RUBEN BLADES

TRAS LA TORMENTA y MIENTRAS DUERME LA CIUDAD surge EL NACIMIENTO DE RAMIRO es EL PADRE ANTONIO Y SU MONAGUILLO ANDRES  los encargados de anunciar que NACIO MI NIÑO y deben  evitar que JUAN PACHANGA y JUANITO ALIMAÑA lo saquen de sus aposentos a tan temprana edad para mostrarle la MAESTRA VIDA.

Hay que enseñarle que la vida no es PLASTICO y qué para tomar DECISIONES es mejor encomendarse a MARIA LIONZA hablar con LIGIA ELENA o con MARIA TERESA Y DANILO para entender que BUSCANDO GUAYABA no se encuentra el AMOR Y CONTROL  que se necesita PARA SER RUMBERO.

Biografía obtenida de: Música.com

Rubén Blades Bellido de Luna

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Rubén Blades Bellido de Luna nace en el barrio de San Felipe de la ciudad de Panamáel 16 de julio de 1948; en el seno de una familia donde el arte siempre ocupó un lugar privilegiado. Sus padres fueron el colombiano Rubén Blades Bosques nacido en Santa Marta y la cubana Anoland Bellido de Luna. Desde pequeño, Blades estuvo en contacto directo con la música ya que su madre tocaba piano y cantaba y, su padre era percusionista. La música de la radio tenía una constante presencia en el hogar de los Blades quien se nutrió de variados estilos musicales. Su abuela paterna Emma Blades Bosques era espiritualista, rosacruz, pintora, poeta y feminista; ella le enseñó a leer y a estar en contacto con diversas formas de pensamiento.  “Mi abuela Emma me inculcó el sentido de la justicia donde todos podemos formar parte de la solución, desde esa perspectiva he desarrollado mi vida y es la base que me ayuda a seguir adelante”.  Su abuelo paterno hablaba el inglés ya que era proveniente de la isla de Santa Lucía, un país ubicado en el mar Caribe, antigua colonia británica. Sus abuelos maternos descienden de españoles.

A los 15 años de edad fue impactado por los sucesos ocurridos en su país natal en enero de 1964, donde fueron muertos y heridos estudiantes y civiles por parte soldados estadounidenses y policías que resguardaban el canal de Panamá. Los manifestantes reclamaban que la bandera panameña fuera izada junto a la estadounidense en una escuela de la zona del canal. Este hecho marcó fuertemente al joven Blades quien declaró: “Hasta 1964 yo había sido totalmente proyanqui, en música, en gustos, en todo. Pero estos sucesos me hicieron abrir los ojos y muchos como yo, empezamos a hacernos preguntas de índole sociopolítica".
Inicios como cantante

El año 1969 marca su debut como cantante y compositor cuando publica el disco de larga duración De Panamá a New York/From Panama to New York, con Pete Rodríguez, disco que, sin embargo, Blades no incluye en su discografía. Un año antes Rubén Blades había participado en un disco con el grupo panameño Los Salvajes del Ritmo, donde el timbre de su voz se asemejaba a la del cantante José Cheo Feliciano.

Posteriormente culminó sus estudios de Derecho en Panamá y por problemas políticos se trasladó a Miami y posteriormente a Nueva York, buscando la oportunidad de introducirse en el ambiente musical. Allí buscó trabajo en la compañía discográfica Fania quien lo contrató en el servicio de correos de la empresa; lo que le permitió entrar en contacto y conocer a las figuras más importantes del sello disquero. En esa época Richie Ray y Bobby Cruz, Ismael Miranda, Roberto Roena y Bobby Rodríguez cantaron temas de su autoría.3

Su oportunidad se presenta cuando Ray Barreto, buscando un sustituto para ocupar el puesto dejado por el vocalista de su orquesta, le hace una audición y lo contrata. Con esta banda participó en los discos "Barreto" 1975 y "Tomorrow Barreto Live" 1976. También grabó dos temas de su autoría; "El cazangero" en 1975 junto a Willie Colon y "Juan Pachanga" en 1977 con la Fania All Stars e hizo los coros de muchas producciones discográficas del sello Fania. 

En 1977 se asoció con el trombonista y productor musical neoyorquino de origen boricua: Willie Colón logrando gran éxito de ventas y el reconocimiento masivo del público. El primer disco lanzado se convirtió en un clásico de la salsa: Metiendo Mano! 1977. El disco fue recibido con muy buenas opiniones por parte de la crítica especializada quien estaba a la expectativa por conocer al nuevo cantante de la orquesta de Willie Colon, luego de que Héctor Lavoe decidiera emprender su carrera en solitario. Colon logró mezclar el sonido callejero de los coros, con arreglos musicales de alta factura; en tanto Rubén Blades aportó una voz fresca a la salsa utilizándola como medio para introducir contenidos con narrativa social que reflejaban las vicisitudes y encrucijadas de los emigrantes hispanos en la “Gran Manzana”.4

De dicho álbum salieron los éxitos "Pablo Pueblo", "Plantación adentro" y "Lluvia de tu cielo". Mención especial para "Me recordaras" un tema de Frank Domínguez con Yomo Toro a la guitarra que se convirtió en un bolero de gran éxito.

Un año más tarde Rubén Blades, compone el álbum "Siembra" 1978 uno de los discos más vendidos del género Salsa de todos los tiempos y considerado una obra maestra en su composición musical y contenido lírico. El álbum estableció nuevos paradigmas en el campo artístico y comercial y, poéticamente dirigió un mensaje de orgullo cultural, justicia social y liberación política a los latinos que vivían en el Continente americano en una época de discriminación y opresión política.5

El álbum incluyó los temas: "Pedro Navaja" una crónica social de antihéroes de la ciudad de New York: El malandro, la prostituta y el borracho que recrean la realidad violenta de las noches de cualquier ciudad del mundo. El tema de más de 7 minutos de duración, es una narración llena de misterio y suspenso entre personajes de la noche, que va in crescendo, a la par del aumento de la cadencia y la intensidad de la interpretación, todo lo cual se aleja de los paradigmas de la salsa realizados para bailar sobre la base de líricas fáciles y repetitivas. El tema ha dado pie a obras de teatro, óperas-salsas y miles de páginas de comentarios y análisis semiótico-literarios.6 "Plástico" un tema que critica muchos de los valores del materialismo, la frivolidad y la pobreza espiritual de quienes detentan la riqueza en los países más desarrollados.7 que termina rindiendo tributo a: “gente de carne y hueso que no se vendió, orgullosa de su herencia y de ser latino”. "Buscando guayaba" un son montuno muy pegadizo. Además aparece el lado romántico con el tema "Dime" y un tema popular religioso denominado María Lionza una diosa del folklore venerada en Venezuela, donde destacan los arreglos de Willie Colon, a través de unas vocalizaciones que evocan los rituales afro-indígenas y que en última instancia reflejan el mestizaje cultural y racial Latinoamericano. "Siembra" es el epílogo resonante del álbum en lo musical, poético y filosófico. El mensaje es claro: cosecharás de acuerdo a la semilla que sembraste. Para el arreglo de lo que se convertiría el tema título del LP, Colón contactó al argentino Carlos Franzetti, quien preparó los arreglos del tema para cuatro trombones y una sección rítmica, al que luego agregarían una sección de cuerdas: "Olvídate de lo plástico, que eso nunca deja na’. Siembra y con fe en el mañana, nunca te arrepentirás". Por su importancia para la música e identidad latina contemporánea, "Siembra" permanece como un testamento a la consonancia de los principios artísticos, el orgullo cultural y el éxito comercial.5

