nominado para el Grammy y primer lugar en los Estados Unidos. Además, es la autora de numerosas canciones que fueron populares en las voces de intérpretes como Toña la Negra, Celia Cruz, Lucía Méndez, Blanca Rosa Gil, Olga Guillot, Imelda Miller, Sandro, Tito Rodríguez, Felipe Pírela, Los Panchos, Gilberto San Rosa, Santos Colón, Alberto Vázquez, María Marta Serra Lima, Sophy, Floria Márquez, Elena Burke, Ismael Miranda,, Tito Nieves, Tito Puente, John Secada, Sergio Vargas, José Alberto El Canario, Johnny Ventura, Cheo Feliciano, Lucho Gatica, Moncho y Dyango.

Muchas de sus composiciones han sido utilizadas como temas en el cine español y mexicano.

El 23 de abril de 2013, se inauguró en Miami el Pabellón de la Fama de los Compositores Latinos, presidido por los músicos y productores Rusy Pérez y Desmond Child, donde se nominaron 22 compositores de habla hispana.

 

Las premiaciones fueron:

Por Puerto Rico: Jóse Feliciano

Por México: Armando Manzanero

Por España: Manuel Alejando y Julio Iglesia

Por Cuba: Concha Valdés Miranda                   

Allí recibieron el trofeo La Musa ―en memoria de la compositora Elena Casals.

En la gala, muchos intérpretes homenajearon la trayectoria artística de Concha Valdés Miranda, cantando algunas de sus canciones más exitosas. El cantante y presidente del evento, Rudy Pérez, interpretó el tema «El que más te ha querido», después le sucedió María Marta Serra Lima, interpretando «El viaje», otro de sus grandes éxitos internacionales.

Al final de la ceremonia, Concha Valdés Miranda expresó que agradecía orgullosamente este premio como compositora latina, pero sobre todo, como compositora cubana y compositora mujer (la única entre los 22 hombres nominados), y elogió la labor de estos dos compositores, Rudy Pérez y Desmond Child, que crearon esta importante premiación para el mundo latino.     

Canciones

El que más te ha querido 

El viaje 

La mitad 

Como es posible

Házmelo otra vez

Tápame contigo

Orgasmo

Un poco de ti

Haz lo que tú quieras

Lo puro

Mi principio y mi final

Ven a vivir conmigo

Tú te lo pierdes

Aburrida

En el medio de la vida

Como antes

Las cosas buenas de la vida

Un poco de ti

Hoy es viernes

Dos milagros

Eso que dices de mí

Voy a quitarme el luto 

Déjame ser

Voy a ver si me acuerdo

En el libro de mi vida

Sangre de bolero