En 1980 Rubén Blades edita su tercer disco de estudio con Willie Colón titulado: "Maestra Vida" un álbum doble, a través del cual Rubén retrató las vivencias de una familia latinoamericana (una especie de “radio-novela” cantada), en un proyecto tan innovador como arriesgado, cuyo resultado final fue apreciado por la crítica, gracias a los arreglos orquestales y al talento y creatividad de la gente involucrada en el proyecto; entre ellos el locutor y escritor venezolano Cesar Miguel Rondón quien participó como el narrador en off de la historia. “Maestra Vida” va más allá del estilo de música fuerte y predecible de baile para adentrarse a un nivel de arte y cultural más reflexivo”.8

De ese disco doble destacaron las canciones "Manuela", "El nacimiento de Ramiro" y "Maestra vida". Este álbum narra la historia del sastre Carmelo, su amor por Manuela, su noviazgo, matrimonio, el nacimiento de su hijo Ramiro y los malos tiempos: la vejez el velorio, el entierro y en definitiva la muerte: “Maestra vida camará, te da te quita, te quita y te da”.

Con el álbum "Canciones del solar de los aburridos" publicado en 1981, Rubén Blades completa un ciclo de cuatro álbumes, en el que se posiciona como el referente principal de lo que muchos llamaron la "salsa consciente o intelectual". Este álbum nominado a los premios Grammy, contiene el tema "Tiburón" referida a la hegemonía de EEUU en América Latina que causó la oposición de comunidades cubanas radicadas en Miami. Además contiene los éxitos "Ligia Elena": una pegadiza canción que relata la historia de: la cándida niña de la sociedad que se enamora de un trompetista negro de la vecindad; "Madame Kalalú" un jocoso relato de una falsa espiritista que despoja a sus cliente de su dinero y posesiones y, "Te están buscando": la historia del barrio de todos los días, donde un apostador que tiene deudas no saldadas con la mafia, lo están persiguiendo. Mención especial para: “Y deja” de los cubanos Gerardo Piloto y Alberto Vera, que constituye una canción de amor a ritmo de samba y el tema: ¿De qué? que posee una reminiscencia del ritmo del joropo venezolano; país donde Colón y Blades adquirieron el status de mega estrellas en ese momento.9

"The Last Fight" 1982 constituye el quinto álbum de estudio del artista donde se evidencia cierto agotamiento del dúo Blades-Colón; sin embargo, aparecen dos temas destacados: "Yo puedo vivir del amor" y "What happened" un tema de Blades que había sido grabado por Bobby Rodríguez en su álbum de 1976 "Salsa At Woodstock Recorded Live". Este álbum marca el fin de la asociación con la orquesta de Willie Colón y generó una película homónima de bajo presupuesto donde Blades hace su debut como actor.10

Aún quedaban pendientes cuatro álbumes para el sello discográfico "Fania" pero Rubén Blades estaba decidido a continuar su carrera con banda propia y otro sello discográfico. Por lo que tuvo que realizar estos trabajos por puro compromiso contractual y cuyos logros artísticos fueron moderados: “El que la hace la paga” 1983, “Mucho mejor” 1984, "With strings" 1987 y “Doble filo” 1987 en los cuales se apeló principalmente al clásico sonido de trombones de la orquesta de Willie Colón. En estos álbumes Blades aporta algunas canciones nuevas de su autoría, versiona algunos éxitos anteriores y canta temas de otros compositores; de este grupo de discos destacan los temas: “Lo Pasado No Perdona”, “Ganas”, “Noé” y “Amor pa’ que”. Mención especial para la canción “El cantante” versionado en el álbum “Doble filo” publicado en 1987; que Rubén había cedido a Héctor Lavoe en 1978 en una época donde el boricua estaba atravesando un bajón de ventas y necesitaba un impulso en su carrera. Rubén tenía ese tema reservado para cantarlo como cierre de sus conciertos pero ha opinado que no se arrepiente de su decisión y considera que Héctor Lavoe fue el artista más apropiado para interpretar y hacer exitosa esa canción.11
Carrera como solista
Segunda etapa (1983-1988)

En 1983 Rubén Blades, inconforme con el trato recibido por Fania records, emprende su camino como solista bajo el sello Elektra Records. Blades apostó por un sexteto denominado Los Seis del Solar, conformado por: piano y sintetizador, bajo, sección rítmica y vibráfono. Blades decidió eliminar los trombones para apartarse del sonido de la banda de Willie Colón. Además, el hecho de tener pocos músicos contratados, le permitió desplazarse fácilmente para los conciertos y pagarles salarios altos a sus músicos, de manera que se mantuvieran motivados.3

“Buscando América” 1984, es el primer álbum de su segunda etapa creativa que fue un éxito de ventas y crítica; con temas muy promocionados como: "Decisiones", "Buscando América", "El Padre Antonio y su monaguillo Andrés" y “Desapariciones” un tema versionado, entre otros, por el grupo Los Fabulosos Cadillacs, de Argentina y Maná, de México. Este álbum fue nominado a los premios Grammy como mejor trabajo tropical latino.

Al año siguiente publicó "Escenas" 1985 un álbum mucho más maduro y con un sonido algo más elaborado donde destacan los temas: Sorpresas, una canción que es la segunda parte de Pedro Navaja donde se demuestra que éste no murió, “Caina”, “Muévete” y “Cuentas del alma” que fue el single promocional. Este álbum fue galardonado con un premio Grammy.

En 1987 publicó con el álbum “Agua de luna” uno de los discos más interesantes y menos conocidos de este cantante, donde varias canciones fueron inspiradas en textos de Gabriel García Márquez, cuyo single promocional fue: “Ojos de perro azul”.

Radicado en California, Blades adquirió cierta relevancia como actor de cine, participando en varias películas. Por esta época, publicó un disco en inglés: “Nothing but the truth” (1988), producido por Tommy LiPuma y con la colaboración de Lou Reed, Elvis Costello y Sting. En este trabajo Rubén Blades abandonó el género de la salsa y se adentró en el pop rock, conservando la esencia latina en temas como: "The Miranda Syndrome" y "Chameleons"; manteniendo una temática atractiva y en sintonía con su tiempo. Este álbum fue publicado por el sello Sony-Columbia.12

En 1990 publica su primer álbum en vivo: “Live!” donde recrea temas de su etapa como solista con la banda “Seis del Solar” durante su estancia en el sello Elektra además del clásico “Pedro Navaja”.Este fue su último trabajo para Elektra Records.
Tercera etapa creativa (1988-1995)

Después de una exploración musical donde se alejó de la corriente principal de la salsa que duraría casi diez años y que comenzó con en 1984 con “Buscando América”, Rubén Blades estrena la banda denominada: "Son del solar" que incorpora la sección de vientos y retorna las raíces de la salsa latina, con una orquesta completa que recordó su exitosa asociación con Willie Colón. Con esta conformación, edita una trilogía de discos donde su labor como compositor queda nuevamente plasmada en canciones que se convirtieron en éxitos, con temas vitales que oscilan entre: la crónica urbana, el retrato social y la reminiscencia hacia sus orígenes panameños manteniendo su nivel artístico y su vigencia como cantante.

Los álbumes de ésta etapa fueron: “Antecedente” 1988 cuyos singles fueron: "Juana Mayo", "Tas caliente" y donde entregó canciones como “Plaza Herrera” y “Patria”. Con este álbum consiguió su segundo Grammy. “Caminando” 1991 cuyos temas promocionales fueron: "Caminando", "Prohibido olvidar" y "Camaleón". El tercer álbum de este ciclo fue: “Amor y control” 1992 un álbum ambicioso que ofrece una diversidad estilística que muchos de sus seguidores no entendieron y que anuncia las fusiones que experimentó posteriormente.

En 1995 se produce el tan esperado regreso de Rubén y Willie quienes se juntan nuevamente en el disco: “Tras la tormenta”. Se trata de un trabajo de diez temas, donde alternan en solitario siete y cantan los otros tres a dúo destacando: “Doña Lele”, “Dale paso” y Tras la tormenta”.
Cuarta etapa creativa (1996-2004)

El disco "La rosa de los vientos" 1996, abre una trilogía de álbumes caracterizados por una apertura a distintas formas rítmicas y paisajes sonoros que muchos de sus seguidores, puristas de la salsa, pudieron no entender. En este trabajo experimental, Blades se apoya en un grupo de músicos panameños quienes aportan su talento y aportan catorce de los dieciséis temas del álbum (apenas dos canciones son compuestas por Rubén Blades). Conceptualmente ecléctico por la variedad de ritmos: cumbias, rumba fusión, algo de funk y baladas, llegó decirse que: “si este es el rumbo que tomará Blades en su carrera artística es probable que jamás encuentre su camino de retorno a casa”, para referirse al abandono de sus raíces salseras.13

De este álbum destacan los temas: “La rosa de los vientos”, “Vino añejo”, “Amor mudo” y “Eres mi canción” estos dos últimos a ritmo de Pindin (Música Autóctona Panameña) que se asemeja al vallenato colombiano. Por este trabajo recibe un premio Grammy, como mejor artista latino.

Luego de tres años de receso publicó el álbum "Tiempos" 1999 con un sonido completamente experimental y grabado por músicos jóvenes costarricenses, pertenecientes a Editus Ensamble los cuales eran ajenos al mundo de la salsa. Las canciones destacadas de este álbum fueron: “Tu y mi ciudad”, una lograda canción de desamor, “20 Diciembre”, “Vida”, “Puente del mundo” y “Sicarios” una crónica contada desde el punto de vista de quienes son contratados para matar a personas por dinero. Este álbum le da su cuarto premio Grammy.14

En 2002 se completa su trilogía experimental con el álbum "Mundo", donde se fusiona ritmos e instrumentos de Europa, África y América, tratando demostrar que el origen del hombre es uno solo y que todos estamos interrelacionados. Además renueva un llamado a la integración de los pueblos. Los temas más destacados fueron: "Primigenio", “Estampa”, "Parao" y “Jiri Son Bali" una canción con un fuerte acento africano. Este disco fue producido con el Ensamble costarricense Editus y fue premiado con un premio Grammy.15

Ese mismo año participa en un concierto patrocinado por una entidad bancaria de Puerto Rico junto a Draco Rosa y Juan Luis Guerra que se editó en Dvd y Cd denominado: Encuentro 2002, donde cada cantante interpreta sus éxitos y, al final unen sus voces en dos canciones: "Patria" y "Que bonita luna".
Siguientes trabajos (2004-2014)

En el año 2004 participó en el disco Across 110th Street, de la Spanish Harlem Orchestra, liderizada por Óscar Hernández, antiguo pianista de “Seis del Solar”, destacando su participación en el tema “Tu te lo pierdes” que posteriormente re-editaría en su álbum de 2009 con el nombre: “El tartamudo”.

En 2007, Rubén comenzó una etapa interactiva, mostrándose más cerca de la gente en un programa vía Podcast llamado El Show de Rubén Blades SDRB, realizado desde Panamá, en el que hace comentarios sobre nuevas bandas y diversos temas; respondiendo además preguntas formuladas por sus seguidores.

En 2009 publicó el álbum: “Cantares del Subdesarrollo” que se grabó en el 2003, pero no fue lanzado al mercado hasta que retomó su carrera artística, tras cinco años en el servicio público frente a la cartera de turismo de su país natal, Panamá. Este trabajo ganó el premio Grammy en la categoría de Mejor Álbum Cantautor del año. Con esta producción, Blades se lanzó como músico independiente, vendiendo el disco directamente desde su página web. “Este trabajo lo hice en el garaje de mi casa y toqué casi todos los instrumentos, donde traduzco la simpleza y el poder de nuestra música popular. Esta producción es tan básica como lo es la vida en nuestros barrios populares: honestidad, valor y esperanza, aún frente a la dificultad o a la mayor decepción”.16

En 2011 publicó el disco: “Todos vuelven” un doble álbum en vivo que también se editó en DVD donde Blades recorre sus más connotados éxitos. Con esta presentaciones en vivo, Blades retoma su carrera artística y realiza una extensa gira por más de 30 ciudades, siendo visto por más de un millón de personas.17 El concierto fue grabado en el coliseo de Puerto Rico junto con los músicos de los seis del solar y una sección de trombones; además, cuenta con la participación especial de Cheo Feliciano en el tema "Juan Pachanga". Este álbum ganó el premio Grammy en la categoría de Mejor Álbum de Salsa.18 y fue nominado al «mejor video musical, versión larga». Estuvo liderando los ranking de ventas en Estados Unidos, Puerto Rico y Latinoamérica.

En 2012 Rubén Blades publicó a dúo con Cheo Feliciano el álbum "Eba Say Ajá" tras siete años de trabajo en diferentes estudios de grabación.Blades interpreta un tema inédito de Feliciano: “De aquí pa’ lla”, por su parte, Cheo interpretó el tema inédito de Rubén titulado "Inodoro Pérez", mientras que ambos unieron sus voces en "Si te dicen" y "Lo bueno ya viene", primer sencillo de esta producción, que ya ha tenido más de 60.000 descargas digitales y se ha posicionando en los primeros lugares de la radio.19

En 2014 sale al mercado el disco “Tangos” donde Ruben Blades versiona once de sus canciones grabadas en formato de salsa en clave de tango y milonga. Los arreglos y dirección corren por cuenta Carlos Franzetti un colaborador asiduo del sello Fania y la orquesta es dirigida por el bandoneonista Leopoldo Federico. El lanzamiento inicial de este trabajo se produjo en Argentina. Según declaraciones del cantante la idea de hacer este disco fue: explorar que nuevas sensaciones producían en los oyentes sus letras bajo el argumento del tango: “Siempre consideré que la atmósfera que plantea el tango, la manera en la que hay que frasear las canciones y su instrumentación, iban a dar a las letras de mis canciones una dimensión mucho más completa de la que obtenía presentándolas en el formato de música afrocubana” 20

Blades ha expresado su interés nuevamente en la política panameña, expresando su interés como posible candidato presidencial en Panamá para el 2019; también ha anunciado que pondrá fin en 2016 a las giras musicales internacionales para perseguir estas aspiraciones políticas.21 22

JUAN ANTONIO CORRETJER

El día que llegue para mí el ULTIMO TREN, después de haber disfrutado de una VIDA EN LA PIEDRA, junto a la PARED DE LA SOLEDAD me encontrarán en LA HAMACA leyendo el POEMA DE MIS INSTINTO Y DE MI VERSO. Me sentiré como un QUIJOTE que va sin RUMBO  o tal vez como MARINERO EN TIERRA fuera de mi MAR CARIBE.  

Ese día recordaré QUE EN LA VIDA TOD ES IR, que nada  importa siempre que me encuentre un BORICUA EN LA LUNA declamando los versos de OUBAO-MOIN, esto seguirá siendo mi MADRIGAL

Biografía obtenida de la: Fundación Nacional para la Cultura, Puerto Rico

Juan antogio Corretjer Montes

A Juan Antonio Corretjer Montes nace en Ciales, Puerto Rico el 3 de marzo de 1908 hijo de Don Diego Corretjer Hernández y Doña María Brígida Montes González  y falleceel 19 de enero de 1985 en San Juan, Puerto Rico. No sólo se le venera como nuestro Poeta Nacional, sino también como uno de los más fervorosos defensores del puertorriqueñismo e incansable combatiente por el ideal que abrigó desde niño: la independencia para Puerto Rico. A esta militancia se entregó recién entró a la adolescencia, inspirado por la influencia de sus progenitores, de su abuelo materno Juan Montes Núñez y de su tío Ramón Montes González.

Este literato boricua era hijo del matrimonio que formaron don Diego Corretjer Hernández y doña María Brígida Montes González. Cursos sus grados académicos regulares en las escuelas públicas de su pueblo y, a la edad de 16 años, colaboró activamente en la fundación de la Sociedad José Gautier Benítez encaminada a adelantar la causa separatista. Para entonces ya se había estrenado como poeta. Tenía 12 años cuando escribió su primer poema, que tituló “Canto a Ciales”.

Luego de terminar sus estudios secundarios se trasladó a San Juan donde se vinculó al movimiento noísta, de orientación vanguardista. En 1927 emprendió su carrera periodística como redactor y reportero del diario La Democracia. Su vinculación a este rotativo se prolongó un lustro, al cabo del cual se radicó en Ponce. En esta ciudad publicó sus dos primeros poemarios: “Agüeybaná” (1932) y “Ulises” (1933). Durante aquellas fechas ingresó al Partido Nacionalista, llegando a ser delegado de dicha colectividad política en el extranjero. Su fervoroso activismo le costó prisión en varias ocasiones, habiendo cumplido condenas en la cárcel de San Juan y en la Penitenciaría Federal de Atlanta, Georgia.

Mientras cumplía su primera sentencia en Puerto Rico pudo publicar otros dos libros de versos: “Amor de Puerto Rico” y “Canto de guerra”, ambos en 1937. Al recobrar la libertad marchó a Nueva York, donde retomó su actividad periodística. Allá fundó el periódico Pueblos Hispanos, que dirigió durante el período 1943-1945. Seguidamente, viajó a Cuba, donde conoció a quien sería su esposa y compañera por el resto de sus días, Consuelo Lee Tapia.

Además de haber sido una de las plumas más brillantes que ha surgido en nuestro País, a Juan Antonio Corretjer se le atribuye haber fundado y dirigido más de una docena de periódicos – casi todos semanarios – y revistas, además del antes mencionado. Por ejemplo, estuvo al frente de los rotativos ¡Adelante!, Bandera, El Boricua, Pabellón, Prieto y Puya. A raíz de su regreso definitivo a Puerto Rico, ingresó al entonces recién creado Movimiento Pro Independencia encabezado por Juan Mari Bras y al Movimiento de Acción Unitaria. Y, al asumir la presidencia de la Liga Socialista Puertorriqueña el 2 de enero de 1962, creó El Correo de la Quincena y El Socialista, los dos órganos oficiales de dicha colectividad.

Desde el segundo lustro de la década de 1970, gran parte de la obra poética de Juan Antonio Corretjer ha sido musicalizada por notables exponentes de la Nueva Canción Puertorriqueña. Por ejemplo, en el álbum “Distancias” (Lara-Yari, DL-018), editado en 1976 y reeditado en formato compacto bajo el título de “Distancias Clásico” (LY017) en 1993, Roy Brown interpreta siete poemas que le musicalizó: “Oubao-Moin”, “Inriri Cabuvial”, “El hijo”, “Andando la noche sola”, “Día antes”, “En la vida todo es ir”y “Distancias”. En otro, también titulado “Distancias” (Lara-Yari, LY011CD), que recoge parte del repertorio que Roy Brown interpretara durante su concierto homónimo en el Teatro de la Universidad de Puerto Rico la noche del 10 de marzo de 1990, éste interpreta “Boricua en la Luna”, “Ayuburí”, “Diana Guilarte”, “Distancias”, “Oubao-Moin” y “Serenata”.

“En la vida todo es ir” también fue registrado en los álbumes “Haciendo Punto En Otro Son” (Artomax, ARM-405) en 1976 y “Éxitos originales” (Artomax, CIF-TV 742 / Disco Hit, DHCD-1561), editado en 1983, del grupo Haciendo Punto En Otro Son y en el de Tony Croatto titulado con el nombre de éste (TC-002), editado en 1988, mientras que “Oubao Moin” aparece en el titulado con el nombre de este colectivo (Artomax, 1977) y en la producción “Yo creo en la libertad” (Cuarto Menguante, DCM-70CD), de Andrés Jiménez «El Jíbaro», lanzado en 1980. Igualmente incluye “De Ciales soy”, con melodía del propio Roy Brown .

También, para HPES, Silverio Pérez musicalizó “Ensillando mi caballo” (Artomax, 1975) y “Cantar es vivir” (Artomax, 1986) y, para el álbum “Punto y aparte” (MT-95-101), del cantautor Irvin García, editado en 1995, aportó “Pitirre campeador” .

Por otro lado, en 1984 la Fundación Pro Museo Biblioteca Juan Antonio Corretjer editó el doble álbum “Juan Antonio Corretjer vivo / Ciales en dos tiempos” (MB-0189), que recoge la actuación del Grupo Mapeyé en la Cooperativa de Ahorro y Crédito de Ciales en septiempre de aquel año interpretando las selecciones “Ahora me despido”, “Alabanza en la torre de Ciales”, “Aviso a Idalia”, “Cadenas para liberar a mi abuelo”, “Canción del hombre preciso”, “Cosas del oficio”, “De Ciales soy”, “Dies Irae”, “Distancias”, “El alambiquero”, “Gozo del jíbaro amor”, “Pasodoble de Guánica”, “Pero a pesar de todo”, “Poema para otro aniversario”, “Presa color de acecho”, “Son cimarrón para Adolfina Villanueva”, “Tierra de mi corazón”, “Trova mayor para un valiente”, “Trova mayor para una valiente”, “Trova tenaz para un abuelo que no vi”, “Tu nombre es como un aroma” y “Una espada para Betances”.

Obras publicadas –

Poemarios: “Agüeybaná” (1932); “Ulises” (1933); “Los primeros años”, “El Cantar Épico de Puerto Rico” y “Alabanza en la Torre de Ciales” (1950, el tercero de estos, publicado en 1953); “Tierra nativa” (1951); “Contestación al Miedo” (1954); “Don Diego en el cariño” (1956); “Distancias” y “Yerba bruja” (1957); “Genio y figura” (1961); “Pausa para el amor” (1967); “Construcción del Sur” (1972); “Aguinaldo escarlata” (1973); “Para que los pueblos canten” (1974); “Día antes” (1975); “La noche de San Pedro” (1976); “Paso a Venezuela” (1977), etc.

Ensayos –

“El buen borincano” (1945); “Lloréns: juicio histórico” (1946); “Nuestra bandera” (1947); “La lucha por la Independencia de Puerto Rico” (1949); “Albizu Campos: hombre histórico” (1966); “Las banderas de la Independencia” y “La historia que gritó en Lares” (1970); “El líder de la desesperación” (1972); “Semblanza polémica de Pedro Albizu Campos” (1973); “La patria radical” (1975); “Problema de la Guerra Popular en Puerto Rico” (1977); “La patria radical”, edición ampliada (1978); “El voto presidencial” y “Vieques y la lucha por la Independencia” (1980). Por otro lado, en 1978 el poeta y editor Joserramón Meléndez publicó una antología de sus escritos que tituló “Juan Antonio Corretjer: Poesía y Revolución”.

Conferencias –

“El sufragio es una mentira” (1976); “De Betances a Lenín” (1977); “Corretjer en la ONU”, “El espíritu de Lares” y “Fusilamiento en Maravilla” (1978); “Asesinato en Tallahasse” (1979) y “Entre rayos y centellas” (1981). Es importante resaltar el dato de que, a partir de 1978, el Instituto de Cultura Puertorriqueña editaría sus “Obras completas” en varios tomos.

ROBERTO CANTORAL

EL RELOJ sigue  marcando cada segundo, cada minuto y cada hora sin detenerse, por eso te pido vengas a  LA BARCA y REGALAME ESTA NOCHE, no permitas que AL FINAL sea yo EL TRISTE que se siente como EL PRESO NUMERO NUEVE, no importa que tu creas que es DEMASIADO TARDE, ME ESTAS GUSTANDO y sé QUE MAL AMADA ESTAS y que yo SOY LO PROHIBIDO pero UN POQUITO DE PECADO vale la pena.

Roberto Cantoral

Roberto Cantoral García nació el 7 de junio de 1935 en Ciudad Madero, Tamaulipas, México  falleció el 7 de agosto de 2010 en Toluca, México.

Desde muy joven dio muestras de su inspiración y facilidad para la música y la composición de canciones. Él y su hermano, Antonio Cantoral, formaron el dueto “Hermanos Cantoral” en el año de 1950.

Posteriormente formó el trío Los Tres Caballeros, con el que hizo toda una época en la canción romántica en México, además de que realizó importantes giras a diversos países de todo el mundo, como a Estados Unidos, Japón y Argentina, entre otros muchos.

El Mtro. Cantoral se convirtió en solista en 1960. Su obra incluye canciones de gran popularidad y prestigio como “El Reloj”, “La Barca”, “El Preso Número Nueve”, “Al Final”, “El Triste”, “Noche No Te Vayas”, “Regálame Esta Noche”, “Yo lo Comprendo”, “Chamaca”, “El Quijote”, “Soy Lo Prohibido”, “Qué Mal Amada Estás”, “Me Estás Gustando”, “Un Poquito de Pecado”, “El Crucifijo de Piedra” y muchas otras que han dado la vuelta al mundo.

Sus canciones “El Reloj”, “La Barca” y “El Preso Número Nueve” tienen, cada una, más de mil versiones grabadas en muchos idiomas alrededor del mundo.

Sus composiciones han sido interpretadas por las más importantes figuras de la canción, entre las que destacan: Plácido Domingo, Joan Báez, Vikki Carr, Maisa Matarazo, José José, Emmanuel, José Feliciano, Gualberto Castro, Neil Sedaka, Alejandro Algara, Dalida, Mina, Charo, Sara Montiel, Lucho Gatica, Paul Muriatt, Antonio Prieto, Aníbal, Troilo, Pocho Pérez, Chucho Ferrer, Carabelli, Frank Pourcell, El trío Los Calavera, André Kostelanetz, Richard Clayderman, Los Diamantes, Los Panchos, Raúl DiBlasio, Nina Pissi, Linda Ronstadt, Pedro Vargas, Gloria Lasso, Gregorio Barrios, Marco Antonio Muñiz, Luis Miguel, René Cabel, Lucía Méndez, Olga Guillot y muchos más.  

El Mtro. Cantoral cedió los derechos de su composición “Pobre Navidad” a instituciones de atención a la infancia del mundo, por lo que recibió reconocimientos de dignatarios y primeras damas, entre ellas Madame De Gaulle (Francia) y Lady Bird Johnson (E.U.A.).

Su canción “Plegaria de Paz” se trasmitió durante tres años consecutivos en el Vaticano.

En 1971 ganó el Festival OTI con la canción “Yo No Voy a la Guerra”, y en 1973 volvió a ganar el certamen con el tema “El Quijote”.

En Bulgaria ganó, en el Festival de Festivales, el premio Orfeo Negro con su canción “El Triste”.

Además, ha participado en los principales festivales de la canción de todo el mundo, entre los que se encuentran el de Río de Janeiro, Brasil, el de Tokio, Japón, y el de Atenas, Grecia. En todos ellos sus canciones han quedado en los primeros sitios.

En 1982 fue electo Presidente del Consejo Directivo de la Sociedad de Autores y Compositores de Música (SACM), y en el 2003 fue nombrado, por sexta ocasión, Presidente del Comité Iberoamericano de la Confederación Internacional de Sociedades de Autores y Compositores (CISAC).

El Mtro. Roberto Cantoral ha sido invitado a los principales programas de espectáculos en las televisoras y radiodifusoras del mundo, como el programa de Arthur Garfield, en Estados Unidos, el de Alice Bontorno, en Italia, y en el de la Gran Parada, en España, por mencionar sólo algunos. Y sus presentaciones personales superan las 1,500 en 120 países, durante 15 años de labor artística.

Por su gran obra musical se le han entregado importantes reconocimientos, algunos de los cuales los ha recibido de manos de presidentes de diversos países.

Fue nombrado “Mr. Amigo” y Ciudadano Honorario de Texas por el gobernador de ese estado.

Es la única persona no gubernamental –hasta hoy– que ha tenido uso de la palabra en un Congreso de la Organización Mundial de la Propiedad Intelectual (OMPI), en donde fue ovacionado por su ponencia en defensa de la propiedad intelectual en 1993.

MARIA GREVER

ASI, ALMA MIA, JURAME que CUANDO VUELVA A TU LADO tendrás LA CASITA llena de flores para mí.  AMOR, AMOR, YO CANTO PARA TI, pero siento que YA NO ME 

QUIERES pareciera que esto es una DESPEDIDA, pero, POR SI NO TE VUELVO A VER, NO NIEGUES QUE ME QUISISTE. 

Nunca me preguntes ¿QUIEN ERES TU? mejor DAME TU AMOR, UN BESO o UNA ROSA y VOLVERE.

Ahora calla y BESAME, VIDA MIA

María Grever

 María Joaquina de la Portilla Torres, (Maria Grever), nace el 16 de agosto de 1884 en Guanajuato, Mexico, fallece el 15 de diciembre de 1951 en la ciudad de New York,  hija del sevillano Francisco de la Portilla y de su esposa la mexicana Julia Torres, Estudió en el Colegio del Sagrado Corazón. Desde niña recibió educación musical. Con sólo cuatro años hizo su primera composición, un villancico navideño con versos escritos por ella misma.

A los seis años de edad marchó a Sevilla (España), lugar de donde era originario su padre. Luego, viajó a París donde recibe clases de los músicos Claude Debussy y Franz Lenhard, quien le sugirió que no se sujetara a la técnica musical y conservara su espontaneidad. De regreso a México ingresó en la escuela de canto de su tía “Cuca” Torres.

En 1916, María se estableció en Nueva York, donde conoce al que sería su esposo León A. Grever y de quien adquirió el apellido con el que se inmortalizó.

Su primer gran éxito se produjo en 1926 con “Júrame”, canción interpretada por José Mojica cuando ella aún no era demasiado conocida. Por esos años el bolero comenzaba a convertirse en la música más popular del momento. Júrame, que aunque pase mucho tiempo pensarás en el momento en que yo te conocí. Júrame, que no hay nada más profundo, ni más grande en este mundo que el cariño que te di. Bésame, con un beso enamorado como nadie me ha besado desde el día en que nací. Quiéreme, quiéreme hasta la locura y así sabrás la amargura que estoy sufriendo por ti.

Desde entonces, María Grever alcanzó un éxito tras otro con obras como “Cuando vuelva a tu lado”, “Muñequita linda”, “Alma mía”, “Yo canto para ti”, “Amor, Amor”, “Por qué”, “Atardecer en España“, "Quién eres tú”, “Una rosa, un beso”, “Dame tu amor”, “Volveré”, “Tú, tú y tú”, “Bésame” y “Vida mía”.

Durante el encuentro del compositor mexicano Agustín Lara con María Grever tuvo lugar una anécdota bastante curiosa que me gustaría reproducir. Así, en una ocasión en que María viajó a México, Emilio Ascárraga (uno de los hombres más poderosos del país) pidió a Agustín Lara que fuera a recibirla y le hiciera una visita de cortesía. Ella citó a Lara en su habitación del Hotel Regis. Hablaron distendidamente durante varias horas. Le comentó al joven compositor lo duro que era llegar al triunfo... Por último, le obsequió una botella de Oporto, se despidieron y ordenó a su chofer que llevara al veracruzano de regreso a su domicilio. Cuando Agustín Lara ya estaba en su casa, encontró un papel que María Grever le había depositado en sus cosas sin que éste se diese cuenta y que decía: “De todas las canciones mexicanas que llegaron a Nueva York, inconscientemente elegí sólo cinco de entre ochenta de ellas y fue una sorpresa ver que eran todas del mismo autor: Agustín Lara. Es mi convicción que tienes un gran porvenir, pues tu inspiración es purísima y espontánea. No tardarás mucho en ser una gloria nacional”.

Pero no sólo en la canción popular fue grande, pues musicalizó varias películas para la Paramount Pictures así como, posteriormente, para la 20th Century Fox, compuso operetas e incluso llegó a dirigir orquestas.

María Grever afirmaba: “tuve que dejar mi país y ahora, en Nueva York, estoy interesada en el jazz, en la música moderna pero, sobre todo, en la música mexicana que deseo presentarla a los estadounidenses. No creo que sepan mucho de ella. Valdría la pena darla a conocer. Existe una riqueza en la cultura de la canción en México (su origen hispano e indígena y la mezcla de ambos). Melodía y ritmo convergen ahí. Es mi deseo y ambición presentar las melodías y ritmos nativos en perspectiva real, pero con la flexibilidad necesaria para hacer una llamada al oído universal”.

La investigadora Nayeli Nesme sostiene que María Grever era un centro de atención artística. Cultivó la amistad de Agustín Lara y Pedro Vargas, así como también con Julián Carrillo y Enrico Caruso, pues quién iba a interpretar a Grever con un gusto belcantista sin ellos. Fue realmente la primera mujer mexicana que trascendió a escala internacional.

Tras su estancia en Nueva York, en 1949 regresó a su país natal donde le fueron otorgadas las Llaves de la Ciudad de México (distinción honorífica), la Medalla al Mérito Cívico y la Medalla del Corazón de México. Luego, trabajó como presentadora en la cadena de televisión XEW, contó su vida en la radio y escribió un libro autobiográfico.

De María Grever se ha señalado su estilo romántico y elegante. Formó parte, junto a la cubana María Teresa Vera (autora de “Veinte años”) y a su compatriota Consuelo Velásquez, de la pléyade de mujeres compositoras que destacaron sobremanera en el mundo del bolero.

Según el maestro Núñez Palacio (compositor orquestal), “María Grever no sólo capturó el alma de la gente, sino que logró ensamblar perfectamente entre sí letras y músicas. Hoy día muchos compositores llaman a otro autor para que le escriban las letras. Ella era una persona formada musicalmente y culta que nunca olvidó la música de México”.

El 15 de diciembre de 1951 María Grever fallece en la ciudad de Nueva York; sin embargo, aún sigue presente en toda la música latinoamericana, así como en la vida de quienes hoy cantamos sus canciones.

En 1953, Tito Davison realizó la película cinematográfica Cuando me vaya, melodrama sobre la vida y obra de María Grever protagonizada por la gran Libertad Lamarque.

SIMON DIAZ

Este CABALLO VIEJO anda medio loco, en la boca un CLAVELITO COLORADO  detrás de la LAURA parece que ese ROMANCE EN LA LEJANIA y el AMOR ENGUAYABAO lo tienen como EL LOCO JUAN CARABINA. 

Se pasa todo el día descansado debajo del ARBOLITO SABANERO proclamandoTODO ESTE CAMPO ES MIO pero tan pronto MERCEDES la CAMPESINA se entere al PASAJE DEL OLVIDO lo va a enviar, si allí mismito en VENEZUELA.

Simon Díaz   

Simón Narciso Díaz Márquez, nace en 8 de agosto de 1928 en Barbacoas, Estado de Aragua, fallece el 19 de febrero de 2014 en Caracas, Venezuela.

El más célebre músico, compositor e intérprete del género popular venezolano. Conocido mayormente por el rescate de la Tonada Llanera. Su padre fue el maestro Juan y su madre Doña María, tuvieron 8 hijos y Simón vivió desde pequeño inmerso en la música donde su padre le enseñó lo básico y en la vida típica del campo. Comenzó su carrera improvisando coplas y tonadas que escuchaba de los artistas locales. Su padre tocaba el cornetín en la banda del pueblo, y lo animó a aprender a tocar el cuatro y a componer y cantar boleros. A los 12 años murió su padre y le tocó ayudar a la familia. En aquel entonces dedicó buena parte de su tiempo a vender dulces, empanadas y otras comidas preparadas por su mamá para sostener a sus siete hermanos.

Cuando tenía 20 años viajó a Caracas y se inscribió en la Escuela Superior de Música. Allí estudió por seis años bajo la dirección de Vicente Emilio Sojo. Convencido de que la tonada del llano venezolano es un aire musical de características únicas, se dedicó enteramente a difundirla, estudiarla y componerla hasta constituirla en un auténtico género musical

Su pasión por el canto y la actuación lo lleva al teatro, el cine y la televisión, todos diseñados para promover la música venezolana, uno de los cuales lo dedicó a la enseñanza de la cultura popular sólo para niños. Este programa estuvo 10 años en el aire, y de esta experiencia Simón Díaz pasó a llamarse "Tío Simón", nombre con el que se le conoce cariñosamente. Díaz grabó su primer álbum como cantante y compositor en 1963 y desde entonces ha grabado muchos otros, en su récord discográfico cuenta con más de 70 producciones musicales. Mantuvo la conducción de un programa diario para la radio por espacio de 25 años, también dedicado al folklore y la música venezolana.

Son innumerables las actuaciones artísticas que ha realizado a lo largo de su carrera, Así mismo, destacados directores y compositores de la música académica han llevado las tonadas de Simón Díaz al lenguaje de la orquesta sinfónica y arreglos corales, sellando de esta manera el carácter universal de este género musical. “Caballo Viejo” es una de las canciones venezolanas más famosas en el mundo entero, tiene 350 versiones, ha sido traducida a 12 idiomas y ha sido entonada por vocalistas de renombre mundial.

Recibió los premios más importantes que otorga su país en materia musical. Fue distinguido con la más alta condecoración que otorga el estado venezolano, es decir, la "Orden del Libertador en su Orden de Gran Cordón", constituyéndose en el único artista nacional al que se le haya impuesto dicha distinción. Representó a Venezuela en Francia, Inglaterra, España, Polonia, Hungría, Irak, Estados Unidos, México, Panamá, Puerto Rico, Ecuador, Chile, Brasil, Cuba y Colombia.

La cadena de televisión A&E Mundo produjo un documental en su espacio “Biography” dedicado a su vida y que se estrenó en el mes de septiembre de 2004. En el año 2008, se hace acreedor del Grammy Latino a la Trayectoria, esta distinción especial es otorgada a individuos que, durante sus carreras musicales, han realizado importantes aportes tal como lo ha hecho el maestro Simón Díaz.

Complicaciones de salud lo llevaron a retirarse hace unos años de los escenarios, sin embargo, su esposa Betty de Díaz refiere que su pasión por la música sigue vigente en sus recuerdos y con frecuencia se pasea por la casa cantando “La vaca mariposa”. Según Ilán Chester (cantautor venezolano) "El significado de la vida de Simón va más allá de sus canciones… Simón representa a esa Venezuela orgánica y hermosa que, a través del canto, nos recuerda el llano; representa a esa Venezuela sensible y bella… Es el padre cultural de Venezuela"

Murió a los 85 años de edad, en su casa, tras sufrir por varios años alzheimer, enfermedad que deterioró progresivamente la salud del querido “Caballo Viejo”.

ERNESTO LECUONA

MIENTRAS YO COMIA MAULLABA EL GATO parecía que de mi CAJITA DE MUSICA salía MELANCOLIA para LA MULATA, LA HABANERA que en LA DANZA INTERRUPIDA del PRELUDIO EN LA NOCHE  yo le gritaba ERES TU EL AMOR pero ven acércate para que veas COMO BAILA EL MUÑECO.

GONZALO ¡NO BAILES MAS! que ELLA Y YO, ZENAIDA, bailaremos LA CONGA DE MEDIANOCHE y LA COMPARSA. ¡ECHATE PA’LLA MARIA! Que LOLA ESTA DE FIETA y bailando la DANZA DE LOS ÑAÑIGOS.

Ernesto Lecuona

Ernesto Sixto de la Asunción Lecuona Casado nace en Guanabacoa el 6 de agosto de 1896 y fallece 29 de noviembre de 1963 en Santa Cruz de Tenerife, España,  Compositor y pianista cubano. Excelente pianista, dedicó la mayor parte de su creatividad musical a este instrumento, con obras en las que explotaba, de manera imaginativa y original, los ritmos y las melodías caribeños. Nacido en el seno de una familia de músicos, sus inicios en la composición fueron muy precoces (escribió su primera canción a los once años). Precisamente han sido sus canciones, más que su música instrumental, las que le han valido el reconocimiento de muchos melómanos. De entre su amplia producción en este campo destacan las tituladas Andalucía, Malagueña, Siempre en mi corazón, La comparsa, El crisantemo, Mariposa y, sobre todo, Siboney, su pieza más recordada. Junto a ellas, merecen citarse también las zarzuelas Rosa la China, María de la O y El cafetal, en las que supo encontrar un estilo propio, independiente de los modelos tradicionales españoles y con ciertos puntos de contacto con la comedia musical estadounidense.

Ernesto Lecuona se dio a conocer como precoz y extraordinario pianista: con sólo diecisiete años se graduó en el Conservatorio Nacional con Medalla de Oro en interpretación. Durante los años siguientes consiguió éxito internacional como intérprete, dando conciertos en La Habana y Nueva York; en esta ciudad comenzó a profundizar en la composición, que se convertiría en su actividad principal. A lo largo de su vida, Lecuona se mantuvo muy activo profesionalmente: actuó en teatros y salas de España, Cuba y Latinoamérica como compositor, pianista y director. Fundó además los grupos Havana Symphony (con Gonzalo Roig), la Lecuona Cuban Boys Band y La Orquesta de La Habana. Durante algunos años, tocó el piano en la discoteca madrileña Long Play, cercana a la Gran Vía. Murió en Santa Cruz de Tenerife, adonde había viajado para conocer la tierra natal de su padre.

Lecuona se dedicó también al cine, componiendo un total de once bandas sonoras para estudios cinematográficos de Hollywood, España y Latinoamérica. En 1942 fue nominado para un Premio de la Academia por la música de la película Always in my heart, una producción de la Warner Brothers. Otra banda sonora para Hollywood fue la de All This and Glamour Too (1938), en la que se interpretan los temas Siboney yWhenYou're in Love. Para la película Under Cuban Skies creó los temas Free Soul(1931), Susana Lenox (1931), Pearl Harbor (se desconoce el año de composición) yThe Cross and the Sword (también de fecha desconocida). Películas realizadas fuera de los Estados Unidos para las que el compositor hizo la banda sonora son María de La O (México), Adiós Buenos Aries (Argentina) y La Última (Cuba).

Pero su popularidad procede sobre todo de su talento melódico: llegó a componer un total de 406 magníficas canciones, muchas de las cuales se convirtieron en grandes temas que serían adaptados con arreglos diversos a lo largo de los años, con varias combinaciones vocales e instrumentales, realizadas tanto por Lecuona como por muchos otros músicos. Escribió también operetas, ballet, zarzuelas, revistas y ópera. Son especialmente recordadas por su calidad las zarzuelas ya citadas (María de la O, El cafetal y Rosa la china). Su obra más ambiciosa fue la ópera El Sombrero de Yarey, en la que estuvo trabajando durante varios años y que no llegó a representarse; gran parte de las partituras se perdieron.

Lecuona compuso también más de 176 piezas para piano solo, entre las que se cuentan las seis piezas que componen la Suite Andalucía: Córdoba, Andaluza, Alhambra, Gitanerías, Guadalquivir y Malagueña. Otras obras conocidas son Ante El Escorial, Zambra gitana, Aragonesa, Granada, San Francisco el Grande, Aragón y La habanera. De sus 37 obras para orquesta (que incluyen tres para piano y orquesta) la más famosa es Rapsodia Negra, una fantasía basada en temas de su zarzuela El cafetal. Lecuona raramente orquestaba sus obras, dejando esta labor para amigos y colegas. Muchas de sus piezas para orquesta, como la Rapsodia Negra, son popurrís basados en temas de otras composiciones suyas. A menudo utilizaba el término mosaico para describir su obra.

RENÉ MARQUÉS

OTRO DIA NUESTRO, EN UNA CUIDAD LLAMADA SAN JUAN, LA MIRADA, INMERSO EN EL SILENCIO observando LA CARRETA. 

LA MUERTE NO ENTRARA EN LE PALACIO porque ese es  UN NIÑO AZUL PARA ESA SOMBRA de LOS SOLES TRUNCOS que ya está entrando a LA VISPERA DEL HOMBRE.

René Marqués

René Marqués García; nace el 4 de octubre de 1919 en Arecibo, Puerto Rico, fallece en 22 de marzo de 1979 en San Juan.  Escritor puertorriqueño, autor de una obra literaria caracterizada por la crítica a las oligarquías de la isla y la reivindicación de la identidad cultural y política del país frente al colonialismo estadounidense. Dicha problemática aparece claramente en su novela La víspera del hombre (1959) y se refleja en cuentos como Otro día nuestro (1955) o En una ciudad llamada San Juan (1960). Fue también autor de obras teatrales de gran fuerza simbólica, entre las que destacan El sol y los MacDonald (1950), Un niño azul para esa sombra (1960) y La casa sin reloj (1961).

René Marqués permaneció en su ciudad natal en los primeros años de su vida, en la casa de sus abuelos, donde una tía suya, Trina Padilla de Sanz, imbuyó en él un valor supremo: el amor a la libertad. Aparte de poeta, escritora y pianista, Trina era una ferviente defensora de la independencia de Puerto Rico y de los derechos de la mujer. En su casa departían los hombres y mujeres más ilustres de Puerto Rico. Dentro de ese trasfondo familiar de gran intelectualidad y efervescencia política se nutrió Marqués en su camino hacia la superación y la madurez.

Marqués se graduó de agrónomo en el Colegio de Agricultura y Artes Mecánicas de Mayagüez en 1942. Estudió literatura en 1946 en la Universidad de Madrid, desde donde remitía artículos al periódico El Mundo. Al regresar a Puerto Rico en 1947, se trasladó a Arecibo y continuó con sus colaboraciones periodísticas, labor por la que mereció un premio de periodismo concedido por el Instituto de Literatura Puertorriqueña. En la Universidad de Columbia y en el Taller Dramático de Piscator estudió dramaturgia tras ser becado por la Fundación Rockefeller. Durante la década de 1950 trabajó en la División de Educación de la Comunidad, de la cual llegó dirigir la sección editorial, que produjo los famosos Libros para el pueblo.

Dejando a un lado algunos poemas de adolescencia, que el propio autor rechazó, lo mejor de su obra son sus cuentos y sus piezas teatrales. Su interés por el teatro se manifestó desde su juventud. En 1948 publicó el drama El hombre y sus sueños en la revista Asomante; en 1953 se consagró con La carreta, un drama en tres actos que fue llevado a escena en Nueva York en 1953 y en Puerto Rico en 1954. Los cuentos constituyen el otro aspecto destacado de la creación literaria de René Marqués. En su libro Literatura puertorriqueña: su proceso en el tiempo, Josefina Rivera de Álvarez sitúa a Marqués "en el número de los mejores narradores de la literatura puertorriqueña de todos los tiempos".

Se inició como cuentista en 1942, cuando publicó algunos relatos en la revista Alma Latina. El Ateneo Puertorriqueño premió su cuento "El miedo" en 1950. La mayoría de sus cuentos se publicaron en colecciones: Los casos de Ignacio y Santiago (1953), Cinco cuentos de miedo (1954), Otro día nuestro (1955), Cuatro cuentos de mujeres (1959), En una ciudad llamada San Juan (1960). Publicó además las novelas La víspera del hombre (1959), con cierta carga autobiográfica, y La mirada (1975). En el ensayo El puertorriqueño dócil (1960), se ocupó de los rasgos que para el autor definen la personalidad del puertorriqueño.

Josefina Rivera señaló sobre René Marqués que "Su refinada conciencia de escritor hinca raíces a la par en el meollo de la carne espiritual puertorriqueña (haciéndose eco de una vitalísima inquietud ante la incertidumbre del destino político y cultural isleño) y en las corrientes de anchura universal que han renovado en Europa y América el contenido y forma de la expresión literaria del presente". De ahí que su producción sentase precedentes que otros habrían de imitar. Su creación literaria no fue una obra de complacencia, sino de retos y tentaciones, llena de ansias de libertad y de independencia para su patria.